Muy buenas, soy Marc Aliana, guitarrista, cantante y compositor, y este es el episodio de presentación de ‘Disco prestado’, un pódcast sobre discos que dejaron huella.

La idea es sencilla: en cada serie de episodios, alguien nos «presta» un disco. A mí y a vosotros. Y entonces lo comentamos en profundidad, canción a canción; el disco... y lo que se preste.

En estos cinco minutos os cuento de dónde salió la idea, por qué creo que escuchábamos la música de otra manera antes del ‘streaming’, y qué vais a encontrar en cada episodio.

La voz de la cabecera es del actor Vicenç Miralles: https://vicen%C3%A7miralles.com

Enlaces y lista de todos los discos prestados: discoprestado.com

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La música que suena en la cabecera de ‘Disco prestado’ forma parte de mi EP ‘The Entertainer’. Lo tienes en todas las plataformas y en marcaliana.com/musica, junto con mi disco ‘El último jardín’.

Contacto: discoprestado@marcaliana.com

¡Salud y buena música!

Marc Aliana
marcaliana.com

‘OK Computer’ se publicó en 1997 en Parlophone, producido por Nigel Godrich y la propia banda.

En esta primera parte comentamos:

• Por qué la discográfica no confiaba en ‘OK Computer’ y cómo la banda se alejó de ‘Pablo Honey’ y ‘The Bends’.
• El compromiso artístico y la actitud antirrockstar de Radiohead, y por qué «Creep» acabó incomodando al propio grupo.
• El videoclip de «Paranoid Android» y su relación con Marvin, el androide paranoide de ‘La guía del autoestopista galáctico’ de Douglas Adams.
• Qué contiene ‘OKNOTOK’, la reedición del vigésimo aniversario con maquetas anteriores a la grabación.
• El 1997 en el que salió el disco: el declive del britpop, el ‘Homogenic’ de Björk, el disco homónimo de Portishead.
• Cómo se descubría música antes del Napster.

Y por el camino nos encontramos con Spiritualized, Beck, DJ Shadow, Pearl Jam, Soundgarden, Nirvana, Blur, Oasis, Sonic Youth, My Bloody Valentine, Harry Potter y Lady Di, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(01:54) Cómo descubrió Álvaro el disco
(03:26) ‘OKNOTOK’, la reedición
(04:20) Por qué «Creep» le daba rabia
(08:05) La discográfica no daba un duro
(09:18) El declive del britpop
(11:21) Efemérides de 1997
(14:04) Otros discos de 1997
(15:59) Antes del Napster
(20:46) «Airbag» y Nigel Godrich
(30:09) «Paranoid Android»
(34:44) El bar que inspiró la letra
(38:59) «Subterranean Homesick Alien»
(45:42) El guiño a Bob Dylan

Álvaro Méndez hace un poco de todo en Photolari, una web y canal de YouTube sobre fotografía y vídeo de referencia en el mundo hispanohablante: https://photolari.com/nosotros/

‘OK Computer’ se grabó en Canned Applause, un cobertizo reconvertido en Oxfordshire, y en St Catherine’s Court, una mansión isabelina cerca de Bath. En este disco, Radiohead eran Thom Yorke a la voz y la guitarra, Jonny Greenwood a la guitarra y los teclados, Ed O’Brien a la guitarra, Colin Greenwood al bajo y Philip Selway a la batería.

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Marc Aliana
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En esta segunda parte comentamos:

• Cómo ‘OK Computer’ consiguió seducir a oyentes con gustos musicales muy dispares.
• Por qué Radiohead compusieron «Exit Music (for a Film)» para la película ‘Romeo + Julieta’.
• Qué es un Mellotron, cómo suena en «Strawberry Fields Forever» de los Beatles y cómo lo usan Radiohead en el disco.
• La posible influencia de David Lynch y del fotógrafo estadounidense William Eggleston en el videoclip de «Karma Police».
• La relación especial que Radiohead siempre han tenido con la industria musical, del Napster en adelante.
• La épica de grupos como U2, Coldplay, Keane o Muse.
• La escritura automática de Thom Yorke detrás de la letra de «Fitter Happier», que escuchamos traducida al español.

Y por el camino nos encontramos con Led Zeppelin, Metallica, Keane, el Napster, Apple, ‘Romeo + Julieta’ y la ‘Doctora Quinn’, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(00:55) Qué es un Mellotron
(02:03) «Exit Music (for a Film)» y ‘Romeo + Julieta’
(07:14) La épica de Muse, Coldplay y U2
(11:45) «Let Down»
(12:56) Las guitarras «matemáticas»
(16:28) ¿La canción más triste de Radiohead?
(18:58) «Karma Police»
(20:15) David Lynch y William Eggleston
(27:07) La batería que recuerda a Led Zeppelin
(28:11) Radiohead y la industria musical
(31:27) «Fitter Happier», traducida
(34:53) La escritura automática de Thom Yorke

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Marc Aliana
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En esta tercera y última parte comentamos:

• Por qué «Electioneering» es el tema más rabioso del disco y qué dice su letra sobre las campañas electorales.
• El videoclip de «No Surprises» y cómo reaccionó la discográfica al recibirlo.
• Cómo «Lucky» se grabó dos años antes que el resto del disco, para un recopilatorio benéfico impulsado por Brian Eno, y marcó el giro estilístico de la banda.
• La primera colaboración de Radiohead con Nigel Godrich y su decisión de autoproducirse.
• Algunos de los recursos guitarrísticos que utiliza Jonny Greenwood.
• Por qué Jonny Greenwood quería componer «una canción en la que no estuviera pasando algo cada tres segundos».

Y por el camino nos encontramos con el krautrock, Iggy Pop, David Bowie, Tortoise, Mogwai, Pulp, The Velvet Underground, los Pixies, Nirvana y Margaret Thatcher, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(01:28) «Electioneering»
(02:51) La letra: campaña electoral
(05:15) «Climbing Up the Walls»
(11:01) «No Surprises»
(13:02) El monóxido de carbono en la letra
(14:36) La reacción de la discográfica
(19:02) «Lucky»
(19:44) La canción que se grabó primero
(20:37) Nigel Godrich y la autoproducción
(21:30) Los recursos de Jonny Greenwood
(26:46) El Mellotron, otra vez
(27:24) «The Tourist»
(30:48) «Que no pase algo cada tres segundos»

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Marc Aliana
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Advertencia: este episodio comenta letras que hablan de consumo de sustancias y de sexo explícito.

‘Blood Sugar Sex Magik’ se publicó en 1991 en Warner Bros. Records, producido por Rick Rubin.

En esta primera parte comentamos:

• Por qué Flea grabó el disco entero con un bajo Wal prestado y luego no se lo llevó de gira.
• The Mansion, la casa de Laurel Canyon que la banda convirtió en estudio: las baterías en el salón, las voces de Anthony Kiedis en su habitación y por qué Chad Smith no quiso quedarse a vivir allí.
• La Stratocaster del 62 a la que Frusciante mandó quitar los trastes, y los dos Marshall con chorus estéreo que definen el sonido de guitarra del disco.
• Por qué los Chili Peppers grababan sin claqueta y qué se pierde cuando todo va cuadrado a la rejilla.
• Rick Rubin antes de este disco: Beastie Boys, Slayer, Johnny Cash… y el salto al ‘mainstream’ que le trajeron los Red Hot.
• El 1991 en el que salió el disco: la muerte de Leo Fender, el estreno de ‘Los Simpson’ en Televisión Española y los seis discos que salieron en seis semanas.
• La letra de «The Power of Equality» y la paliza policial a Rodney King, tres meses antes de la grabación.

Y por el camino nos encontramos con Victor Wooten, Jaco Pastorius, Marcus Miller, Chris Squire, John Entwistle, George Clinton, Jimi Hendrix, Nirvana, Metallica, Guns N’ Roses, Pearl Jam, Soundgarden, Massive Attack, Héroes del Silencio, Freddie Mercury, Miles Davis, Audioslave, el mago Houdini y el Autotune, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(02:18) Cómo descubrió Miki el disco
(05:42) Por qué Flea le hizo bajista
(08:08) La biografía de Flea
(10:10) Los Californicators
(14:48) Rick Rubin y el quinto disco
(18:11) The Mansion y sus fantasmas
(20:47) En cinta y sin claqueta
(25:02) Efemérides de 1991
(29:31) Seis discos en seis semanas
(34:33) El bajo Wal de Flea
(37:40) Las guitarras de Frusciante
(41:18) «The Power of Equality»
(48:43) La letra y el caso Rodney King

Miki Santamaria es bajista y productor musical de Terrassa (Barcelona), miembro fundador de Doctor Prats y director de Escuela de Bajistas, una plataforma ‘online’ para aprender a tocar el bajo. Durante su carrera ha tocado muchísimo en directo, ha impartido ‘masterclasses’ por todo el mundo y ha colaborado en grabaciones con músicos y artistas como David Otero, Arnau Griso, El Niño de la Hipoteca o Phredley Brown, guitarrista y productor musical de Bruno Mars: https://escueladebajistas.com/miki-santamaria

‘Blood Sugar Sex Magik’ se grabó entre abril y junio de 1991 en The Mansion, una mansión de Laurel Canyon, en Los Ángeles, que la banda convirtió en estudio y donde se instaló a vivir. Brendan O’Brien fue el ingeniero de sonido y lo mezcló junto a Rick Rubin. En este disco, Red Hot Chili Peppers eran Anthony Kiedis a la voz, John Frusciante a la guitarra, Flea al bajo y la trompeta, y Chad Smith a la batería.

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Advertencia: este episodio comenta letras que hablan de consumo de sustancias y de sexo explícito.

En esta segunda parte comentamos:

• Por qué a John Frusciante le aplauden dentro del propio disco: el solo improvisado de «If You Have to Ask», con la gente que había en el estudio.
• Cómo un chaval de veintiún años tocaba así, y la influencia de Hillel Slovak, de quien Frusciante era fan antes de entrar en la banda.
• Arik Marshall, Dave Navarro y Josh Klinghoffer, los guitarristas que vinieron después, y por qué en los Red Hot la conexión personal pesa tanto como la musical.
• La percusión de «Breaking the Girl», grabada en el suelo del salón con ollas y cacharros encontrados, y el Mellotron que hace de flautas.
• Blackie Dammett, el padre de Anthony Kiedis: camello del Sunset Strip, actor y protagonista de la segunda estrofa de «Breaking the Girl».
• Por qué Chad Smith se parece tanto a Will Ferrell que acabaron batiéndose en un duelo de baterías en televisión.
• La noche en que Kiedis y Frusciante compusieron «I Could Have Lied» tras un plantón de Sinéad O’Connor, y lo que ella dijo años después.

Y por el camino nos encontramos con Sinéad O’Connor, Prince, Jimi Hendrix, Bob Dylan, los Beatles, King Crimson, Iron Maiden, Will Ferrell, Ben Stiller, la MTV y el Mellotron, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(01:35) «If You Have to Ask»
(04:05) Frusciante a los veintiún años
(04:51) El solo que aplauden en el disco
(09:14) Arik Marshall y Dave Navarro
(12:28) Ver a los Red Hot en directo
(16:17) «Breaking the Girl»
(18:36) Qué es un Mellotron
(20:57) Blackie Dammett, el padre de Kiedis
(23:38) El videoclip y Will Ferrell
(26:13) «Funky Monks»
(29:59) «Suck My Kiss»
(35:12) «I Could Have Lied»
(38:43) La historia con Sinéad O’Connor

Miki Santamaria es bajista y productor musical de Terrassa (Barcelona), miembro fundador de Doctor Prats y director de Escuela de Bajistas, una plataforma ‘online’ para aprender a tocar el bajo. Durante su carrera ha tocado muchísimo en directo, ha impartido ‘masterclasses’ por todo el mundo y ha colaborado en grabaciones con músicos y artistas como David Otero, Arnau Griso, El Niño de la Hipoteca o Phredley Brown, guitarrista y productor musical de Bruno Mars: https://escueladebajistas.com/miki-santamaria

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Advertencia: este episodio comenta letras que hablan de consumo de sustancias y de sexo explícito.

En esta tercera parte comentamos:

• De dónde sale el título de «Mellowship Slinky in B Major»: un juego de palabras con ‘fellowship’, un muelle de juguete y el apodo de Anthony Kiedis, Antwan the Swan.
• El slide guarro de «The Righteous & the Wicked», que unos atribuyen a un lap steel y otros a un lápiz de cera y un tarro de mermelada.
• Cómo una chaqueta que Nina Hagen le regaló a Kiedis acabó convertida en «Give It Away», y por qué Rick Rubin le pidió a Flea que tocara menos notas.
• El río de la letra de «Give It Away» no es un río: es River Phoenix, que por entonces se pasaba por el estudio.
• Por qué una emisora de Texas rechazó «Give It Away» por no tener melodía, y cómo esa canción acabó siendo el mayor gancho de la banda.
• El arpa de boca que suena durante todo el tema y el solo de guitarra grabado al revés, a lo George Martin.
• Chad Smith, el ‘unsung hero’ del disco, y la pegatina que llevaba el CD en lugar del ‘parental advisory’.

Y por el camino nos encontramos con Jane’s Addiction, Rage Against the Machine, Motörhead, Led Zeppelin, Jimmy Page, Nina Hagen, Marvin Gaye, Charles Bukowski, Mike Tyson, Robert De Niro, River Phoenix, Joaquin Phoenix, Truman Capote y la mítica serie ‘The Young Ones’, también conocida como ‘Els joves’ o ‘Los jóvenes’, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(01:22) «Mellowship Slinky in B Major»
(03:00) El título y Antwan the Swan
(05:48) «The Righteous & the Wicked»
(06:33) El slide del lápiz de cera
(09:28) «Give It Away»
(12:08) La chaqueta de Nina Hagen
(13:51) El arpa de boca y el solo al revés
(15:09) La radio no la quería
(15:43) El videoclip del desierto
(18:32) Cómo la oí a los ocho años
(24:04) «Blood Sugar Sex Magik»
(27:41) Chad Smith, el héroe callado
(30:37) Censura y ‘parental advisory’

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Marc Aliana
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En esta cuarta y última parte comentamos:

• Los coros femeninos del final de «Under the Bridge» son la madre de John Frusciante y sus amigas de la iglesia.
• Quién dirigió el videoclip de «Under the Bridge»: Gus Van Sant, el director de ‘El indomable Will Hunting’.
• Brendan O’Brien, ingeniero de sonido del disco y comezclador junto a Rick Rubin, toca el teclado de juguete de «Apache Rose Peacock»; la trompeta la toca Flea.
• Por qué Anthony Kiedis odia «The Greeting Song», que escribió para complacer a Rick Rubin, y por qué años después le dijo que no a Chevrolet.
• «My Lovely Man» está dedicada a Hillel Slovak, y la historia de cómo él y el baterista Jack Irons dejaron a la banda a medias por su otro grupo, What Is This?
• Por qué «Soul to Squeeze», grabada en estas mismas sesiones, no entró en el disco y acabó en la banda sonora de ‘Los caraconos’.
• Qué pasó después: la gira, la marcha de Frusciante, la entrada de Dave Navarro y ‘One Hot Minute’.

Y por el camino nos encontramos con Stone Temple Pilots, Pearl Jam, Jane’s Addiction, AC/DC, Jimi Hendrix, Robert Johnson, Roberta Flack, Carlos Santana, All Saints, Shakira, Jack Irons, Gus Van Sant y, cómo no, el Mellotron, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(01:14) «Under the Bridge»
(06:04) Los coros: la madre de Frusciante
(10:01) El videoclip de Gus Van Sant
(11:53) «Naked in the Rain»
(16:06) «Apache Rose Peacock»
(18:02) Brendan O’Brien, el ingeniero
(20:18) «The Greeting Song» y Chevrolet
(22:13) «My Lovely Man» y Hillel Slovak
(27:09) «Sir Psycho Sexy»
(32:47) «They’re Red Hot» y Robert Johnson
(34:56) «Soul to Squeeze»
(37:15) Qué pasó después del disco
(41:01) Escuela de Bajistas

Miki Santamaria es bajista y productor musical de Terrassa (Barcelona), miembro fundador de Doctor Prats y director de Escuela de Bajistas, una plataforma ‘online’ para aprender a tocar el bajo. Durante su carrera ha tocado muchísimo en directo, ha impartido ‘masterclasses’ por todo el mundo y ha colaborado en grabaciones con músicos y artistas como David Otero, Arnau Griso, El Niño de la Hipoteca o Phredley Brown, guitarrista y productor musical de Bruno Mars: https://escueladebajistas.com/miki-santamaria

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Marc Aliana
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‘Felt Mountain’ se publicó en 2000 en Mute Records, producido por el propio dúo.

