(00:00:00) : Introduction

(00:05:07) : 1. Un drapé en hommage à Zelda

(00:47:45) : 2. Tisser les fils de la métaréférentialité

(01:51:41)   : 3. Revêtement métaréférentiel de Tunic

(02:56:43) : Conclusion

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Cet épisode étudie le jeu d’action-aventure Tunic (Isometricorp Games, 2022) à partir du concept de métaréférence développé par Theresa Krampe dans son ouvrage Metareference in Videogames (2025). En déployant ses innovations de design sous la forme d’un hommage à The Legend of Zelda: A Link to the Past (Nintendo, 1991), Tunic s’affiche comme jeu métaréférentiel qui problématise activement sa propre nature vidéoludique à travers une série de stratégies d’auto-réflexion, de métaisation et d’hypermédiatisation.

S’ensuit une analyse approfondie des métaréférences articulées dans le livret d’instructions, la langue inventée, les mécaniques atypiques, les puzzles cryptiques et le système de caméra isométrique. Ce travail met en relief l’originalité avec laquelle Tunic détourne le système de conventions vidéoludiques pour proposer des méta-énigmes où la prise de conscience des codes fait partie des conditions de succès et d’échec. Par cette approche, Tunic se présente comme un exemple riche de design autoréflexif capable de transformer l’acte de jouer en une pratique critique orientée vers la compréhension du jeu vidéo en tant que système culturel et médiatique régi par ses propres codes.

(00:00:00) : Introduction

(00:05:13) : 1. Un parasite dans la pièce

(00:58:28) : 2. Mécaniques de spéculation

(01:47:36) : 3. Paranoïa spéculative:

(02:52:32) : Conclusion

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DESCRIPTION
Cet épisode analyse No, I’m Not a Human (Trioskaz, 2025) à partir du concept de « mécaniques de spéculation » développé par Cameron Kunzelman dans The World Is Born From Zero (2022).  Situé dans un huis clos apocalyptique où des entités extraterrestres infiltrent la société humaine, le joueur est placé dans la peau d’un propriétaire introverti qui est confiné chez lui. La solitude n’étant pas une optique, il doit décider quels personnages laisser entrer dans sa maison. Confronté à des indices ambigus et à des règles incertaines, le joueur fait face à la misère qui cogne à la porte, forçant ainsi la spéculation entre l’humain et le nonhumain.

L’épisode montre comment le design du jeu cultive l’incertitude et pousse le joueur à imaginer différentes organisations possibles du monde. À travers ses mécaniques d’enquête visuo-narrative, de déduction sociale et de décision morale entourant l’histoire des personnages, No, I’m Not a Human génère une paranoïa spéculative où l’empathie, la méfiance et le jugement social deviennent des instruments à la fois de survie et de mort. La portée imaginaire de cette dynamique ludique est réfléchie du point de vue de la distinction théorique entre extrapolation et spéculation dans la science-fiction, ainsi qu’avec des perspectives philosophiques issues du matérialisme spéculatif.

L’épisode soutient que les mécaniques de spéculations permettent aux jeux vidéo de devenir des dispositifs d’exploration créative et d’expérimentation critique, invitant les créateurs et les joueurs à réfléchir aux limites de l’anthropocentrisme et à imaginer des formes d’existence qui excèdent l’expérience humaine.

(00:06:40) : 1. Mosaic: Un jeu entre aliénation et libération

(00:52:22) : 2. Jouabilité ambiante et design enveloppant

(01:43:36) : 3. Sortir du jeu: Déserter le capital ambiant

(01:49:37) : 3.1. Ambiances opérationnelles

(02:26:36) : 3.2. Ambiances affectives

(02:40:19) : 4. Conclusion

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Résumé
Cet épisode analyse le jeu Mosaic (Krillbite Studio, 2019) du point de vue de la notion de « jouabilité ambiante » développée par Sonia Fizek dans son ouvrage Playing at a Distance: Borderlands of Video Game Aesthetic (2022). Ce cadre théorique met en lumière un mode d’expérience vidéoludique caractérisé par une lenteur ludique, une attention distribuée, une agentivité humaine décentrée et une oscillation constante entre immersion et émersion.

Le jeu met en scène l’expérience quotidienne d’un employé de bureau évoluant dans une métropole industrialisée. Le personnage-joueur se trouver coincé dans une boucle de jeu routinière et aliénante — déplacements urbains, travail informatique, interactions médiatisées — ponctuées d’événements poétiques et surréels qui catalysent une prise de conscience critique. L’épisode examine comment cette structure narrative se déploie dans un dispositif ludique « méta » combinant les tropes du jeu d’aventure pointez-et-cliquez, du clicker game, du jeu de gestion ainsi que des séquences contemplatives caractéristiques des cozy games et des notgames.

Cette structure ludonarrative est interprétée comme une mise en abîme du jeu ambiant et des transformations attentionnelles qui lui sont associées dans le contexte du capitalisme néolibéral. Les stratégies de design par lesquelles Mosaic déploie ses ambiances opérationnelles (associées à des systèmes semi-autonomes) et ses ambiances affectives (associées au slow play contemplatif) sont analysées en tant que critique sociale de la jouabilité ambiante elle-même et des régimes perceptifs aliénants qu’elle accommode. La comparaison entre ces deux types d’ambiance montre comment la notion de jeu ambiant peut servir de ressort ludonarratif puissant pour remettre en question la ludification ambiante du quotidien accéléré et du travail oppressant sous le capitalisme. 

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Cet épisode de Profil ludique affronte l’horreur psychologique de Mouthwashing (Wrong Organ, 2024) armé de l’ouvrage Le grimoire et le monstre : penser le jeu vidéo par la littérature fantastique (Ray, 2024). La figure mythologique de la gorgone est mobilisée comme cadre d’analyse pour décortiquer la monstruosité liminale qui hante l’œuvre de Wrong Organ.

Ce bouclier théorique nous assiste dans la descente aux enfers de l’équipage du vaisseau-cargo Tulpar abandonné dans l’espace à la suite d’un accident manigancé par l’un des personnages sombrant dans une folie meurtrière. Les ressorts pétrifiants de la terreur sont réfléchis par le prisme des notions de regard haptique, de monstre-sublime, des êtres de seuil, de la gorgone-glitch et des effets miroir propageant la figure du double. Ces outils viennent refléter le monstre insaisissable qui putréfie l’histoire du Tulpar, de ses entrepôts ténébreux à la psychologie fragilisée de son équipage, en passant par sa structure narrative chaotique et ses puzzles cauchemardesques.

Cet affrontement met en lumière l’inconfort tranchant qui émerge de la liminalité d’un regard où cohabite un joueur-médusé qui est constamment pétrifié par le monstrueux et un joueur-méduse qui pétrifie le monde par l’horreur de ses gestes. Cette ambivalence du regard à travers laquelle survit et se propage le reflet de la gorgone ouvre sur une réflexion critique à propos du pouvoir de l’horreur.

La seconde partie de l’épisode introduit l’ouvrage Run and Jump: The Meaning of 2D Platformer (2024) de Peter McDonald qui sert à préparer le terrain de l’analyse. Nous présentons l’objectif de l’ouvrage qui consiste à effectuer une généalogie des formes et des significations du genre du platformer 2D pour définir la poétique procédurale de ses structures de design particulières. Nous contextualisons ensuite son cadre théorique sémiotique d’inspiration structuraliste pour situer le point focal de son étude : la signification des formes ludiques du point de vue de la relation entre le signifiant et le signifié, une théorie reprise du linguiste Ferdinand de Saussure.