En esta primera parte comentamos:

• Dónde se grabó ‘Felt Mountain’: una casa de campo alquilada en el condado de Wiltshire, con ratones e insectos incluidos, y por qué Alison Goldfrapp relaciona esa incomodidad con el ambiente del disco.
• Por qué «Human» es la única canción que no se compuso allí, y cómo una maqueta suya puso en contacto a Alison Goldfrapp con Will Gregory.
• La veintena de músicos invitados que hay en el disco, entre ellos Adrian Utley, guitarrista de Portishead, y John Parish, productor y multiinstrumentista de PJ Harvey.
• La huella de Ennio Morricone en «Lovely Head»: el silbido, el clavecín y unos arreglos de cuerda de cine.
• Qué es en realidad ese sonido que parece un theremín distorsionado, y que aparece una y otra vez en el disco.
• Qué significa el título ‘Felt Mountain’ («Montaña de fieltro») y qué se ve exactamente en la portada.
• Cómo acabó Mariona trabajando en el vestuario de la gira de Madonna en Barcelona, y qué pasó el día que se cruzaron la mirada.

Y por el camino nos encontramos con Portishead, PJ Harvey, Björk, David Bowie, Chris Isaak, Kylie Minogue, David Lynch, ‘Twin Peaks’, ‘American Psycho’, ‘Amores perros’, el ‘Kid A’ de Radiohead, Enrique Bunbury, Rockdelux, Mondo Sonoro, Radio 3, la meditación trascendental y el efecto 2000, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(06:09) Cómo descubrió Mariona el disco
(10:53) El bocadillo de la cantante de Fang
(17:35) David Lynch y la meditación
(21:18) Por qué ‘Montaña de fieltro’
(22:33) Dónde se grabó el disco
(24:09) Cómo se compuso «Human»
(25:23) Adrian Utley y John Parish
(28:39) Efemérides del año 2000
(32:16) El encuentro con Madonna
(36:28) «Lovely Head»
(38:55) El falso theremín
(40:29) La influencia de Ennio Morricone
(46:52) «Plumas», de Fang

Mariona Aupí es una cantante y compositora de Banyoles, en el noreste de Cataluña. A los diecisiete años creó el dúo electrónico Fang junto a Jaume Garcia Ferrer, con el que publicó cuatro discos; su canción «My Black Dress» se incluyó en la película ‘Los sin nombre’ de Jaume Balagueró. En 2006 empezó a colaborar con el cantante y compositor Carlos Ann, con quien publicó ‘Santa N’ y ‘Gelman’, y grabó la canción que abre ‘Brindando a José Alfredo Jiménez’, un tributo en el que participaron artistas como Enrique Bunbury, Carlos Ann, Refree, Javier Corcobado, Instituto Mexicano del Sonido o Mercedes Ferrer. Hasta la fecha ha publicado dos discos en solitario: ‘Criatura’ y ‘Le Monde’: https://es.wikipedia.org/wiki/Mariona_Aup%C3%AD

‘Felt Mountain’ se grabó en una casa de campo alquilada en el condado de Wiltshire, en el suroeste de Inglaterra, y en los estudios Christchurch de Bristol. En este disco, Goldfrapp eran Alison Goldfrapp a la voz y Will Gregory a los teclados, acompañados por una veintena de músicos invitados, entre ellos Adrian Utley, John Parish y el baterista Clive Deamer.

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En esta segunda parte comentamos:

• Lo que parece una guitarra española en «Paper Bag» y resulta ser un violín, y ese clavecín que suena como si estuviera enchufado a un ampli con reverb de muelles.
• Por qué «Human» es la única canción del disco firmada también por otros autores: Tim Norfolk y Bob Locke, del grupo de jazz electrónico Startled Insects.
• El videoclip de «Human», con su habitación de hotel, sus dos hombres de negocios muy ‘American Psycho’ y lo que Alison Goldfrapp dijo que significaba la canción.
• La versión en castellano de «Human» que grabó Calexico para la cara B del ‘single’, y cómo Kanye West acabó sampleando la canción en «Freestyle 4».
• El remix que Goldfrapp hicieron de «Judas», de Lady Gaga, y por qué ni ellos esperaban que Lady Gaga lo publicase.
• Quién toca el bajo en «Pilots»: Adrian Utley, guitarrista de Portishead, acompañado por el baterista Clive Deamer.
• Qué es de verdad un ‘deer stop’, que no tiene nada que ver con lo que parece.

Y por el camino nos encontramos con Calexico, Portishead, Radiohead, Siouxsie and the Banshees, Robert Plant, Marlene Dietrich, Charly Chicago, Guillermo Martorell, ‘American Psycho’ y los vídeos de ASMR, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(01:22) «Paper Bag»
(05:44) «Human»
(07:26) Startled Insects y «Human»
(08:46) El videoclip de «Human»
(10:37) La versión de Calexico
(12:04) Kanye West samplea «Human»
(12:40) El remix de «Judas»
(13:36) «Pilots»
(14:37) Adrian Utley y Clive Deamer
(16:21) «Deer Stop»
(17:32) Qué significa ‘deer stop’
(22:31) ‘Le Monde’ y el tarot
(24:17) «Nieve», de ‘Le Monde’

Mariona Aupí es una cantante y compositora de Banyoles, en el noreste de Cataluña. A los diecisiete años creó el dúo electrónico Fang junto a Jaume Garcia Ferrer, con el que publicó cuatro discos; su canción «My Black Dress» se incluyó en la película ‘Los sin nombre’ de Jaume Balagueró. En 2006 empezó a colaborar con el cantante y compositor Carlos Ann, con quien publicó ‘Santa N’ y ‘Gelman’, y grabó la canción que abre ‘Brindando a José Alfredo Jiménez’, un tributo en el que participaron artistas como Enrique Bunbury, Carlos Ann, Refree, Javier Corcobado, Instituto Mexicano del Sonido o Mercedes Ferrer. Hasta la fecha ha publicado dos discos en solitario: ‘Criatura’ y ‘Le Monde’: https://es.wikipedia.org/wiki/Mariona_Aup%C3%AD

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Marc Aliana
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En esta tercera y última parte comentamos:

• Que la canción que da título al disco abre la segunda cara del vinilo, y cómo cambia la experiencia de un disco según se escuche en vinilo, en CD o por ‘streaming’.
• Por qué «Oompa Radar» consta como instrumental en el libreto, aunque se oiga cantar algo por ahí en medio.
• Las referencias a las estrellas que reaparecen una y otra vez a lo largo del disco.
• Que «Utopia» habla de ingeniería genética, según ha explicado Alison Goldfrapp, y de dónde sale ese «bebé fascista»: leemos la letra traducida entera.
• Por qué Alison Goldfrapp nunca ha querido hablar de la letra de «Horse Tears», y lo que supone para un artista tener que volver a cantar en directo una canción que le duele.
• Cómo ‘Felt Mountain’ fue un éxito de crítica que costó de arrancar en ventas, y por qué el disco siguiente salió mucho más bailable: Alison Goldfrapp acabó cansada de tocar canciones tan lentas en la gira.
• Las canciones premonitorias: esas frases que escribes sin entenderlas y que entiendes años después.

Y por el camino nos encontramos con Enrique Bunbury, Nine Inch Nails, Tim Burton, el ‘Pequeño cabaret ambulante’, el ‘Tales of Us’, el ‘mindfulness’ y los circos rusos, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(01:04) «Felt Mountain»
(02:34) La cara B del vinilo
(06:21) «Oompa Radar»
(08:17) La canción que consta como instrumental
(09:09) La moda circense de la época
(11:43) «Utopia»
(13:47) La ingeniería genética en «Utopia»
(15:14) «Utopia», traducida entera
(16:27) El disco que gustó a la crítica
(18:34) Por qué el siguiente fue más bailable
(19:33) «Horse Tears»
(21:30) La letra de la que no habla
(22:51) Canciones premonitorias

Mariona Aupí es una cantante y compositora de Banyoles, en el noreste de Cataluña. A los diecisiete años creó el dúo electrónico Fang junto a Jaume Garcia Ferrer, con el que publicó cuatro discos; su canción «My Black Dress» se incluyó en la película ‘Los sin nombre’ de Jaume Balagueró. En 2006 empezó a colaborar con el cantante y compositor Carlos Ann, con quien publicó ‘Santa N’ y ‘Gelman’, y grabó la canción que abre ‘Brindando a José Alfredo Jiménez’, un tributo en el que participaron artistas como Enrique Bunbury, Carlos Ann, Refree, Javier Corcobado, Instituto Mexicano del Sonido o Mercedes Ferrer. Hasta la fecha ha publicado dos discos en solitario: ‘Criatura’ y ‘Le Monde’: https://es.wikipedia.org/wiki/Mariona_Aup%C3%AD

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¡Salud y buena música!

Marc Aliana
marcaliana.com

‘Selling England by the Pound’ se publicó en octubre de 1973 en Charisma Records, producido por John Burns y la propia banda.

En esta primera parte comentamos:

• Por qué Phil Collins carga todavía con el rechazo de los puristas del rock progresivo, y qué hacía en la banda cuando aún no era el cantante.
• El regateo entre Steve Hackett y Tony Banks para decidir qué entraba en el disco, y el tema que Hackett consiguió colar a cambio: «After the Ordeal».
• Los Green Shield Stamps y el Támesis ahogado: qué está denunciando «Dancing with the Moonlit Knight», y el sweep picking y el tapping que Steve Hackett ya hacía en 1973.
• Cómo funciona un Mellotron por dentro, y las cintas de voces que Tony Banks compró para este disco.
• Por qué aquí no hay pista de claqueta, y qué se pierde cuando se cuantiza todo.
• El mundo en 1973: dictaduras y censura, ‘El último tango en París’, el primer móvil de Motorola y el atraco de Estocolmo que dio nombre al síndrome.
• Los otros discos de ese año: ‘The Dark Side of the Moon’, ‘Aladdin Sane’, ‘Houses of the Holy’, ‘Innervisions’.

Y por el camino nos encontramos con Yes, Frank Zappa, Jean-Michel Jarre, Brian Auger, Mecano, Nino Bravo, Joan Manuel Serrat, Miguel Ríos, Mocedades, Marvin Gaye, The Who, The Stooges, Neil Peart, Martin Scorsese y ‘El exorcista’, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(02:51) Por qué Kyke presta este disco
(04:41) El ‘Oxygène’ de Jean-Michel Jarre
(08:04) El programa de TV donde lo descubrió
(12:27) Genesis en 1973, uno a uno
(13:09) Los dos Phil Collins
(19:31) Quinto disco, penúltimo con Gabriel
(21:19) El mundo en 1973
(27:15) El móvil, Estocolmo y Star Wars
(30:15) Otros discos de 1973
(34:26) Hackett y Banks negociando temas
(48:14) «Dancing with the Moonlit Knight»
(53:36) Los Green Shield Stamps
(59:33) El Mellotron

Kyke Serrano es teclista y productor musical, afincado en Dosrius (Barcelona), donde tiene su estudio, Lead Rain Studios. Fue teclista de Jarabe de Palo y a lo largo de las tres últimas décadas ha colaborado con artistas como Revólver, Tony Ronald, Lluís Llach, Els Pets, Lax’n’Busto o Bushido, la banda que formaron Enrique Bunbury, Carlos Ann, Shuarma y Morti. También ha publicado dos discos en solitario: ‘Jam On Serrano’ y ‘Jam On Serrano Session Two’: https://www.instagram.com/kykeserrano/

‘Selling England by the Pound’ se compuso y se grabó después de la gira de ‘Foxtrot’, en los Island Studios de Londres, en el verano de 1973. En este disco, Genesis eran Peter Gabriel a la voz y la flauta, Tony Banks a los teclados, Steve Hackett a la guitarra, Mike Rutherford al bajo y la guitarra de doce cuerdas, y Phil Collins a la batería y los coros.

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Marc Aliana
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En esta segunda parte comentamos:

• Por qué «I Know What I Like (in Your Wardrobe)» acabó siendo el primer tema de Genesis que entró en listas, y qué es «Twilight Alehouse», la rareza que llevaba en la cara B.
• Quiénes son Jacob y Ethel, los personajes que interpreta Peter Gabriel, y por qué acabó odiando el estribillo, que no compuso él sino Tony Banks.
• La portada del disco: el cuadro de Betty Swanwick al que la banda le pidió que añadiera un cortacésped, y el cortacésped que se oye al final de la canción.
• El chiste malísimo que hay detrás del título «Firth of Fifth», un juego de palabras con el Firth of Forth, el estuario escocés.
• La intro de piano de «Firth of Fifth» y el solo de guitarra que vino después, de los momentos más celebrados de todo el disco.
• El anuncio con el que Steve Hackett entró en Genesis en 1971: lo publicó en la revista Melody Maker y lo contestó Peter Gabriel.
• Por qué Kyke defiende las bandas de versiones y de tributo, y lo que costó montar un tributo a Toto para dos conciertos.

Y por el camino nos encontramos con The Beatles, Toto, Dream Theater, The Musical Box, Genetics, Dixie Dregs, Mike Portnoy, Gavin Harrison, Dani Flaco, Pavarotti, el VHS y un Casiotone, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(01:34) «I Know What I Like (in Your Wardrobe)»
(02:54) Jacob y Ethel, los personajes
(04:18) El primer single que entró en listas
(06:41) La melodía que Gabriel odiaba
(07:33) Escuchar en inglés sin entenderlo
(10:21) La portada de Betty Swanwick
(11:35) El único 4/4 del disco
(13:08) The Musical Box, el tributo
(21:24) «Firth of Fifth»
(22:48) La intro de piano de Tony Banks
(24:47) La flauta y el solo de guitarra
(32:05) El anuncio de Hackett en Melody Maker
(39:11) «Se busca teclista» para una performance

Kyke Serrano es teclista y productor musical, afincado en Dosrius (Barcelona), donde tiene su estudio, Lead Rain Studios. Fue teclista de Jarabe de Palo y a lo largo de las tres últimas décadas ha colaborado con artistas como Revólver, Tony Ronald, Lluís Llach, Els Pets, Lax’n’Busto o Bushido, la banda que formaron Enrique Bunbury, Carlos Ann, Shuarma y Morti. También ha publicado dos discos en solitario: ‘Jam On Serrano’ y ‘Jam On Serrano Session Two’: https://www.instagram.com/kykeserrano/

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Marc Aliana
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En esta tercera parte comentamos:

• Por qué «More Fool Me» suena a presagio: la compusieron Phil Collins y Mike Rutherford, y la canta Collins.
• Cómo se marchó Peter Gabriel y por qué Collins acabó al micrófono casi por descarte, según cuenta la propia banda.
• De dónde salió «The Battle of Epping Forest»: un recorte de periódico que Peter Gabriel perdió y una letra que reconstruyó de memoria, con tanto texto encima que él mismo admitió después que se le había ido de las manos.
• El «Robbing Hood» y los demás juegos de palabras con los que Gabriel se ríe de cómo la prensa inglesa contaba las peleas entre bandas rivales de Londres.
• La marcha militar en 7/4 con la que arranca la canción, y el efecto de 6/8 que hacen el bajo y la batería sobre un 4/4 en el estribillo.
• Por qué el Hammond de este disco suena tan seco comparado con el de Jon Lord en Deep Purple, y qué es exactamente un Leslie.
• El ARP Pro Soloist, el primer sintetizador que Tony Banks utilizó en un disco de Genesis.

Y por el camino nos encontramos con David Bowie y su ‘Ziggy Stardust’, Deep Purple, Jon Lord, Pendragon, Arena, Porcupine Tree, un Hammond L-100, un Yamaha CP-80, el vinilo, la cinta de casete y Robin Hood, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(01:13) «More Fool Me», fin de la cara A
(02:18) Cómo Collins acabó de cantante
(04:08) Las canciones cortas que Banks quería
(08:31) El orden de las canciones en el disco
(09:07) «The Battle of Epping Forest»
(10:47) La letra que Gabriel grabó solo
(12:29) El recorte de periódico perdido
(14:04) Gabriel y la performance en directo
(17:29) La marcha militar en 7/4
(18:44) El Hammond seco de Tony Banks
(23:58) Métricas superpuestas en el estribillo
(26:17) La pianola del estribillo
(27:56) El ARP Pro Soloist

Kyke Serrano es teclista y productor musical, afincado en Dosrius (Barcelona), donde tiene su estudio, Lead Rain Studios. Fue teclista de Jarabe de Palo y a lo largo de las tres últimas décadas ha colaborado con artistas como Revólver, Tony Ronald, Lluís Llach, Els Pets, Lax’n’Busto o Bushido, la banda que formaron Enrique Bunbury, Carlos Ann, Shuarma y Morti. También ha publicado dos discos en solitario: ‘Jam On Serrano’ y ‘Jam On Serrano Session Two’: https://www.instagram.com/kykeserrano/

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Marc Aliana
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En esta cuarta y última parte comentamos:

• «After the Ordeal», el instrumental que Steve Hackett peleó por meter en el disco y que a Tony Banks no le ha gustado nunca, y qué era una ordalía en la Edad Media.
• Cómo afinó Mike Rutherford la guitarra de doce cuerdas para «The Cinema Show», y por qué años después ya no recordaba cómo se hacía.
• Romeo y Julieta preparándose para ir al cine, y lo que en realidad está contando esa primera parte de la canción.
• Tiresias, las dos serpientes y la discusión entre Zeus y Hera: la mitología griega que hay metida en la segunda mitad de «The Cinema Show».
• Safeway, Fine Fare y Tesco, las cadenas de supermercados escondidas en la letra de «Aisle of Plenty», y Peter Gabriel haciendo de vendedor de mercado al final del disco.
• Por qué los solos de Tony Banks se tocan siempre igual, como los de Slash, y no como los de Ritchie Blackmore o Jordan Rudess.
• La idea que Genesis descartaron: unir «Dancing with the Moonlit Knight», «The Cinema Show» y «Aisle of Plenty» en una sola pieza.

Y por el camino nos encontramos con Slash y Guns N’ Roses, Deep Purple, Ritchie Blackmore, Jordan Rudess, «Wish You Were Here» de Pink Floyd, «Space Oddity» de David Bowie, Zeus, Hera y un DJ boliviano, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(01:46) «After the Ordeal»
(04:19) Qué era una ordalía
(05:16) La canción que Banks no quería
(06:02) La afinación de Mike Rutherford
(07:03) Romeo y Julieta van al cine
(09:45) Tiresias y el castigo de Hera
(12:47) El ARP Pro Soloist de Tony Banks
(15:34) Solos compuestos: Banks y Slash
(17:59) «Aisle of Plenty»
(19:37) Safeway, Fine Fare y Tesco
(20:50) Gabriel vendiendo en el mercado
(21:52) Las tres canciones que iban a ser una
(24:31) Despedida y dónde encontrar a Kyke

Kyke Serrano es teclista y productor musical, afincado en Dosrius (Barcelona), donde tiene su estudio, Lead Rain Studios. Fue teclista de Jarabe de Palo y a lo largo de las tres últimas décadas ha colaborado con artistas como Revólver, Tony Ronald, Lluís Llach, Els Pets, Lax’n’Busto o Bushido, la banda que formaron Enrique Bunbury, Carlos Ann, Shuarma y Morti. También ha publicado dos discos en solitario: ‘Jam On Serrano’ y ‘Jam On Serrano Session Two’: https://www.instagram.com/kykeserrano/

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Marc Aliana
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Se publicó en 1973 en Harvest, producido por la propia banda, con Alan Parsons como ingeniero de sonido.

En esta primera parte comentamos:

• Por qué Alan Parsons tendría que haberse llevado también el crédito de productor, y la consola de 16 canales recién llegada a los estudios de Abbey Road.
• La trágica historia de Syd Barrett, cantante y compositor original de la banda, y el día que apareció por el estudio mientras grababan «Shine On You Crazy Diamond».
• De dónde sale el mito de la sincronía con ‘El mago de Oz’ y por qué Alan Parsons lo desmiente.
• Qué es el sonido cuadrafónico, con el que Pink Floyd ya trabajaba en directo y para el que se mezcló el disco.
• Cómo «Echoes», los veinte y pico minutos que ocupan una cara de ‘Meddle’, anticipa este disco.
• Por qué David Gilmour es el guitarrista que dice mucho con pocas notas, y qué tiene eso que ver con el ‘blues’.
• Los catorce años seguidos en las listas de Billboard y los cuarenta y cinco millones de copias que lo hacen el cuarto más vendido de la historia.

Y por el camino nos encontramos con David Bowie, King Crimson, los Beatles, Deep Purple, Black Sabbath, AC/DC, Bob Ezrin, Nick Mason y su libro ‘Inside Out’ y el autotune, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(02:47) Cómo descubrió Alan el disco
(09:45) La consola de 16 canales
(11:41) Qué es el sonido cuadrafónico
(15:23) Catorce años en las listas
(19:36) El autotune y lo artesanal
(27:18) El mito de ‘El mago de Oz’
(33:03) Se conocieron en la universidad
(36:26) Syd Barrett, el líder original
(42:48) La llegada de David Gilmour
(45:57) Otros discos de 1973
(51:46) Por qué Gilmour toca pocas notas
(53:32) «Echoes», el germen del disco

Alan Boguslavsky es un músico y productor mexicano con más de tres décadas de carrera. En 1993 se incorporó como guitarrista a Héroes del Silencio, con quienes presentó ‘El espíritu del vino’ por Europa, Latinoamérica y Estados Unidos, y en 1995 grabó ‘Avalancha’, el cuarto y último disco de la banda, de cuya gira salió el directo ‘Parasiempre’. Tras la disolución del grupo, Enrique Bunbury contó con él para su primer disco en solitario, ‘Radical sonora’, y para la gira siguiente. Esa etapa le valió el apodo de el Azteca de Oro, y más recientemente apareció en el documental ‘Héroes: Silencio y Rock & Roll’. Ha tocado en bandas de la escena rock mexicana como Neón, Kenny y los Eléctricos, los Milky Brothers o los Inmortales S.A., ha producido a Mauricio Riveros, Dos Lunas o La Nube, y desarrolla proyectos propios como Bogusflow o The Art of Waiting: https://www.facebook.com/alan.boguslavsky.56/

El disco se grabó entre 1972 y 1973 en los estudios de Abbey Road, en Londres. En este disco, Pink Floyd eran David Gilmour a la guitarra y la voz, Roger Waters al bajo, la voz y los efectos, Richard Wright a los teclados y la voz, y Nick Mason a la batería. Con ellos, Dick Parry al saxofón y Clare Torry en la voz de «The Great Gig in the Sky», con los coros de Doris Troy, Lesley Duncan, Liza Strike y Barry St. John.

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La música que suena en la cabecera de ‘Disco prestado’ forma parte de mi EP ‘The Entertainer’. Lo tienes en todas las plataformas y en marcaliana.com/musica, junto con mi disco ‘El último jardín’.

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Marc Aliana
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En esta segunda parte comentamos:

• Por qué el disco estuvo a punto de llamarse ‘Eclipse’, y qué tuvo que ver en ello un grupo llamado Medicine Head.
• La portada del prisma: el encargo de Rick Wright, la idea de Storm Thorgerson, el dibujo de George Hardie y los cinco minutos que tardó la banda en elegirla entre siete u ocho propuestas.
• Que el latido con el que arranca «Speak to Me» no es un latido, sino un bombo amortiguado, y por qué descartaron los corazones de verdad de las librerías de sonido de los estudios de EMI.
• De dónde salen las voces habladas que recorren el álbum, qué preguntas escribió Roger Waters en las tarjetas y por qué las respuestas de Paul y Linda McCartney se quedaron fuera.
• La letra de «Breathe (in the Air)», con esa madriguera que hay que volver a escarbar y la carrera hacia una muerte temprana.
• El EMS Synthi A que acababa de llegar al estudio y la secuencia de «On the Run», un tema que en directo era un jam de guitarra y que durante la grabación se llamaba «Travel Section».
• Que todos los miembros de Pink Floyd tenían miedo a volar, y cómo acabó eso años después.

Y por el camino nos encontramos con Medicine Head, Storm Thorgerson, George Hardie, Paul y Linda McCartney, los Beatles, Spinal Tap, Genesis, los Red Hot Chili Peppers, ‘2001: una odisea del espacio’, los Illuminati y el Big Muff, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(01:29) El disco iba a llamarse ‘Eclipse’
(02:49) La portada del prisma
(05:40) El encargo de Rick Wright
(07:38) «Speak to Me», la obertura
(08:50) El latido que es un bombo
(10:01) De dónde salen las voces
(11:39) Paul y Linda McCartney
(15:45) «Breathe (in the Air)»
(22:46) «On the Run»
(25:35) El EMS Synthi A
(28:49) Grabar en cinta y en digital
(37:05) Todos tenían miedo a volar

Alan Boguslavsky es un músico y productor mexicano con más de tres décadas de carrera. En 1993 se incorporó como guitarrista a Héroes del Silencio, con quienes presentó ‘El espíritu del vino’ por Europa, Latinoamérica y Estados Unidos, y en 1995 grabó ‘Avalancha’, el cuarto y último disco de la banda, de cuya gira salió el directo ‘Parasiempre’. Tras la disolución del grupo, Enrique Bunbury contó con él para su primer disco en solitario, ‘Radical sonora’, y para la gira siguiente. Esa etapa le valió el apodo de el Azteca de Oro, y más recientemente apareció en el documental ‘Héroes: Silencio y Rock & Roll’. Ha tocado en bandas de la escena rock mexicana como Neón, Kenny y los Eléctricos, los Milky Brothers o los Inmortales S.A., ha producido a Mauricio Riveros, Dos Lunas o La Nube, y desarrolla proyectos propios como Bogusflow o The Art of Waiting: https://www.facebook.com/alan.boguslavsky.56/

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En esta tercera parte comentamos:

• La aportación de un oyente sobre «Learning to Fly»: las voces de la torre de control las grabó Nick Mason, que acabó sacándose la licencia de piloto.
• De dónde salen los relojes que abren «Time», por qué Alan Parsons tuvo que pedir permiso para usarlos y cómo se sincronizaban aquellas cintas a mano.
• Que el tic-tac de la introducción no es un reloj, sino el bajo de Roger Waters, y de dónde salieron los rototoms que se oyen ahí.
• Las treinta libras que cobró Clare Torry por «The Great Gig in the Sky», la demanda que interpuso contra Pink Floyd y EMI, y su crédito como compositora en las ediciones a partir de 2005.
• Por qué las versiones sobre esa grabación no encajan entre sí: lo que cuenta ella en una entrevista, lo que cuenta Nick Mason en ‘Inside Out’ y la leyenda de que salió avergonzada del estudio.
• El pitch bend de piano con el que termina la canción, que quizá sea el primero de la historia, y las teorías que intentan explicarlo.
• Por qué el vinilo volvió justo cuando dejaron de venderse los CD, con teoría de la conspiración incluida.

Y por el camino nos encontramos con Alan Parsons, Clare Torry, Nick Mason, Rick Wright, Jimi Hendrix, Bob Dylan, Mariona Aupí, Andy Jackson, Spotify, Napster, la Fender Stratocaster, el Wurlitzer y el ‘lap steel’, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación y fe de erratas
(01:49) «Time» y los despertadores
(02:49) De dónde salen los relojes
(05:35) El tic-tac que es un bajo
(08:29) Los coros y el toque soul
(10:22) El solo de guitarra y el delay
(13:57) Vinilo, CD y Spotify
(19:36) Mi propia teoría de la conspiración
(22:13) La letra de «Time»
(25:57) El reprise de «Breathe»
(29:46) Clare Torry y las treinta libras
(37:13) Las versiones que no encajan
(40:56) La broma a Rick Wright
(45:54) El pitch bend del piano

Alan Boguslavsky es un músico y productor mexicano con más de tres décadas de carrera. En 1993 se incorporó como guitarrista a Héroes del Silencio, con quienes presentó ‘El espíritu del vino’ por Europa, Latinoamérica y Estados Unidos, y en 1995 grabó ‘Avalancha’, el cuarto y último disco de la banda, de cuya gira salió el directo ‘Parasiempre’. Tras la disolución del grupo, Enrique Bunbury contó con él para su primer disco en solitario, ‘Radical sonora’, y para la gira siguiente. Esa etapa le valió el apodo de el Azteca de Oro, y más recientemente apareció en el documental ‘Héroes: Silencio y Rock & Roll’. Ha tocado en bandas de la escena rock mexicana como Neón, Kenny y los Eléctricos, los Milky Brothers o los Inmortales S.A., ha producido a Mauricio Riveros, Dos Lunas o La Nube, y desarrolla proyectos propios como Bogusflow o The Art of Waiting: https://www.facebook.com/alan.boguslavsky.56/

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En esta cuarta parte comentamos:

• «Money», un ‘single’ en compás de 7/4 que en el fondo es un ‘blues’, y cómo se montó el bucle de monedas y caja registradora midiendo y cortando la cinta a mano.
• El solo de saxofón de Dick Parry y el momento en que el tema se pasa al 4/4 y por fin se puede bailar.
• Quién era Henry McCullough, guitarrista de los Wings, y qué hace su voz dentro del disco.
• Cómo Alan Parsons construyó el ‘delay’ de «Us and Them» encadenando dos magnetófonos de bobina abierta.
• Por qué Alan Parsons dijo que no a seguir trabajando con Pink Floyd en el disco siguiente, y qué montó después: The Alan Parsons Project.
• Que la música de «Us and Them» venía de una banda sonora rechazada años antes por Michelangelo Antonioni, que la encontró demasiado triste.
• Cómo fue grabar ‘Avalancha’ con Bob Ezrin y Andy Jackson, y cómo Alan acabó conociendo a Alan Parsons en el lavabo de un festival.

Y por el camino nos encontramos con David Bowie, Genesis, Robert Plant, Paul McCartney, Dick Parry, Henry McCullough, Bob Ezrin, Andy Jackson, Michelangelo Antonioni, Los Aterciopelados, la pantalla circular y el hielo seco de los directos, el Big Muff y un psicólogo de la NPR, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(01:19) «Money», el maldito dinero
(04:10) Un ‘single’ en compás de 7/4
(06:38) El bucle de la caja registradora
(07:46) La pantalla circular y el hielo seco
(13:17) El saxo de Dick Parry
(16:00) Henry McCullough, de los Wings
(17:11) «Us and Them»
(24:08) Cómo se grabó ese ‘delay’
(25:32) El adiós de Alan Parsons
(27:30) Grabar ‘Avalancha’ con Bob Ezrin
(32:26) Alan Parsons en el lavabo
(37:14) La música que rechazó Antonioni
(40:41) Los artistas y la política
(46:01) Pink Floyd en Ciudad de México

Alan Boguslavsky es un músico y productor mexicano con más de tres décadas de carrera. En 1993 se incorporó como guitarrista a Héroes del Silencio, con quienes presentó ‘El espíritu del vino’ por Europa, Latinoamérica y Estados Unidos, y en 1995 grabó ‘Avalancha’, el cuarto y último disco de la banda, de cuya gira salió el directo ‘Parasiempre’. Tras la disolución del grupo, Enrique Bunbury contó con él para su primer disco en solitario, ‘Radical sonora’, y para la gira siguiente. Esa etapa le valió el apodo de el Azteca de Oro, y más recientemente apareció en el documental ‘Héroes: Silencio y Rock & Roll’. Ha tocado en bandas de la escena rock mexicana como Neón, Kenny y los Eléctricos, los Milky Brothers o los Inmortales S.A., ha producido a Mauricio Riveros, Dos Lunas o La Nube, y desarrolla proyectos propios como Bogusflow o The Art of Waiting: https://www.facebook.com/alan.boguslavsky.56/

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En esta quinta y última parte comentamos:

• Por qué «Any Colour You Like» es casi un segundo ‘reprise’ de «Breathe»: los acordes son los mismos en otro tono y resuelven con la misma cadencia.
• Por qué Roger Waters solo canta las dos últimas canciones del disco, y en qué se diferencia su voz de la de David Gilmour.
• «Brain Damage»: quién es el loco realmente, qué pintan ahí el césped, el salón y el chico de los periódicos, y cuánto tiene que ver todo eso con Syd Barrett.
• Cómo los coros van ganando protagonismo cada vez que vuelve la parte B, hasta soltarse en pleno ‘soul’.
• «Eclipse» como conclusión del disco entero, y las lecturas posibles de ese sol eclipsado por la luna.
• La voz de Gerry O’Driscoll, el portero de los estudios de Abbey Road, cerrando el álbum con que no existe un lado oscuro de la luna.
• La versión orquestal de «Ticket to Ride» de los Beatles que se coló en los últimos segundos del disco y que casi no se oye.