Le troisième segment de l’épisode plonge dans l’analyse sémiotique du saut dans Pizza Tower. Le concept de « ludème » (unité actionnelle signifiante du jeu vidéo) tel que retravaillé par McDonald est utilisé pour décortiquer le signifiant du saut (aspect dénotatif, sensible et technique d’un saut) et le signifié du saut (aspect connotatif, représentatif, affectif et stratégique d’un saut). L’analyse du signifiant repose sur l’application des quatre caractéristiques sensibles du saut relevées par McDonald : la pesanteur, la consistance, la grâce et la vivacité, ce qui nous amène à raisonner l’arc du saut, sa temporalité et sa physique. L’analyse du signifié sert pour sa part à qualifier le game feel "pâte à pizza" de Pizza Tower ainsi que la manière dont les sauts contribuent à communiquer la personnalité inquiète, irritée, impulsive et disgracieuse de Peppino Spaghetti. 

En terminant, nous expliquons comment chaque saut gagne sa signification particulière en relation avec les autres mécaniques qui sont choisies et laissées de côté dans une séquence d’action donnée. Cette analyse permet de traiter de la manière dont la signification des sauts dans Pizza Tower vient consolider les 5 grands thèmes récurrents du platformer 2D : la rébellion, la vulnérabilité, l’adaptation, la spontanéité et l’exploration.

(00:00:00) : Introduction 

(00:09:18) : Présentation de Dishonored 2 (Arkane Lyon, 2016) 

(00:42:08) : Problématisation du stealth dans The Aesthetics of Stealth (Pape, 2024)  

(01:07:24) : Analyse de l’esthétique « technostealth baroque » dans Dishonored 2 

(02:27:50) : Conclusion 

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Cet épisode étudie l’esthétique de la furtivité dans l’univers de Dishonored 2 (Arkane Studios, 2016). Nous examinons les techniques d’infiltration mises en œuvre par Emily Kaldwin et Corvo Attano à travers leurs missions jalonnées d’assassinats, de complots politiques, de trahisons et de pouvoirs surnaturels, avec pour objectif de restaurer l'ordre social dans un Empire en perdition. 

L’ouvrage The Aesthetics of Stealth: Digital Culture, Video Games, and the Politics of Perception (Pape, 2024) guide notre analyse du design de l’imperceptible dans Dishonored 2, ce qui permet s’appréhender le stealth à la fois comme modalités de tensions narratives et morales ainsi que dynamiques de jouabilité fondées sur la négociation ludique des seuils de perception et de leur mouvement. 

L’analyse détaillée de l’esthétique « technostealth Baroque » dans le niveau « Clockwork Mansion » nourrit une conceptualisation de la furtivité comme assemblage de dispositifs d’imperceptibilité et de points de préhension. Les notions de « multiperspectivisme » et de « labyrinthe » propres au courant pictural Baroque servent à approfondir la réflexion sur la particularité des tactiques d’opacification et de transparence dans le niveau étudié. La référence au Baroque clarifie l’expérience des stealth games à l’image d’un effort de « microperception » et de « macroperception » au sein d’une écologie de perception hostile et insaississable dans sa totalité et où le joueur est décentrée en tant qu’agent dans cette multiplicité éclatée de foyers de perception et d’action. 

Joignez-vous à cette exploration du stealth où le jeu vidéo prend la forme d’un espace de réflexion à propos des préoccupations socioculturelles entourant les thèmes de l’anonymat et de la surveillance, de la résistance et du contrôle, qui touchent nos sociétés contemporaines et leurs exigences autoritaires de transparence absolue. 

Ce cadre théorique soutient une réflexion à propos des techniques scénaristiques et des stratégies de design impliquées dans la caractérisation de Swann. Il en résulte une étude approfondie de l'éthos du personnage, de la narration environnementale et des conflits internes qui complexifient certaines décisions ludonarratives majeures. 

Ces observations sont ensuite mises en dialogue avec les thèmes centraux de la rébellion et de l'affirmation de soi qui s'expriment à travers les figures symboliques et féministes du punk, du maquillage, du masque et de la sorcière. Ces moteurs de la métamorphose de Swann servent d'assises pour expliquer le devenir adulte de Swann qui passe de l'adolescente introvertie, candide, insécure et pudique au statut de femme déterminée, affirmée et émancipée.