Y por el camino nos encontramos con Syd Barrett, Gerry O’Driscoll, los Beatles, Red Hot Chili Peppers, Rick Wright, ‘The Wall’, «The Fool on the Hill», el psicoanálisis y un psicólogo de la NPR, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(01:08) «Any Colour You Like»
(02:03) Los acordes son los de «Breathe»
(03:37) «Brain Damage»
(04:16) Waters se pone a cantar
(06:19) Sencillo no es lo mismo que fácil
(06:57) Quién es el loco realmente
(08:51) Los locos en el salón
(12:18) Los coros ganan protagonismo
(15:27) «Eclipse», la conclusión
(18:50) El sol eclipsado por la luna
(22:40) El portero de Abbey Road
(24:15) «Ticket to Ride» en el final

Alan Boguslavsky es un músico y productor mexicano con más de tres décadas de carrera. En 1993 se incorporó como guitarrista a Héroes del Silencio, con quienes presentó ‘El espíritu del vino’ por Europa, Latinoamérica y Estados Unidos, y en 1995 grabó ‘Avalancha’, el cuarto y último disco de la banda, de cuya gira salió el directo ‘Parasiempre’. Tras la disolución del grupo, Enrique Bunbury contó con él para su primer disco en solitario, ‘Radical sonora’, y para la gira siguiente. Esa etapa le valió el apodo de el Azteca de Oro, y más recientemente apareció en el documental ‘Héroes: Silencio y Rock & Roll’. Ha tocado en bandas de la escena rock mexicana como Neón, Kenny y los Eléctricos, los Milky Brothers o los Inmortales S.A., ha producido a Mauricio Riveros, Dos Lunas o La Nube, y desarrolla proyectos propios como Bogusflow o The Art of Waiting: https://www.facebook.com/alan.boguslavsky.56/

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‘Ziggy Stardust’ se publicó en 1972 en RCA Records, coproducido por David Bowie y Ken Scott.

En esta primera parte comentamos:

• Cómo suena todo el disco con una sola guitarra: una Les Paul, un Marshall y un pedal de ‘wah-wah’ que Mick Ronson accionaba y dejaba quieto, para ecualizar en vez de para hacer «wah».
• Por qué hay una acústica de doce cuerdas en casi todos los temas, y qué tienen que ver con eso los platos de la batería, según contó el coproductor Ken Scott.
• La portada de Heddon Street: una foto en blanco y negro de Brian Ward que Terry Pastor coloreó a mano, y su parentesco con las Marilyn y los Elvis de Andy Warhol.
• Tony Defries, el mánager que paseó a Bowie por EE UU en limusina y en los hoteles más caros como si ya fuera una superestrella… antes de que lo fuera.
• La entrevista de 1972 en la que Bowie declaró que era gay, y las dos lecturas opuestas que ha tenido desde entonces.
• El 1972 en el que salió el disco: la primera marcha del orgullo en Londres, ‘El padrino’, el estreno de la HBO y el ‘The Slider’ de T. Rex.
• Que a Bowie se le llegó a considerar para hacer de Joker en el ‘Batman’ de Tim Burton.

Y por el camino nos encontramos con Lou Reed, la Velvet Underground, Iggy Pop, los Stooges, Marc Bolan, Roxy Music, Syd Barrett, Andy Warhol, Angie Bowie, Mick Jagger, Jimi Hendrix, Elvis, Marilyn Monroe, Mazinger Z y El Chavo del Ocho, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(03:24) Cómo descubrió Héctor a Bowie
(05:32) El quinto disco, el primer éxito
(06:31) Ken Scott y los estudios Trident
(09:45) El día que Bowie mató a Ziggy
(20:46) La portada y Andy Warhol
(24:18) Por qué hay acústica en todo
(27:33) Les Paul, Marshall y ‘wah-wah’
(33:05) Efemérides de 1972
(37:15) Bowie dice en 1972 que es gay
(42:47) Bowie, candidato a Joker
(44:50) ¿Quién inventó el ‘glam’?
(47:35) Tony Defries y la gira americana

Héctor Gerónimo es cantante, compositor y ‘frontman’, nacido en Buenos Aires y criado en Madrid. Forma parte de Moebio, con quienes firmó su primer contrato discográfico, y de Monoplasma, la banda que montó con el guitarrista mexicano César «El Vampiro» López, de los dos primeros discos de Maná. En 2018, tras un concierto con Monoplasma en el Lunario de Ciudad de México, le propusieron encarnar a David Bowie en una banda de tributo internacional con la que acabó girando ampliamente por el país: https://www.hectorgeronimo.com/acerca

‘The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars’ se grabó en los estudios Trident de Londres entre noviembre de 1971 y febrero de 1972, con Ken Scott como ingeniero de sonido además de coproductor. En este disco, David Bowie estaba acompañado por los Spiders from Mars: eran él mismo a la voz, la guitarra acústica de doce cuerdas y el saxo, Mick Ronson a la guitarra, el piano y los arreglos, Trevor Bolder al bajo y Mick Woodmansey a la batería. Rick Wakeman toca el clavecín en «It Ain’t Easy».

Si quieres participar en la elección de los discos que tratamos en el pódcast, visita discoprestado.com y date de alta gratis en mi lista de correo.

La música que suena en la cabecera de ‘Disco prestado’ forma parte de mi EP ‘The Entertainer’. Lo tienes en todas las plataformas y en marcaliana.com/musica, junto con mi disco ‘El último jardín’.

Contacto: discoprestado@marcaliana.com

¡Salud y buena música!

Marc Aliana
marcaliana.com

En esta segunda parte comentamos:

• Hype, la banda con la que Bowie ya salía disfrazado en 1970 —con Mick Ronson a la guitarra y Tony Visconti al bajo—, y los insultos homófobos que les gritaba el público.
• Haddon Hall, la casa victoriana de Beckenham donde vivían Bowie y Angie: laboratorio creativo, sustancias variadas y leyenda de fantasma con vestido blanco.
• Por qué Mick Ronson se volvió a Hull a vivir con sus padres y a trabajar de jardinero después de ‘The Man Who Sold the World’.
• Arnold Corns, la banda ficticia que Bowie montó con el diseñador Freddie Burretti, y las dos canciones de aquel disco que acabaron en ‘Ziggy Stardust’: «Moonage Daydream» y «Hang On to Yourself».
• De dónde sale el nombre Ziggy Stardust: Iggy Pop, el Legendary Stardust Cowboy, un taller de trajes y Vince Taylor, el cantante que llegó a creerse el mesías.
• «Five Years»: la cítara diatónica que suena en el primer acorde del disco y por qué Mick Woodmansey toca la batería como si acabara de enterarse del fin del mundo.
• El sueño en el que su padre muerto le anunciaba que moriría en cinco años, y el miedo a volar que llevaba a Bowie a cruzar EE UU en coche con baúles de libros.

Y por el camino nos encontramos con Lou Reed, la Velvet Underground, Iggy Pop, Marc Bolan, Tony Defries, Ken Scott, Angie Bowie, Lindsay Kemp, Peter Noone, Andy Warhol, Jim Morrison, Stanley Kubrick, George Lucas y ‘La naranja mecánica’, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(01:48) Cómo llega Bowie hasta Ziggy
(03:41) Hype, la banda de los disfraces
(04:54) Haddon Hall, la casa de Beckenham
(05:44) ‘The Man Who Sold the World’
(07:12) Ronson, jardinero en Hull
(08:18) Arnold Corns, la banda ficticia
(11:02) El éxito de Peter Noone
(15:16) Ronson escribía en el baño
(28:11) De dónde sale el nombre Ziggy
(31:19) «Five Years»
(40:48) La batería de Mick Woodmansey
(41:28) La cítara diatónica del disco
(44:24) El sueño con su padre muerto
(49:04) Los americanismos de la letra

Héctor Gerónimo es cantante, compositor y ‘frontman’, nacido en Buenos Aires y criado en Madrid. Forma parte de Moebio, con quienes firmó su primer contrato discográfico, y de Monoplasma, la banda que montó con el guitarrista mexicano César «El Vampiro» López, de los dos primeros discos de Maná. En 2018, tras un concierto con Monoplasma en el Lunario de Ciudad de México, le propusieron encarnar a David Bowie en una banda de tributo internacional con la que acabó girando ampliamente por el país: https://www.hectorgeronimo.com/acerca

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Marc Aliana
marcaliana.com

En esta tercera parte comentamos:

• Los dos micrófonos que Ken Scott plantaba a noventa grados delante de Bowie, con él cantando en medio, porque no daba tiempo a probar cuál iba mejor para cada canción.
• Que casi todo lo que se oye en el disco son primeras y segundas tomas, y las veces que desde el control creían oír un error pero luego Bowie tenía razón.
• Que en todo ‘Ziggy Stardust’ hay una sola máquina de ‘reverb’ y un solo ‘delay’, y que según Ken Scott apenas hizo falta ecualizar: el micro, la posición y la sala hicieron el trabajo.
• La cadena de amores de «Soul Love»: la madre arrodillada ante la tumba del hijo que murió por un eslogan, los dos jóvenes que hablan un idioma que solo ellos entienden y la paloma en llamas del Espíritu Santo.
• Que el saxo de «Soul Love» lo toca el propio Bowie, y que la voz del arranque de la canción está ligeramente desafinada, y así quedó.
• Por qué hoy tantas voces pasan por el Autotune por defecto, y lo que decía el productor Marc Parrot sobre la nana que te cantaba tu madre sin afinar.
• El cambio de tono en mitad del estribillo, el mismo recurso que Bowie usa en «All the Young Dudes».

Y por el camino nos encontramos con Thom Yorke, Radiohead, Enrique Bunbury, Charles Bukowski, Cher, los Beatles, John Lennon y el ‘OK Computer’ grabado en la escalera de una mansión, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(01:35) «Soul Love»
(05:27) La madre ante la lápida
(09:21) Por qué las letras admiten tanto
(10:11) ‘Blackstar’, el disco final
(21:04) Los dos micros de Ken Scott
(25:38) Una ‘reverb’ y un ‘delay’ para todo
(26:09) El desafinado del principio
(29:55) La nana de tu madre y el Autotune
(34:49) Llamamiento a grabar sin red
(42:02) El cambio de tono del estribillo
(44:57) El fade out que empalma la siguiente

Héctor Gerónimo es cantante, compositor y ‘frontman’, nacido en Buenos Aires y criado en Madrid. Forma parte de Moebio, con quienes firmó su primer contrato discográfico, y de Monoplasma, la banda que montó con el guitarrista mexicano César «El Vampiro» López, de los dos primeros discos de Maná. En 2018, tras un concierto con Monoplasma en el Lunario de Ciudad de México, le propusieron encarnar a David Bowie en una banda de tributo internacional con la que acabó girando ampliamente por el país: https://www.hectorgeronimo.com/acerca

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¡Salud y buena música!

Marc Aliana
marcaliana.com

En esta cuarta parte comentamos:

• La declaración de intenciones de Ziggy en «Moonage Daydream» —caimán, mamá-papá, invasor del espacio— y ese ojo eléctrico que hoy se lee como una cámara y como el Gran Hermano de Orwell.
• Qué fue de la Les Paul con la que Mick Ronson grabó el disco: acabó expuesta en un Hard Rock Café de Australia y un productor la rastreó a base de llamadas hasta hacerse con ella en un trueque.
• Que «Starman» se compuso la última, cuando desde la discográfica pidieron un ‘single’: en su lugar iba una versión de Chuck Berry, «Round and Round».
• El salto de octava con el que arranca el estribillo de «Starman», el mismo gesto melódico que «Over the Rainbow».
• El Top of the Pops del 6 de julio de 1972: el brazo de Bowie sobre el hombro de Ronson y el dedo señalando a cámara que una generación entera de músicos británicos recuerda como el momento en que decidieron dedicarse a esto.
• «Rocket Man» de Elton John salió once días antes que «Starman», con los cohetes y el espacio en el imaginario de todo el mundo.
• «It Ain’t Easy», la única versión del disco: un tema del estadounidense Ron Davies que Bowie grabó pensando en ‘Hunky Dory’, y el único corte con un teclista ajeno a la banda, Rick Wakeman.

Y por el camino nos encontramos con Little Richard, T. Rex, Caifanes, Cream, Alice Cooper, Nietzsche, Jesucristo, los Beatles, Michael Jackson, Eric Clapton, ‘Aladdin Sane’ y ‘Stranger Things’, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(01:32) «Moonage Daydream»
(03:47) La Les Paul perdida de Ronson
(09:19) La voz doblando la línea de bajo
(11:07) El ojo eléctrico y el gran hermano
(15:32) «La iglesia del hombre»
(23:54) «Starman», la última en llegar
(28:05) El salto de octava del estribillo
(33:55) El Top of the Pops de 1972
(38:31) Little Richard, el original
(39:46) «Rocket Man», once días antes
(44:00) «It Ain’t Easy»
(47:45) Rick Wakeman y ‘Hunky Dory’
(52:30) «Velvet Goldmine», fuera del disco

Héctor Gerónimo es cantante, compositor y ‘frontman’, nacido en Buenos Aires y criado en Madrid. Forma parte de Moebio, con quienes firmó su primer contrato discográfico, y de Monoplasma, la banda que montó con el guitarrista mexicano César «El Vampiro» López, de los dos primeros discos de Maná. En 2018, tras un concierto con Monoplasma en el Lunario de Ciudad de México, le propusieron encarnar a David Bowie en una banda de tributo internacional con la que acabó girando ampliamente por el país: https://www.hectorgeronimo.com/acerca

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Marc Aliana
marcaliana.com

En esta quinta parte comentamos:

• «Lady Stardust», la canción de amor del disco, dedicada a Marc Bolan: llegó a circular una maqueta titulada «He Was Alright (A Song for Marc)».
• Que «Star» se llamaba antes «Rock and Roll Star» y que es la única canción del disco sin guitarra acústica.
• La galería de gente que intenta cambiar el mundo en la letra de «Star» —Tony peleando en Belfast, Rudi muerto de hambre en casa, Bevan queriendo cambiar la nación— frente a Ziggy, que dice que él lo arreglaría todo siendo una estrella del rock.
• Dormirse, enamorarse o comer «como una estrella del rock»: lo cotidiano convertido en mito, igual que cuando Sam Taylor-Wood filmó a David Beckham durmiendo y la pieza acabó colgada en un museo.
• «Hang On to Yourself», el tema más protopunk del disco: ya estaba en el disco de Arnold Corns con otras estrofas, y con él abrían los conciertos y la película de Ziggy.
• El diálogo que hay dentro de esa canción: Ziggy canta las estrofas y la banda le contesta en los estribillos que, si quieren que esto salga bien, más le vale no perder la cabeza.
• El momento en que Trevor Bolder se suelta con el bajo, tocado con púa, una de las pocas veces en todo el disco en que la base rítmica sale del segundo plano.

Y por el camino nos encontramos con T. Rex, los Ramones, los Sex Pistols, Mick Jagger, Little Richard, Marilyn Monroe, Tina Turner, Eurythmics, Nine Inch Nails, Smashing Pumpkins, Placebo, el Duque Blanco y ‘Let's Dance’, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(01:16) «Lady Stardust»
(03:49) La maqueta «A Song for Marc»
(05:06) El magnetismo de Marc Bolan
(06:08) Qué es exactamente el ‘glam’
(11:55) «Star»
(15:35) Los que quisieron cambiar el mundo
(18:11) La foto de los Spiders
(21:46) «Me vendría bien el dinero»
(26:08) Dormir como una estrella del rock
(27:19) Beckham durmiendo, en un museo
(28:08) «Hang On to Yourself»
(30:41) Lo protopunk y los Ramones
(34:26) El bajo de Trevor Bolder
(37:50) La banda le responde a Ziggy

Héctor Gerónimo es cantante, compositor y ‘frontman’, nacido en Buenos Aires y criado en Madrid. Forma parte de Moebio, con quienes firmó su primer contrato discográfico, y de Monoplasma, la banda que montó con el guitarrista mexicano César «El Vampiro» López, de los dos primeros discos de Maná. En 2018, tras un concierto con Monoplasma en el Lunario de Ciudad de México, le propusieron encarnar a David Bowie en una banda de tributo internacional con la que acabó girando ampliamente por el país: https://www.hectorgeronimo.com/acerca

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Marc Aliana
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En esta sexta y última parte comentamos:

• Que la canción que da título al disco no la canta Ziggy: está narrada desde dentro de la banda, por alguien que lo vio triunfar demasiado y acabó teniendo que disolver el grupo.
• Qué significa «the Nazz», la palabra rara de esa letra: sale de un poema del cómico ‘beat’ Richard «Lord» Buckley, una versión burlesca de la vida de Jesús.
• El pique que empezó en un avión: Mike Garson, el teclista que se incorporó para la gira americana, cobraba tres o cuatro veces más que los Spiders from Mars.
• Que cuando Bowie disolvió la banda sobre el escenario, el 3 de julio de 1973, no lo sabía nadie: ni los músicos ni su propio mánager.
• «Suffragette City» ya se había publicado como cara B de «Starman», antes que el disco, y Bowie se la había ofrecido a Mott the Hoople, que la rechazaron y se quedaron con «All the Young Dudes».
• Los drugos de ‘La naranja mecánica’ asomando en la letra, y el sintetizador de los estribillos, el único que suena en todo el disco.
• «Rock ’n’ Roll Suicide»: empieza con una guitarra acústica y una voz y termina con la única orquesta del álbum, metales y cuerdas, y con ese «no estás solo» dirigido a quien se siente distinto.

Y por el camino nos encontramos con Jim Morrison, Bruce Dickinson, The Who, los Stooges, Baudelaire, Trent Reznor y Nine Inch Nails, The Smashing Pumpkins, Placebo, Robert Smith, ‘Diamond Dogs’ y el Live Aid, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(01:13) «Ziggy Stardust»
(10:54) La conexión con Jimi Hendrix
(12:47) «Como un tío de Japón»
(17:01) Qué significa «the Nazz»
(18:31) Mike Garson cobraba más
(19:31) Nadie sabía que se acababa
(23:32) «Suffragette City»
(29:25) Los drugos y ‘La naranja mecánica’
(30:10) El único sintetizador del disco
(32:48) «Rock ’n’ Roll Suicide»
(39:07) «No estás solo»
(43:51) ¿Es un disco conceptual?
(51:14) Reeves Gabrels y Tin Machine

Héctor Gerónimo es cantante, compositor y ‘frontman’, nacido en Buenos Aires y criado en Madrid. Forma parte de Moebio, con quienes firmó su primer contrato discográfico, y de Monoplasma, la banda que montó con el guitarrista mexicano César «El Vampiro» López, de los dos primeros discos de Maná. En 2018, tras un concierto con Monoplasma en el Lunario de Ciudad de México, le propusieron encarnar a David Bowie en una banda de tributo internacional con la que acabó girando ampliamente por el país: https://www.hectorgeronimo.com/acerca

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La música que suena en la cabecera de ‘Disco prestado’ forma parte de mi EP ‘The Entertainer’. Lo tienes en todas las plataformas y en marcaliana.com/musica, junto con mi disco ‘El último jardín’.

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¡Salud y buena música!

Marc Aliana
marcaliana.com

‘Back in Black’ se publicó en 1980 en Atlantic Records y Albert Productions, producido por Mutt Lange.

Advertencia: en esta serie de episodios comentamos letras que hablan de sexo y consumo de sustancias.

En esta primera parte comentamos:

• La muerte de Bon Scott y su sustitución casi inmediata por Brian Johnson, que se ganaba la vida en un taller de chapa y cantaba los fines de semana con Geordie.
• El trabajo de producción de Mutt Lange —los aires, los coros, los solos más cantables— y el papel del ingeniero, esa figura que casi nunca se reconoce.
• La leyenda de las ‘demos’ grabadas con Bon Scott a la batería y hasta qué punto llegó a dejar letras escritas para el disco, un debate que sigue abierto.
• Por qué AC/DC acabaron aceptando un productor de fuera de la familia tras el fiasco con Eddie Kramer, que les propuso versionar a Spencer Davis Group.
• La etapa anterior con George Young —hermano de Angus y Malcolm— y Harry Vanda en la producción, y de dónde venían los dos: los Easybeats y «Friday on My Mind».
• Dos grabaciones hechas con inteligencia artificial que ponen la voz de Bon Scott sobre temas de ‘Back in Black’, y el debate ético que abren.
• Por qué en 1983 se les cayó un concierto en Barcelona por falta de entradas y ocho años después llenaban el Estadio Olímpico.

Y por el camino nos encontramos con los Rolling Stones, Barón Rojo, John Paul Young, Flash and the Pan, Dr. Feelgood, Slade, Sweet, Mötley Crüe, Tesla, Queen, Elton John, David Bowie, Jimi Hendrix, Fleetwood Mac, Whitney Houston, Rick Rubin y Arnold Schwarzenegger, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(02:55) Quién es Richard Royuela
(07:23) Cómo descubrió el disco
(15:02) AC/DC y Metallica en Barcelona
(17:00) Los discos australianos
(18:53) George Young y Harry Vanda
(21:00) El fiasco con Eddie Kramer
(21:53) La entrada de Mutt Lange
(27:10) Las ‘demos’ con Bon Scott
(28:03) La muerte de Bon Scott
(33:53) Cinco meses y un cantante nuevo
(37:11) Compass Point, en las Bahamas
(39:38) Phil Rudd, metrónomo humano
(42:58) La voz de Bon Scott con IA
(45:09) Cincuenta millones de copias

Richard Royuela es un veterano de la industria musical nacido en Barcelona. Ha ejercido de crítico musical, periodista, mánager, productor, promotor de conciertos y jefe de producto discográfico, aunque por encima de todo se considera un fan de la música. Escribió en la revista ‘Popular 1’ y fundó ‘Rock Sound’ y ‘RockZone’ junto a Jordi Meya, con quien presenta ‘El podcast de RockZone’. También ideó y participó en el guion de ‘Parchís: el documental’ y colabora con el festival de cine documental In-Edit: https://www.rockzonemag.com/

‘Back in Black’ se grabó en Compass Point Studios, en Nassau (Bahamas), y se mezcló en Electric Lady Studios de Nueva York, con Mutt Lange en la producción y Tony Platt como ingeniero. En este disco, AC/DC eran Brian Johnson a la voz, Angus Young a la guitarra solista, Malcolm Young a la guitarra rítmica y los coros, Cliff Williams al bajo y los coros, y Phil Rudd a la batería.

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Marc Aliana
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Advertencia: en esta serie de episodios comentamos letras que hablan de sexo y consumo de sustancias.

En esta segunda parte comentamos:

• Las dos primeras canciones del disco, «Hells Bells» y «Shoot to Thrill», y por qué AC/DC renunciaron aquí a abrir con un tema rápido, como habían hecho siempre.
• La campana: fueron a grabar la de una iglesia, los pájaros lo echaron a perder y acabaron encargando que les fundieran una, que luego se llevaron de gira.
• Las diferencias entre las letras de Bon Scott y las de Brian Johnson, y lo que Mutt Lange le pidió cambiar al primero ya en ‘Highway to Hell’.
• Por qué AC/DC no cedieron a la estética de los ochenta cuando hasta David Coverdale o Kiss se cardaron el pelo.
• El regreso a lo grande en los noventa con ‘The Razor’s Edge’ y Bruce Fairbairn, el productor que había rescatado a Aerosmith y grabado a Bon Jovi.
• De dónde sale el uniforme de colegial de Angus Young, y quién cantaba en AC/DC antes de Bon Scott: Dave Evans, que grabó el primer single, «Can I Sit Next to You, Girl».
• Cómo fue para Richard entrevistar a Angus en Londres a mediados de los noventa, cuando la banda promocionaba la caja ‘Bonfire’.

Y por el camino nos encontramos con Prince, Joy Division, los Ramones, Deep Purple, Siouxsie and the Banshees, Genesis, Talking Heads, The Clash, Peter Gabriel, Motörhead, Judas Priest, Black Sabbath, Iron Maiden, Saxon, Ozzy Osbourne, Yoko Ono, John Bonham, Chuck Berry, Whitesnake, Triana, Camilo Sesto, Ennio Morricone, Stanley Kubrick, Alfred Hitchcock, los Blues Brothers, Bud Spencer y Terence Hill, Eddie Trunk, Stephen King y El Chavo del Ocho, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(01:28) Cómo eran los años ochenta
(07:08) Efemérides de 1980
(13:26) El asesinato de John Lennon
(15:01) Félix Rodríguez de la Fuente
(17:27) Otros discos de 1980
(20:46) «Hells Bells» y las campanas
(23:37) ‘Highway to Hell’ o este disco
(26:19) Las letras de Bon y de Brian
(34:19) La campana que mandaron fundir
(37:39) «Shoot to Thrill»
(44:53) El origen del disfraz colegial
(49:34) Entrevistar a Angus Young
(54:45) AC/DC en las bandas sonoras

Richard Royuela es un veterano de la industria musical nacido en Barcelona. Ha ejercido de crítico musical, periodista, mánager, productor, promotor de conciertos y jefe de producto discográfico, aunque por encima de todo se considera un fan de la música. Escribió en la revista ‘Popular 1’ y fundó ‘Rock Sound’ y ‘RockZone’ junto a Jordi Meya, con quien presenta ‘El podcast de RockZone’. También ideó y participó en el guion de ‘Parchís: el documental’ y colabora con el festival de cine documental In-Edit: https://www.rockzonemag.com/

Si quieres participar en la elección de los discos que tratamos en el pódcast, visita discoprestado.com y date de alta gratis en mi lista de correo.

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Advertencia: en esta serie de episodios comentamos letras que hablan de sexo y consumo de sustancias.

En esta tercera parte comentamos:

• «What Do You Do for Money Honey», «Given the Dog a Bone» y «Let Me Put My Love Into You», tres temas de álbum que dicen bastante de cómo se hablaba de las mujeres en el rock de 1980.
• Por qué «Let Me Put My Love Into You» acabó en las Filthy Fifteen, la lista de canciones indecentes que confeccionó en 1985 el Parents Music Resource Center de Tipper Gore.
• De dónde salió el pánico satánico que acabó llevando a Judas Priest ante un tribunal: ‘Michelle Remembers’, el libro que el psiquiatra Lawrence Pazder escribió con Michelle Smith, su paciente y después su mujer.
• Los problemas auditivos que apartaron a Brian Johnson de la gira de ‘Rock or Bust’ en 2016 y los conciertos que Axl Rose acabó cantando con AC/DC.
• La escena de clubes de Los Ángeles de la que salió el glam metal y las bandas de mujeres que quedaron enterradas por el camino: Bitch, Femme Fatale, Vixen.
• Cómo los Beastie Boys samplearon el riff de «Back in Black» en «Rock Hard» sin pedir permiso, y cómo acabó arreglándolo Malcolm Young.
• Por qué eso de que todos los discos de AC/DC suenan igual no se sostiene, y qué diferencia a ‘For Those About to Rock’ de ‘Flick of the Switch’ o de ‘The Razor’s Edge’.

Y por el camino nos encontramos con Soundgarden, Nirvana, Kurt Cobain, los Sex Pistols, Mötley Crüe, Poison, Twisted Sister, Dee Snider, Frank Zappa, Ozzy Osbourne, las Runaways, Public Enemy, Wu-Tang Clan, Bad Religion, los Ramones, Metallica, Dave Navarro, Flea y J Balvin, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(01:28) «What Do You Do for Money Honey»
(02:56) El CD y los discos largos
(09:33) «Given the Dog a Bone»
(12:00) El glam metal de Los Ángeles
(14:31) Vixen, Lita Ford y Joan Jett
(24:54) Brian Johnson y el oído
(26:33) Axl Rose canta en AC/DC
(36:10) «Let Me Put My Love Into You»
(38:05) El PMRC y las Filthy Fifteen
(39:53) El pánico satánico
(42:44) «Back in Black»
(44:23) El sampleo de Beastie Boys
(51:53) Frusciante y Kiedis en Nimes

Richard Royuela es un veterano de la industria musical nacido en Barcelona. Ha ejercido de crítico musical, periodista, mánager, productor, promotor de conciertos y jefe de producto discográfico, aunque por encima de todo se considera un fan de la música. Escribió en la revista ‘Popular 1’ y fundó ‘Rock Sound’ y ‘RockZone’ junto a Jordi Meya, con quien presenta ‘El podcast de RockZone’. También ideó y participó en el guion de ‘Parchís: el documental’ y colabora con el festival de cine documental In-Edit: https://www.rockzonemag.com/

Si quieres participar en la elección de los discos que tratamos en el pódcast, visita discoprestado.com y date de alta gratis en mi lista de correo.

La música que suena en la cabecera de ‘Disco prestado’ forma parte de mi EP ‘The Entertainer’. Lo tienes en todas las plataformas y en marcaliana.com/musica, junto con mi disco ‘El último jardín’.

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Marc Aliana
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Advertencia: en esta serie de episodios comentamos letras que hablan de sexo y consumo de sustancias.

En esta cuarta y última parte comentamos:

• «You Shook Me All Night Long» y esa melodía de guitarra que abre el tema antes del riff: fue idea de Mutt Lange y la banda no la quería.
• Las tres últimas canciones del disco: «Have a Drink on Me», el guiño más evidente a Bon Scott; «Shake a Leg», que solo han tocado una vez en directo; y «Rock and Roll Ain’t Noise Pollution», que se sacaron de la manga en el estudio porque el disco se quedaba en nueve temas.
• Lo que sostienen ‘The Youngs’ y ‘Bon: The Last Highway’, los dos libros de Jesse Fink sobre la noche en que murió Bon Scott y las letras que pudo dejar escritas.
• Por qué AC/DC no tienen recopilatorio oficial ni material inédito publicado, algo insólito en un grupo de este tamaño.
• La diferencia entre la voz de Brian Johnson en AC/DC y la que tenía en Geordie, su banda anterior, y por qué está más infravalorado de lo que parece.
• La versión de «You Shook Me All Night Long» que grabaron Celine Dion y Anastacia, y el detalle de que la bajaran de tono.
• El alegato de Richard a favor de cómo escuchan música los adolescentes de hoy y en contra del conservadurismo musical de los roqueros de nuestras generaciones.

Y por el camino nos encontramos con los Beatles, los Easybeats, Def Leppard, Shania Twain, Van Halen, Eddie Van Halen, Slash, Joe Perry, Jimi Hendrix, The Doors, los Eagles, Phil Rudd, Billy Joel, Michael Bolton, Mariah Carey, Bizarrap y Rosalía, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(01:15) «You Shook Me All Night Long»
(03:03) La intro que quería Mutt Lange
(07:26) Prince y Sinéad O’Connor
(10:43) Mutt Lange, probar y probar
(14:42) La versión de Celine Dion
(17:22) Prejuicios y pop mainstream
(22:10) Cada generación y su música
(29:28) «Have a Drink on Me»
(33:31) «Shake a Leg», tocada una vez
(34:49) La última canción del disco
(40:29) La voz de Brian Johnson
(44:08) Angus Young como guitarrista
(50:57) «The Entertainer»

El episodio se cierra con mi canción «The Entertainer». Está en mi EP homónimo: https://www.marcaliana.com/musica/the-entertainer/

Richard Royuela es un veterano de la industria musical nacido en Barcelona. Ha ejercido de crítico musical, periodista, mánager, productor, promotor de conciertos y jefe de producto discográfico, aunque por encima de todo se considera un fan de la música. Escribió en la revista ‘Popular 1’ y fundó ‘Rock Sound’ y ‘RockZone’ junto a Jordi Meya, con quien presenta ‘El podcast de RockZone’. También ideó y participó en el guion de ‘Parchís: el documental’ y colabora con el festival de cine documental In-Edit: https://www.rockzonemag.com/

Si quieres participar en la elección de los discos que tratamos en el pódcast, visita discoprestado.com y date de alta gratis en mi lista de correo.

La música que suena en la cabecera de ‘Disco prestado’ forma parte de mi EP ‘The Entertainer’. Lo tienes en todas las plataformas y en marcaliana.com/musica, junto con mi disco ‘El último jardín’.

Contacto: discoprestado@marcaliana.com

¡Salud y buena música!

Marc Aliana
marcaliana.com

Advertencia: en esta serie de episodios comentamos letras que hablan de consumo de sustancias.

‘Alta suciedad’ se publicó el 9 de septiembre de 1997 en DRO East West, producido por Joe Blaney.

En esta primera parte comentamos:

• Quién grabó el riff de «Alta suciedad»: Eddie Martínez, que venía de tocar con Lou Reed y Tina Turner y de hacer el de «King of Rock» de Run-DMC, que suena casi igual.
• Por qué Calamaro se fue a Nueva York a grabar con Steve Jordan, el baterista de Keith Richards y hoy de los Rolling Stones, y con Marc Ribot, el guitarrista de Tom Waits que firma casi todos los solos del disco.
• Quién es Joe Blaney, el productor: ingeniero de Charly García desde ‘Clics modernos’ y coproductor de ‘Palabras más, palabras menos’, el último de Los Rodríguez.
• Los principios de Calamaro en Los Abuelos de la Nada, con Miguel Abuelo, Gustavo Bazterrica y Cachorro López, y su paso por la banda de Charly García.
• Cómo la portada es un homenaje al Dylan eléctrico, y por qué ‘Alta suciedad’ suena a otro Calamaro.
• La casualidad de «Flaca» y «La Flaca» de Jarabe de Palo, dos canciones que salieron con un año de diferencia.
• Las más de 700.000 copias que vendió, el segundo disco más vendido de la historia del rock argentino.

Y por el camino nos encontramos con Soda Stereo, Sumo y Luca Prodan, Luis Alberto Spinetta, Litto Nebbia, Ratones Paranoicos, Los Ronaldos, Oasis, Blur, Suede, The Verve, Noel Gallagher, las Spice Girls, Aqua y el efecto 2000, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(01:32) Quién es Alejandro Meola
(04:47) Cómo descubrió Alejandro el disco
(10:51) Los Abuelos de la Nada y Charly García
(12:09) Tequila, Ariel Rot y Los Rodríguez
(17:06) La portada, homenaje a Bob Dylan
(20:55) Steve Jordan, de Keith Richards
(23:07) Marc Ribot y los solos del disco
(25:00) Joe Blaney, el productor
(29:45) Efemérides de 1997
(30:33) «Flaca» y «La Flaca», el mismo año
(40:01) «Alta suciedad», la canción

Alejandro Meola es un cantautor y guitarrista independiente nacido en Miami, criado en Buenos Aires y afincado en Nueva York desde 2013. Hasta la fecha ha publicado cuatro álbumes, cuatro EPs y varios sencillos, y su trabajo ha aparecido en medios como ‘Página/12’, IndieHoy, Radio Cocoa, Grita Radio, Dequeruza.ar o Muzikalia: https://www.alejandromeola.com/

‘Alta suciedad’ se grabó en febrero de 1997 en los estudios iiwii, en Weehawken (Nueva Jersey), y Pilot, en Nueva York, y se mezcló en marzo en South Beach, en Miami Beach, con grabaciones adicionales allí y en Pet Fi Home Studio de Madrid. Ted Jensen lo masterizó en Sterling Sound. En este disco, Andrés Calamaro cantó y tocó guitarras, pianos, teclados y Mellotron, acompañado por Steve Jordan a la batería, Charley Drayton y Chuck Rainey a los bajos, Hugh McCracken, Marc Ribot y Eddie Martínez a las guitarras, Crusher Bennett a la percusión, Crispin Cioe al saxo, Ken Fradley a la trompeta y el fliscorno, Jesse Levy al violonchelo y Celeste Carballo a los coros. La portada es una fotografía de Ricky Dávila y el diseño, de Oscar Mariné.

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Contacto: discoprestado@marcaliana.com

¡Salud y buena música!

Marc Aliana
marcaliana.com

Advertencia: en esta serie de episodios comentamos letras que hablan de consumo de sustancias.

En esta segunda parte comentamos:

• Por qué el primer verso de «Loco», el primer single del disco, acabó en los titulares de los diarios argentinos.
• El fragmento de ‘Hora Clave’, el programa de Mariano Grondona en Canal 9 Libertad, en el que Calamaro defendió en 1997, en directo y a las once de la noche, sacar el asunto del código penal y llevarlo al civil.
• Quién toca esa línea de bajo de «Loco»: en la charla queda en el aire entre los dos bajistas del disco y los créditos lo aclaran, es Chuck Rainey, el de Aretha Franklin y Steely Dan; el solo lo hace Hugh McCracken.
• «Todo lo demás», la canción más dylaniana del disco, y por qué unas pocas frases —el pasaporte ardiendo en la fuente de la Plaza Real, el Farias entre los dientes— bastan para ponerte en un sitio concreto.
• El guiño a Los Rodríguez de «Donde manda marinero», y la conversación entre la guitarra con wah de la izquierda y la del ‘chorus’ de la derecha.
• Cómo Calamaro hace de puente entre el habla argentina y la española, y qué se le pega a uno cuando lleva años viviendo lejos.
• Si el público le da demasiada importancia a lo que opinan los músicos famosos, y qué se perdió cuando dejamos de no saber nada de nuestros ídolos.

Y por el camino nos encontramos con Los Rodríguez, Charley Drayton, Iggy Pop, Seal, Enrique Bunbury, Noel Gallagher, los Strokes, Will Smith, los porros en Netflix, el US Open y el desayuno de Mick Jagger, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(01:23) «Todo lo demás»
(03:24) Calamaro, puente entre dos hablas
(07:49) El aire a Bob Dylan en la voz
(09:40) «Donde manda marinero»
(10:43) Las dos guitarras, wah y ‘chorus’
(13:00) «Loco», el primer single
(13:57) El videoclip acuático
(15:35) Los vientos que canta el público
(17:45) El verso del porrito
(19:16) ‘Hora Clave’, con Mariano Grondona
(21:11) Cómo han cambiado los tiempos
(29:36) El bajo de Chuck Rainey
(35:11) ¿Importa lo que opinen los músicos?

Alejandro Meola es un cantautor y guitarrista independiente nacido en Miami, criado en Buenos Aires y afincado en Nueva York desde 2013. Hasta la fecha ha publicado cuatro álbumes, cuatro EPs y varios sencillos, y su trabajo ha aparecido en medios como ‘Página/12’, IndieHoy, Radio Cocoa, Grita Radio, Dequeruza.ar o Muzikalia: https://www.alejandromeola.com/

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Marc Aliana
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Advertencia: en esta serie de episodios comentamos letras que hablan de consumo de sustancias.

En esta tercera parte comentamos:

• Lo que trae el libreto del CD y no se encuentra por internet: Celeste Carballo hace coros en más temas de los que se dice, «Flaca» entre ellos, y los solos no son todos de Marc Ribot, porque el de «Alta suciedad» lo toca Eddie Martínez.
• Los siete singles que llegó a sacar el disco, y por qué «Flaca», que fue el segundo, acabó siendo la canción más conocida de Calamaro pese a girar siempre sobre los mismos cuatro acordes.
• Qué une a Joe Blaney con Charly García: fue su ingeniero de sonido desde ‘Clics modernos’ y coprodujo ‘Palabras más, palabras menos’, el último disco de Los Rodríguez.
• La Charly García Corner, la esquina de Walker Street y Cortlandt Alley donde se hizo la foto de portada de ‘Clics modernos’, que Nueva York bautizó así unas semanas después de grabar este episodio.
• De dónde sale el título de «¿Quién asó la manteca?»: del dicho «eres más tonto que el que asó la manteca», y por qué la letra es un viaje lisérgico con tigres de Bengala y una bolsa de cemento.
• Que «Media Verónica» es una referencia taurina aunque la canción no vaya de toros, y quién toca ese violonchelo: Jesse Levy, que había grabado con Michael Jackson y Patti Smith.
• Si la música de ahora se ha empobrecido de verdad o simplemente la estamos juzgando con los valores de otra generación.

Y por el camino nos encontramos con Los Ramones, Prince, los Talking Heads y el CBGB, Astor Piazzolla, Enrique Bunbury, Joaquín Sabina, Café Tacuba, Molotov, Babasónicos, Ariel Rot, Carlos Ann, el Vive Latino, Jarabe de Palo y C. Tangana, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(02:11) «Flaca»
(03:00) Los siete singles del disco
(04:59) La melodía que cierra la canción
(06:32) Coros de hinchada de fútbol
(08:46) Joe Blaney, de The Clash a Charly
(09:30) ‘Clics modernos’ y ‘Piano Bar’
(10:29) La Charly García Corner
(15:51) «¿Quién asó la manteca?»
(16:54) Un funk lisérgico y psicodélico
(20:01) «Media Verónica», título taurino
(25:38) ¿Se ha empobrecido la música?
(33:37) Hugh McCracken y el cello de Jesse Levy
(35:04) Marc Ribot tocando en un bar

Alejandro Meola es un cantautor y guitarrista independiente nacido en Miami, criado en Buenos Aires y afincado en Nueva York desde 2013. Hasta la fecha ha publicado cuatro álbumes, cuatro EPs y varios sencillos, y su trabajo ha aparecido en medios como ‘Página/12’, IndieHoy, Radio Cocoa, Grita Radio, Dequeruza.ar o Muzikalia: https://www.alejandromeola.com/

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Marc Aliana
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Advertencia: en esta serie de episodios comentamos letras que hablan de consumo de sustancias.

En esta cuarta y última parte comentamos:

• Quién es la voz que recita durante cuatro minutos en «Nunca es igual»: Antonio Escohotado, el filósofo y ensayista que en los noventa se hizo popular con sus libros sobre la historia de las drogas y ‘La cuestión del cáñamo’.
• Que «Nunca es igual» es la única canción del disco que Calamaro no firma solo: la letra la comparte con Escohotado y la música, con Steve Jordan y Charley Drayton.
• «Comida china», el tema más corto y más raro del disco: el violonchelo de Jesse Levy, el Mellotron y los coros de Celeste Carballo, con un aire a ‘Sgt. Pepper’s’ que se oye a la primera.
• Palito Ortega asomando en «Elvis está vivo» con una sola frase y sin que nadie lo anuncie —en los créditos figura como Ramón Ortega—, y el guiño a «Are You Lonesome Tonight?».
• Qué es la quinta del 78 que aparece en «Crímenes perfectos»: el Mundial que organizó la dictadura argentina, y a quién ve Alejandro en el «viejo Armando» de la letra.
• «Me arde», que llegó a ser el sexto single del disco, publicado en mayo del 98, medio año después de que saliera.
• Los títulos que ‘Alta suciedad’ estuvo a punto de llevar, y «Catalina, Bahía», la canción que se quedó fuera y acabó en la cara B del single de «Loco».

Y por el camino nos encontramos con José Alfredo Jiménez, John Lennon, Paul McCartney, los Doors, Manal, Almendra y Pescado Rabioso, Luis Alberto Spinetta, Charly García, Keith Richards, Sandro, Timothy Leary y una tarde de San Isidro, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(01:09) «El tercio de los sueños»
(03:00) Qué es un Farias
(08:33) El dobro, el slide y el blues
(13:19) «Comida china»
(16:00) De ‘Honestidad brutal’ a ‘El Salmón’
(19:51) «Elvis está vivo»
(22:02) Palito Ortega en la canción
(24:56) «Me arde»
(35:14) «Crímenes perfectos»
(36:18) La quinta del 78
(40:10) «Nunca es igual»
(40:50) Escohotado recitando
(48:15) «El novio del olvido»

Alejandro Meola es un cantautor y guitarrista independiente nacido en Miami, criado en Buenos Aires y afincado en Nueva York desde 2013. Hasta la fecha ha publicado cuatro álbumes, cuatro EPs y varios sencillos, y su trabajo ha aparecido en medios como ‘Página/12’, IndieHoy, Radio Cocoa, Grita Radio, Dequeruza.ar o Muzikalia: https://www.alejandromeola.com/

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La música que suena en la cabecera de ‘Disco prestado’ forma parte de mi EP ‘The Entertainer’. Lo tienes en todas las plataformas y en marcaliana.com/musica, junto con mi disco ‘El último jardín’.

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Marc Aliana
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Advertencia: en esta serie de episodios comentamos letras que hablan de suicidio, abuso sexual y consumo de sustancias.

‘Ten’ se publicó el 27 de agosto de 1991 en Epic Records, producido por Rick Parashar y la propia banda.

En esta primera parte comentamos:

• Por qué el disco se llama ‘Ten’: la banda se llamaba Mookie Blaylock, como el base de los New Jersey Nets, hasta que Epic les obligó a cambiar de nombre.
• Cómo Stone Gossard y Jeff Ament levantaron la banda tras la muerte de Andrew Wood, cantante de Mother Love Bone, y el papel de Chris Cornell y de ‘Temple of the Dog’.
• Eddie Vedder antes de Pearl Jam: dos trabajos en San Diego, el apodo «the guy who never sleeps» y la maqueta instrumental que le hizo llegar Jack Irons, sobre la que escribió «Alive», «Once» y «Footsteps», la trilogía Momma-Son.
• Los tres bateristas de aquellos meses: Dave Krusen, que grabó el disco y salió de la banda en mayo de 1991 para entrar en rehabilitación; Matt Chamberlain, que dijo que no y aun así sale en el videoclip de «Alive»; y Dave Abbruzzese.
• Rick Parashar, el productor que además tocó varios instrumentos en el disco, y cuánto de ‘Ten’ se acabó de armar improvisando en el estudio.
• Por qué Mike McCready toca Stratocaster y qué pasó el día que él y Stone Gossard aparecieron por el local con una Flying V.

Y por el camino nos encontramos con Soundgarden, Alice in Chains, Nirvana, Mudhoney, Sonic Youth, Blind Melon, Faith No More, R.E.M., Matt Cameron, Pete Townshend, The Who, Neil Young, Cameron Crowe, Adam Sandler, el documental ‘Twenty’ y la calle Tallers de Barcelona, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(01:57) Qué significa Pearl Jam para Miguel
(03:41) El disco prestado en la biblioteca
(08:56) El videoclip en el Sputnik de TV3
(13:14) El disco, agosto de 1991
(15:43) Green River y Mother Love Bone
(23:23) Jack Irons y la maqueta
(27:55) Mookie Blaylock, el primer nombre
(28:50) El mundo en 1991
(31:12) La Flying V que Vedder vetó
(40:53) Los tres bateristas
(43:29) Citizen Dick y ‘Singles’
(45:42) Los números 1 en España

Miguel Ballester es baterista de Sant Boi (Barcelona) y el creador de la escuela ‘online’ Quientocaque.com. En sus veinte años de carrera ha colaborado con artistas como Dani Flaco, Daniel Higiénico, Lichis (La Cabra Mecánica), Hugo Salazar, Cesk Freixas, Carlos Ann, Lucas Masciano, Alessio Arena, Carlos Chaouen, Alejandro Martínez, Alice & The Wonders o Gnaposs. Es también coautor, junto a Oriol Bonet —el baterista de la banda—, del libro de transcripciones del disco ‘La noche eterna, los días no vividos’ de Love of Lesbian: https://quientocaque.com/

‘Ten’ se grabó entre marzo y abril de 1991 en London Bridge Studio, en Seattle, y lo mezcló Tim Palmer en Ridge Farm Studio, en Inglaterra. En este disco, Pearl Jam eran Eddie Vedder a la voz, Stone Gossard a la guitarra rítmica, Mike McCready a la guitarra solista, Jeff Ament al bajo y Dave Krusen a la batería; Rick Parashar, además de producir junto a la banda, tocó el piano, el órgano y la percusión.

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Marc Aliana
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Advertencia: en esta serie de episodios comentamos letras que hablan de suicidio, abuso sexual y consumo de sustancias.

En esta segunda parte comentamos:

• «Once» y la intro «Master/Slave»: una improvisación que grabó el productor y que hace de puerta de entrada al disco, y por qué la canción es la segunda parte de la trilogía Momma-Son.
• Qué cuenta «Even Flow» —la vida de una persona sin hogar—, las cincuenta o setenta tomas que costó grabarla, el empalme de dos tomas distintas en la parte final y la afinación en re grave del ‘riff’.
• El solo de «Even Flow», que ‘Guitar World’ eligió en 2015 como el sexto mejor solo con ‘wah’ de la historia, y el Stevie Ray Vaughan que se le ve detrás a Mike McCready.
• Por qué Eddie Vedder aparece enfadado desde el primer segundo del videoclip de «Even Flow», rodado en el Moore Theatre de Seattle con la canción regrabada en el estudio, y por qué después de ‘Ten’ Pearl Jam no volvieron a hacer videoclips hasta «Do the Evolution».
• Por qué la banda nunca quedó contenta con el sonido del disco: la mezcla original de Tim Palmer, la remezcla que hizo Brendan O’Brien en 2009 como ‘Ten Redux’ y en qué se diferencia remezclar de remasterizar.
• Jeff Ament: el bajo sin trastes que recorre medio disco, su afición al contrabajo y al jazz, y la tipografía del disco, que también es cosa suya.
• Cómo Sub Pop popularizó la etiqueta ‘grunge’ para promocionar a sus grupos, y qué pensaba Kurt Cobain de Pearl Jam.

Y por el camino nos encontramos con Nirvana, Soundgarden, Alice in Chains, Mudhoney, L7, Red Hot Chili Peppers, Metallica, Megadeth, Neil Young, Led Zeppelin, Adam Sandler, el Saturday Night Live, Jack Nicholson, la MTV, ‘Versus’, ‘Vitalogy’ y los conciertos de Barcelona y San Sebastián de 1996, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(01:22) «Once» y la intro «Master/Slave»
(02:50) La trilogía Momma-Son
(06:35) Vedder trepando por el escenario
(08:11) De dónde sale la palabra ‘grunge’
(10:25) Las críticas de Kurt Cobain
(12:23) La mezcla original y ‘Ten Redux’
(17:35) «Even Flow»
(18:20) El disco que no salió en vinilo
(22:16) Las 50 o 70 tomas
(23:18) El videoclip y las luces
(29:55) El bajo sin trastes de Ament
(32:17) El solo de Mike McCready
(37:09) «La Güerita»

El episodio se cierra con «La Güerita», que es la sintonía de ‘Disco prestado’ y que grabó Miguel a la batería. Está en mi EP ‘The Entertainer’: https://www.marcaliana.com/musica/the-entertainer/

Miguel Ballester es baterista de Sant Boi (Barcelona) y el creador de la escuela ‘online’ Quientocaque.com. En sus veinte años de carrera ha colaborado con artistas como Dani Flaco, Daniel Higiénico, Lichis (La Cabra Mecánica), Hugo Salazar, Cesk Freixas, Carlos Ann, Lucas Masciano, Alessio Arena, Carlos Chaouen, Alejandro Martínez, Alice & The Wonders o Gnaposs. Es también coautor, junto a Oriol Bonet —el baterista de la banda—, del libro de transcripciones del disco ‘La noche eterna, los días no vividos’ de Love of Lesbian: https://quientocaque.com/

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Marc Aliana
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Advertencia: en esta serie de episodios comentamos letras que hablan de suicidio, abuso sexual y consumo de sustancias.

En esta tercera parte comentamos:

• De dónde salió el bajo sin trastes de Jeff Ament: The Firm, el supergrupo de Jimmy Page y Paul Rodgers con Tony Franklin al bajo, y el armónico ascendente de «Even Flow» que Ament reconoció en ‘Guitar World’ haber sacado de su «Radioactive».
• «Alive», el primer single que publicó Pearl Jam: el videoclip rodado en directo con Matt Chamberlain, el homenaje de Eddie Vedder a Roger Daltrey y por qué esa letra que todo el mundo canta como un himno para él es una tortura.
• La historia real y el incesto que hay detrás de «Alive», su parentesco con «The End» de The Doors y la noche de 1993 en que Vedder cantó con los Doors en su entrada al Rock and Roll Hall of Fame.
• Quién es Heather, la chica de trece años a la que el libreto de ‘Ten’ dedica «Why Go» —«4 Heather»—, qué le pasó y por qué Vedder volvió sobre ella en «Leash», de ‘Vs.’.
• El bajo de doce cuerdas con el que arranca «Why Go», los compases irregulares del tema y el acorde disonante que la banda deja colgado antes del estribillo.
• «Black», que en la maqueta se llamaba «E Ballad»: el eco de «Little Wing» en la guitarra de la intro, el teclado de Rick Parashar y el «we belong together» que Vedder empezó a añadir en directo en el Unplugged de 1992.
• Por qué la banda se opuso a que «Black» saliera como single, hasta el punto de que Vedder llamaba a las emisoras para asegurarse, y qué contó Cameron Crowe de aquella tarde en las dunas.

Y por el camino nos encontramos con Mother Love Bone, Green River, Stevie Ray Vaughan, Jimi Hendrix, Led Zeppelin, Nirvana, Matt Cameron, Chris Cornell, Chris Slade, «Yellow Ledbetter», «Footsteps», «State of Love and Trust», la banda sonora de ‘Singles’, Sigmund Freud y un arbusto parlante, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación y el bajo de The Firm
(02:29) «Alive», el primer single
(03:00) El videoclip y Roger Daltrey
(06:22) Por qué esa letra es una tortura
(07:00) El incesto de la letra
(09:01) El parentesco con «The End»
(10:01) El riff y la batería de Krusen
(13:10) Reediciones y caras B
(15:47) «Why Go»
(17:42) El bajo de doce cuerdas
(19:36) Heather, la chica de la letra
(25:28) «Black», la «E Ballad»
(39:56) Epic quería sacarla de single
(41:42) «Little Wing» y el teclado

Miguel Ballester es baterista de Sant Boi (Barcelona) y el creador de la escuela ‘online’ Quientocaque.com. En sus veinte años de carrera ha colaborado con artistas como Dani Flaco, Daniel Higiénico, Lichis (La Cabra Mecánica), Hugo Salazar, Cesk Freixas, Carlos Ann, Lucas Masciano, Alessio Arena, Carlos Chaouen, Alejandro Martínez, Alice & The Wonders o Gnaposs. Es también coautor, junto a Oriol Bonet —el baterista de la banda—, del libro de transcripciones del disco ‘La noche eterna, los días no vividos’ de Love of Lesbian: https://quientocaque.com/

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Advertencia: en esta serie de episodios comentamos letras que hablan de suicidio, abuso sexual y consumo de sustancias.

En esta cuarta parte comentamos:

• La historia real que hay detrás de «Jeremy»: Jeremy Wade Delle, quince años, que se quitó la vida delante de su clase en un instituto de Richardson, en Texas; la decisión de Eddie Vedder de no cambiarle el nombre, y los veintisiete años que tardó su madre en hablar en público.
• Los dos videoclips de «Jeremy»: el que se costeó de su bolsillo el fotógrafo Chris Cuffaro —vendió muebles y media colección de guitarras para pagarlo— y el que acabó emitiéndose, dirigido por Mark Pellington.
• Las caras B del single de «Jeremy»: «Footsteps», que cierra la trilogía Momma-Son y comparte música con «Times of Trouble» de ‘Temple of the Dog’, y «Yellow Ledbetter».
• «Oceans», el tema favorito de Stone Gossard: cómo Vedder compuso la letra encerrado fuera del local de ensayo, oyendo el bajo a través de la pared, y el pimentero y el extintor que Tim Palmer tocó en la mezcla porque no tenían percusión a mano.
• La noche en que Eddie Lucero, guitarrista de Vitalogy —una banda tributo de Los Ángeles—, abordó a Mike McCready en un bar y descubrió que McCready sabía perfectamente quién era.
• El Ten Club, los conciertos que la banda empezó a grabar y a vender ella misma, y por qué ese vínculo con los fans les sostuvo durante el pleito con Ticketmaster.
• «Porch» y el «Pro Choice» que Vedder se escribió en el brazo en el Unplugged de MTV, y de dónde salió «Garden»: una sala de billar, Stone Gossard, Chris Cornell y George Bush hablando de la Guerra del Golfo por televisión.

Y por el camino nos encontramos con Neil Young, Ani DiFranco, The Grateful Dead, Black Sabbath y su «War Pigs», Led Zeppelin, Guns N’ Roses, Kiss, «Crazy Mary», el Pinkpop de 1992, Picasso, George Bush padre e hijo y John Rambo, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(01:31) «Jeremy»
(02:07) La historia real de Jeremy Delle
(04:32) El videoclip
(12:29) Los dos videoclips y Cuffaro
(14:38) «Footsteps» y «Yellow Ledbetter»
(16:22) El tributo Vitalogy y McCready
(19:19) «Oceans»
(21:51) El parquímetro y la letra
(22:38) El pimentero y el extintor
(24:43) El Ten Club y los bootlegs
(28:16) El pleito con Ticketmaster
(32:02) «Porch»
(35:52) «Garden»

Miguel Ballester es baterista de Sant Boi (Barcelona) y el creador de la escuela ‘online’ Quientocaque.com. En sus veinte años de carrera ha colaborado con artistas como Dani Flaco, Daniel Higiénico, Lichis (La Cabra Mecánica), Hugo Salazar, Cesk Freixas, Carlos Ann, Lucas Masciano, Alessio Arena, Carlos Chaouen, Alejandro Martínez, Alice & The Wonders o Gnaposs. Es también coautor, junto a Oriol Bonet —el baterista de la banda—, del libro de transcripciones del disco ‘La noche eterna, los días no vividos’ de Love of Lesbian: https://quientocaque.com/

Si quieres participar en la elección de los discos que tratamos en el pódcast, visita discoprestado.com y date de alta gratis en mi lista de correo.

La música que suena en la cabecera de ‘Disco prestado’ forma parte de mi EP ‘The Entertainer’. Lo tienes en todas las plataformas y en marcaliana.com/musica, junto con mi disco ‘El último jardín’.

Contacto: discoprestado@marcaliana.com

¡Salud y buena música!

Marc Aliana
marcaliana.com

Advertencia: en esta serie de episodios comentamos letras que hablan de suicidio, abuso sexual y consumo de sustancias.

En esta quinta y última parte comentamos:

• Dónde tocaron Pearl Jam por primera vez en España: la sala Revolver de Madrid, el 15 de febrero de 1992.
• Qué dos bandas salieron de Green River —Mother Love Bone y Mudhoney— y por qué la mayor influencia de Andrew Wood era Freddie Mercury.
• Las tres estrofas de «Deep», tres situaciones extremas en las que las mismas palabras del estribillo cambian de significado cada vez.
• «Release», la única canción del disco firmada por los cinco, Dave Krusen incluido: salió de una improvisación en el local durante los cinco días de ensayos previos al primer concierto, y Vedder se inventó la letra sobre la marcha.
• Por qué Miguel sostiene que Matt Cameron es el baterista perfecto para Soundgarden y no para Pearl Jam, y la temporada en que Matt Chamberlain sustituyó a Cameron en Soundgarden porque las giras de las dos bandas se solapaban.
• Por qué Pearl Jam son la única banda que queda en pie de aquella escena: Chris Cornell, Layne Staley, Scott Weiland, Shannon Hoon, Kurt Cobain.
• El alegato de Miguel a favor de escuchar un disco entero con auriculares y el móvil apagado, y por qué su hijo de cinco años ya lo hace mejor que nosotros.

Y por el camino nos encontramos con Soundgarden, Alice in Chains, The Doors, Led Zeppelin, Neil Young, Mick Jagger, David Bowie, Blind Melon, Bruce Dickinson, Anthrax, Scorpions, Miguel Ríos, el ‘Badmotorfinger’, el Palau Sant Jordi y la revista ‘Mondo Sonoro’, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(00:55) La sala Revolver, no la Canciller
(01:36) El descuento de la escuela de Miguel
(03:37) «Deep»
(07:00) «Release»
(08:50) Matt Cameron en Pearl Jam
(12:15) Matt Chamberlain en Soundgarden
(14:38) Cómo se compuso «Release»
(21:53) El disco favorito de su vida
(23:25) Iron Maiden y las bandas de tu vida
(25:33) Las tres veces que los vio
(30:43) Los que ya no están
(32:13) Escuchar sin distracciones
(34:08) Dónde encontrar a Miguel

*** ¡Descuento exclusivo para oyentes de ‘Disco prestado’! Si quieres aprender a tocar la batería ‘online’ con Miguel Ballester, escríbele a qtq@quientocaque.com y consigue un 50 % de descuento en el primer mes de clases. ***

Miguel Ballester es baterista de Sant Boi (Barcelona) y el creador de la escuela ‘online’ Quientocaque.com. En sus veinte años de carrera ha colaborado con artistas como Dani Flaco, Daniel Higiénico, Lichis (La Cabra Mecánica), Hugo Salazar, Cesk Freixas, Carlos Ann, Lucas Masciano, Alessio Arena, Carlos Chaouen, Alejandro Martínez, Alice & The Wonders o Gnaposs. Es también coautor, junto a Oriol Bonet —el baterista de la banda—, del libro de transcripciones del disco ‘La noche eterna, los días no vividos’ de Love of Lesbian: https://quientocaque.com/

Si quieres participar en la elección de los discos que tratamos en el pódcast, visita discoprestado.com y date de alta gratis en mi lista de correo.

La música que suena en la cabecera de ‘Disco prestado’ forma parte de mi EP ‘The Entertainer’. Lo tienes en todas las plataformas y en marcaliana.com/musica, junto con mi disco ‘El último jardín’.

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¡Salud y buena música!

Marc Aliana
marcaliana.com

Para variar un poco, los oyentes de ‘Disco prestado’ nos prestan ‘Disco prestado’.

Muy buenas, soy Marc Aliana, y este es el primero de los dos episodios especiales con los que despido 2023, el primer año del pódcast. Repaso este tiempo recuperando momentos de los episodios que he ido publicando, con mensajes de voz que han grabado para la ocasión algunos de los invitados —Álvaro Méndez (Photolari), Miki Santamaria, Mariona Aupí y Kyke Serrano— y, sobre todo, con lo vuestro: los comentarios que habéis ido dejando en las plataformas y los mensajes de voz que me habéis mandado desde varios puntos del planeta.

En esta primera mitad encontraréis:

• De dónde salió ‘Disco prestado’: un balcón, un confinamiento, un año sin trabajo como músico, un dominio registrado esa misma noche y, antes de todo eso, ‘Autism Knows No Borders’, el pódcast sobre autismo que también edito cada semana y a través del cual me familiaricé con el medio.
• Por qué entre la grabación del primer episodio y el estreno del pódcast pasó un año y medio.
• Los dos episodios favoritos de Álvaro Méndez, y qué disco de los que hemos comentado le ha hecho cambiar de opinión sobre una banda con la que nunca había conectado.
• Los discos que Álvaro y yo llevamos un tiempo barajando para una próxima serie: ‘In Utero’, ‘Angel Dust’, la Velvet Underground, los Pixies.
• La historia que Mariona Aupí no conocía: dónde nos vimos por primera vez, cuatro o cinco años antes de conocernos de verdad.
• Momentos recuperados de ‘OK Computer’, ‘Blood Sugar Sex Magik’, ‘Felt Mountain’ y ‘Selling England by the Pound’, elegidos por vosotros.
• Quién es mi ‘dealer’ musical y qué tiene que ver con cómo suena el pódcast.

‘Genesis discografía’, el pódcast de Fernando —oyente de Buenos Aires— que recomiendo en el episodio: https://open.spotify.com/show/5TA00biwQnfFmMsA4kKKGF?si=d35005e1c2de4f4e

‘Autism Knows No Borders’: https://autismknowsnoborders.com/

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Marc Aliana
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«Discoprestadicto». Lo dijo un oyente… ¡y me lo quedo!

Muy buenas, soy Marc Aliana, y este es el segundo de los dos episodios especiales con los que despido 2023, y el último del año. Sigo repasando este tiempo con momentos de los episodios publicados, con mensajes de voz que grabaron para la ocasión Richard Royuela (RockZone), Alan Boguslavsky —exguitarrista de Bunbury y Héroes del Silencio—, Héctor Gerónimo, Alejandro Meola y Miguel Ballester, y, sobre todo, con lo vuestro: comentarios y mensajes de voz llegados desde varios puntos del planeta. Entre ellos, el de Óscar Saldaña, que fue el ingeniero de sonido de la gira que Alan Boguslavsky y yo hicimos por México acompañando a Carlos Ann.

En esta segunda mitad encontraréis:

• Cómo se cierra ‘The Dark Side of the Moon’: por qué en «Eclipse» el sol es la armonía y la luna es la locura, la de Syd Barrett y también la de los políticos y las guerras.
• El «Ticket to Ride» de los Beatles que se coló, en versión orquestal, entre los latidos del final del disco de Pink Floyd, y lo que tuve que hacerle al audio para llegar a oírlo.
• Lo de las seis horas que Héctor Gerónimo y yo estuvimos hablando de ‘The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars’ —récord del pódcast— y por qué «Starman» fue lo último que entró en el disco, en el sitio que ocupaba una versión de Chuck Berry.
• «You Shook Me All Night Long» con Richard Royuela: la vena pop de AC/DC que viene de los Easybeats de George Young, y la intro de guitarra que impuso Mutt Lange en contra de la voluntad de la banda.
• El debate que más comentarios generó de toda la serie de ‘Back in Black’: cómo se hace y cómo se consume la música hoy, con Rosalía por medio y sin una gota de nostalgia.
• «Loco» con Alejandro Meola: el videoclip acuático, los vientos que el público corea y los problemas legales que le trajo a Andrés Calamaro el verso del porrito.
• Por qué Miguel Ballester sostiene que Matt Cameron es el baterista perfecto para Soundgarden pero no para Pearl Jam, y la historia de «Alive» que dejó ojiplático a más de un oyente.

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Marc Aliana
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‘Piece of Mind’ se publicó el 16 de mayo de 1983 en EMI Records, producido por Martin Birch.

En esta primera parte comentamos:

• Por qué este episodio se grabó la noche anterior a publicarse, y cómo Miguel nos acabó prestando el primer disco de rock que oyó en su vida.
• La entrada de Nicko McBrain, que venía de la banda francesa Trust, y la salida de Clive Burr, el baterista de los tres discos anteriores.
• Por qué Miguel sostiene que Adrian Smith fue quien empujó el sonido de la banda hasta ‘Seventh Son of a Seventh Son’, y qué se perdió cuando se marchó.
• Will Malone, el productor del primer disco con el que la banda quedó descontenta, y la pregunta que Martin Birch les hizo después: por qué no le habían llamado a él.
• Qué separa a ‘Piece of Mind’ de ‘Killers’ y ‘The Number of the Beast’ en el estudio: tres o cuatro guitarras sonando a la vez y, aun así, un disco crudo y sin exceso de graves.
• Las cifras que da el libreto de ‘Live After Death’ sobre la gira de ‘Powerslave’: 322 días de gira, 189 conciertos, 7.778 habitaciones de hotel y 50.000 latas de cerveza.
• El chiste que hay en el título del disco, el título del que se libraron —‘Food for Thought’— y la casualidad del apellido de Nicko McBrain.

Y por el camino nos encontramos con Jimi Hendrix, Black Sabbath, Judas Priest, Rob Halford, Metallica, Rainbow, Manowar, Status Quo, Tequila, Miguel Ríos, Mike Oldfield, Van Halen, Cream, David Lee Roth, Frank Zappa, Janick Gers, Kevin Shirley, Rod Smallwood, Brian May, Tony Iommi y el ‘Back in Black’ de AC/DC, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(04:41) «The Trooper» en un bar de barrio
(09:02) El cuarto disco de Iron Maiden
(10:07) La entrada de Nicko McBrain
(12:07) Adrian Smith y el cambio de sonido
(18:45) Martin Birch y las mezclas de hoy
(19:45) British Lion, la banda de Harris
(23:47) ‘Killers’ y el debut de Martin Birch
(31:37) El libreto de ‘Live After Death’
(35:14) Compass Point, en Nassau
(39:35) La portada de Derek Riggs
(44:34) El chiste que hay en el título

Miguel Pino es un guitarrista y productor musical de Barcelona, con más de treinta años de trayectoria. Toca con El Niño de la Hipoteca y con Exceso, bandas a las que también ha producido, y con Hotel Cochambre, uno de los grupos de versiones más activos de Cataluña; también ha tocado con Beth y con Ojos de Brujo. Produce y ejerce de técnico de sonido en su propio estudio, La Catacumba, donde ha trabajado con artistas como Izal, Ferrán Exceso, Sandra Bautista, Dani Tejedor o Gnaposs: https://www.instagram.com/miguelpinomarfil/

‘Piece of Mind’ se grabó en Compass Point, en Nassau (Bahamas), y se mezcló en Electric Lady Sound Studios, en Nueva York. Martin Birch lo produjo, lo grabó y lo mezcló, con Denis Haliburton y Frank Gibson como ingenieros asistentes y Bruce Buchhalter en la mezcla; la portada es de Derek Riggs y las fotos, de Simon Fowler. En este disco, Iron Maiden eran Bruce Dickinson a la voz, Dave Murray y Adrian Smith a las guitarras, Steve Harris al bajo y Nicko McBrain a la batería.

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Marc Aliana
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En esta segunda parte comentamos:

• Por qué EMI no quería que el disco arrancara solo con un redoble de batería, y qué le contestó la banda.
• ‘The Soundhouse Tapes’, la maqueta que Iron Maiden vendían por correo con los nombres escritos a mano en el casete, y las decenas de músicos que pasaron por el grupo antes de grabarla.
• Qué hay detrás de «Where Eagles Dare»: la novela de Alistair MacLean, la película de 1968 con Richard Burton y Clint Eastwood, y las águilas del título, que son los nazis.
• «Revelations», la primera canción que Bruce Dickinson compuso él solo para Iron Maiden, y de dónde sale su primera estrofa: el himno «O God of Earth and Altar», de G. K. Chesterton.
• La cita del Apocalipsis que Iron Maiden imprimieron en el libreto con una palabra cambiada: donde el versículo habla de dolor, ellos ponen cerebro.
• Por qué a Miguel le gusta el sonido seco de este disco y también la reverb de «The Prisoner», en ‘The Number of the Beast’, que es justo lo contrario.

Y por el camino nos encontramos con Metallica, The Police, Sting, Andy Summers, Stewart Copeland, Joe Satriani, Björk, Ozzy Osbourne, Judas Priest, Rob Halford, Anthrax, Helloween, Megadeth, Pantera, W.A.S.P., Nirvana, Soundgarden, Pearl Jam, Cliff Burton, Jason Newsted, Paul Di’Anno, Tino Casal, La Trinca, Joan Albert Amargós, Mike Oldfield, Manolo García, Nino Bravo, David Bowie, Margaret Thatcher, Winston Churchill, Aleister Crowley y Fraggle Rock, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(02:05) Del vinilo al CD y al ‘streaming’
(07:16) ¿Distingues un MP3 de un WAV?
(08:44) Efemérides de 1983
(14:39) La expulsión de Dave Murray
(18:51) Otros discos de 1983
(23:19) «Where Eagles Dare»
(25:37) El redoble de Nicko McBrain
(30:09) Maiden y la Segunda Guerra Mundial
(35:05) «Revelations»
(35:38) La polémica satánica en Chile
(39:50) El avión de Maiden, en Tallin
(42:29) El Monsters of Rock del 88
(48:34) Maiden con Blaze Bayley
(59:01) La letra de «Revelations»

El test de audio de NPR del que hablo en el episodio: https://www.npr.org/sections/therecord/2015/06/02/411473508/how-well-can-you-hear-audio-quality

Y el comentario de los resultados: https://www.npr.org/sections/therecord/2015/06/09/412271433/audio-quality-quiz-results-you-did-slightly-better-than-guessing-randomly

Miguel Pino es un guitarrista y productor musical de Barcelona, con más de treinta años de trayectoria. Toca con El Niño de la Hipoteca y con Exceso, bandas a las que también ha producido, y con Hotel Cochambre, uno de los grupos de versiones más activos de Cataluña; también ha tocado con Beth y con Ojos de Brujo. Produce y ejerce de técnico de sonido en su propio estudio, La Catacumba, donde ha trabajado con artistas como Izal, Ferrán Exceso, Sandra Bautista, Dani Tejedor o Gnaposs: https://www.instagram.com/miguelpinomarfil/

Si quieres participar en la elección de los discos que tratamos en el pódcast, visita discoprestado.com y date de alta gratis en mi lista de correo.

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Marc Aliana
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En esta tercera parte comentamos:

• El mito de Ícaro puesto del revés: en la letra de Bruce Dickinson es el padre quien anima al hijo a volar hacia el sol, y el hijo entiende demasiado tarde lo que eso significa.
• Por qué en «Die With Your Boots On» casi no se oye la fórmula de Steve Harris —las guitarras armonizadas y el bajo cambiando la armonía por debajo—, y qué pasa con esa fórmula cuando la canción va firmada a tres.
• Por qué «The Trooper» salió como segundo single y no como primero, siendo el tema que acabó convertido en himno del grupo, y por qué era importante que abriera la segunda cara del vinilo.
• El poema de Alfred Tennyson y la carga real de la brigada ligera: Balaclava, 1854, en plena guerra de Crimea, y más de la mitad de los efectivos perdidos por un error al comunicar la posición del enemigo.
• Las dos caras B, las dos versiones: «Cross-Eyed Mary», de Jethro Tull, que Bruce Dickinson canta una octava por encima, y «I’ve Got the Fire», de Montrose, que en el original cantaba Sammy Hagar.
• De dónde sale el título de «Sheriff of Huddersfield», la cara B que es un chiste: el libreto de ‘Piece of Mind’ acredita al mánager como Rod «Sheriff of Huddersfield» Smallwood.
• «Mission from ’Arry», la otra cara B con broma: Nicko McBrain y Steve Harris discutiendo a gritos entre bastidores.

Y por el camino nos encontramos con Deep Purple, Metallica, AC/DC, Judas Priest, David Bowie, Dave Murray, Adrian Smith, Blaze Bayley, Norman Chilento, Tony Baena, Álvaro Ruiz, Tony Duque, Danny Mann, Hotel Cochambre, Wagner, «Run to the Hills», «Writing on the Wall», ‘Somewhere in Time’, ‘A Matter of Life and Death’ y la colección ‘The First Ten Years’, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(01:20) «Flight of Icarus»
(03:31) Los coros abiertos del estribillo
(05:41) El videoclip y la nariz de Nicko
(11:40) La voz de Bruce Dickinson, hoy
(16:04) «Die With Your Boots On»
(23:57) Los coros de taberna
(26:03) «The Trooper»
(29:02) Las dos giras sin «The Trooper»
(32:56) La carga de la brigada ligera
(36:49) La casaca del siglo XIX
(38:00) Las caras B de los singles

Miguel Pino es un guitarrista y productor musical de Barcelona, con más de treinta años de trayectoria. Toca con El Niño de la Hipoteca y con Exceso, bandas a las que también ha producido, y con Hotel Cochambre, uno de los grupos de versiones más activos de Cataluña; también ha tocado con Beth y con Ojos de Brujo. Produce y ejerce de técnico de sonido en su propio estudio, La Catacumba, donde ha trabajado con artistas como Izal, Ferrán Exceso, Sandra Bautista, Dani Tejedor o Gnaposs: https://www.instagram.com/miguelpinomarfil/

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Marc Aliana
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En esta cuarta y última parte comentamos:

• Qué dice exactamente el mensaje que Nicko McBrain grabó al revés al principio de «Still Life», y a quién imita: al cómico inglés John Bird haciendo de Idi Amin, el dictador de Uganda, en un disco de 1975.
• De qué va la letra de «Still Life», que no tiene nada que ver con ese mensaje: una piscina, unos espíritus que llaman desde el fondo y un final que no acaba bien para nadie.
• Los dinosaurios de «Quest for Fire», la película de Jean-Jacques Annaud en la que se basa y la novela de J.-H. Rosny que hay detrás de la película.
• Por qué «Sun and Steel», la canción más corta del disco, no se ha tocado nunca en directo, y por qué Miguel y yo coincidimos en que la segunda cara flojea.
• La nota con la que la oficina de Frank Herbert le negó a Iron Maiden el permiso para titular «Dune» la canción, y los nombres de la novela que aparecen igualmente en la letra: Arrakis, los Fremen…
• Por qué «To Tame a Land» es de las mejores del disco: una melodía que va cambiando de tonalidad casi al azar y que vuelve a la intro para cerrar.
• Cómo reaccionó Miguel el día que se encontró cara a cara con Bruce Dickinson, en un congreso de empresa en el que el cantante hacía de conferenciante motivacional.

Y por el camino nos encontramos con Metallica, James Hetfield, Pearl Jam, Miguel Ballester, Manowar, George Harrison, Bono, David Lynch, ‘Blade Runner’, «Invaders», «Gangland», «Total Eclipse», «The Prisoner», «Alexander the Great», «Hallowed Be Thy Name», «Rime of the Ancient Mariner», ‘Seventh Son of a Seventh Son’, ‘Dance of Death’, ‘Maiden England’ y Arecio Smith, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(01:15) «Still Life»
(03:15) El mensaje al revés, explicado
(06:48) «Quest for Fire»
(09:14) Melodías que suenan a sardana
(12:20) «Sun and Steel»
(15:42) Repertorios: Maiden y Metallica
(20:44) Ir al concierto sin saber el repertorio
(22:33) Lo que le pasó a Nicko McBrain
(25:53) Dickinson, conferenciante de empresa
(31:45) «To Tame a Land» y el veto de Herbert
(38:11) Los temas largos y ‘Senjutsu’
(43:41) «Versos desterrados», de Exceso

Miguel Pino es un guitarrista y productor musical de Barcelona, con más de treinta años de trayectoria. Toca con El Niño de la Hipoteca y con Exceso, bandas a las que también ha producido, y con Hotel Cochambre, uno de los grupos de versiones más activos de Cataluña; también ha tocado con Beth y con Ojos de Brujo. Produce y ejerce de técnico de sonido en su propio estudio, La Catacumba, donde ha trabajado con artistas como Izal, Ferrán Exceso, Sandra Bautista, Dani Tejedor o Gnaposs: https://www.instagram.com/miguelpinomarfil/

Si quieres participar en la elección de los discos que tratamos en el pódcast, visita discoprestado.com y date de alta gratis en mi lista de correo.

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Marc Aliana
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Advertencia: en esta serie de episodios comentamos letras que hablan de consumo de sustancias.

‘Coming Up’ se publicó en 1996 en Nude Records, producido por Ed Buller.

En esta primera parte comentamos:

• Por qué ‘Coming Up’ rompió con ‘Suede’ y ‘Dog Man Star’, y cómo se vivió ese giro al pop desde una comunidad de fans que casi se lo tomó como una traición.
• Las tensiones entre Brett Anderson y Bernard Butler, quién era el cerebro de los dos primeros discos y cómo acabaron reconciliándose en The Tears.
• La nota chulesca —«take it or leave it»— con la que Richard Oakes, fan de diecisiete años, mandó su maqueta: en la banda llegaron a pensar que estaban escuchando al propio Butler.
• Cómo Neil Codling, primo del baterista Simon Gilbert, entró casi de rebote y acabó siendo una pieza clave del sonido del disco.
• Cinco ‘singles’ en el top 10 y un millón y medio de copias, y aun así Suede nunca cuajaron en Estados Unidos.
• Cómo se seguía a una banda británica desde Barcelona en los noventa: revistas de importación en Las Ramblas, clubes de fans y el Habbo Hotel.

Y por el camino nos encontramos con Blur, Oasis, David Bowie, Justine Frischmann y Elastica, Johnny Marr, Kurt Cobain, Guns N’ Roses, el ‘Disco Grande’ de Julio Ruiz en Radio 3 y el sello Houston Party, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(02:44) Quién es Alicia Rodríguez
(06:02) Cómo descubrió a Suede
(07:32) El ‘NME’ y la ‘Melody Maker’
(11:04) Del ‘glam’ al pop: el shock inicial
(16:20) Anderson, Butler y The Tears
(18:14) Ra Diaz y Suicidal Tendencies
(19:38) La maqueta y el «take it or leave it»
(21:04) Ensayar mientras los demás salían
(26:46) Neil Codling entra por casualidad
(29:07) Cinco ‘singles’ en el top 10
(31:54) Por qué no cuajaron en Estados Unidos

Alicia Rodríguez es periodista musical de Santa Coloma de Gramenet (Barcelona) y dirige la agencia de comunicación Alicia Música. Ha escrito en ‘Ruta 66’, ‘Rockdelux’, ‘Mondo Sonoro’, ‘Neo2’, ‘Go Mag’ y ‘Popular 1’, y en ‘El Periódico de Catalunya’; ha hecho promoción discográfica en Houston Party Records y Naïve Records, y producción y comunicación para el Primavera Sound, el Sónar y la exposición ‘David Bowie Is’. En televisión fue asistente de producción de ‘La Hora Musa’ y coordinadora artística de la gala de Nochevieja de ‘Cachitos’, en La 2, y presentó ‘Sesiones Movistar+’. Es autora del poemario ‘Fénix’: https://aliciamusica.net/biografia/

‘Coming Up’ se grabó entre diciembre de 1995 y junio de 1996 en cuatro estudios de Londres: The Townhouse, Mayfair, Westside y Master Rock. Ed Buller lo produjo y lo grabó junto al ingeniero Gary Stout, Dave Bascombe lo mezcló con él —excepto «Saturday Night», que mezcló Buller solo— y Craig Armstrong firmó los arreglos de cuerda. En este disco, Suede eran Brett Anderson a la voz, Richard Oakes a la guitarra, Neil Codling a los teclados, Mat Osman al bajo y Simon Gilbert a la batería.

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En esta segunda parte comentamos:

• Si Oasis eran los malotes de barrio y Blur los universitarios artísticos y divertidos, ¿quiénes eran Suede? La respuesta de Alicia pasa por Oscar Wilde y por el extrarradio.
• La portada del disco, obra de Peter Saville —el de Joy Division, New Order y Roxy Music— con Brett Anderson: un colchón en el suelo y unos colores muy pop justo después de la portada oscura de ‘Dog Man Star’.
• La demanda de Suzanne deBronkart, una cantante estadounidense que ya actuaba como Suede, por la que la banda tuvo que publicar en Estados Unidos como The London Suede.
• Por qué «Trash» acabó siendo un himno de los que no encajan, qué título provisional llevaba —«Pisspot», o sea, orinal— y por qué su videoclip impactó tanto en 1996.
• Qué es ese solo que parece una armónica, y por qué el propio Brett Anderson acabó criticando la producción de la canción.
• El mundo en 1996: el lanzamiento de Hotmail, el nacimiento de la oveja Dolly y el ordenador Deep Blue ganándole por primera vez una partida a un campeón del mundo de ajedrez.
• Ventajas y riesgos de la inteligencia artificial como herramienta creativa, contados por quien ya ha visto videoclips hechos así.

Y por el camino nos encontramos con Los Ramones y el CBGB, Neneh Cherry, Metallica, Sepultura, Soundgarden, Rage Against the Machine, Nirvana, Lana del Rey, las Spice Girls, Jarabe de Palo, Extremoduro, Def Con Dos, Ska-P, ‘Trainspotting’, el ‘Tesis’ de Amenábar, Lina Morgan, Leticia Sabater, Greil Marcus y su ‘Rastros de carmín’, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(01:27) La portada y Peter Saville
(03:10) De dónde sale el título ‘Coming Up’
(04:41) La demanda: The London Suede
(07:00) Efemérides de 1996
(08:00) La IA como herramienta creativa
(12:23) Películas y series del 96
(15:26) Otros discos de 1996
(19:40) El concurso para ver a Ska-P
(20:49) ¿Quiénes eran Suede?
(22:06) «Trash»
(26:23) El videoclip de «Trash»
(29:39) «Pisspot», el título provisional
(31:09) El solo que parece una armónica

Alicia Rodríguez es periodista musical de Santa Coloma de Gramenet (Barcelona) y dirige la agencia de comunicación Alicia Música. Ha escrito en ‘Ruta 66’, ‘Rockdelux’, ‘Mondo Sonoro’, ‘Neo2’, ‘Go Mag’ y ‘Popular 1’, y en ‘El Periódico de Catalunya’; ha hecho promoción discográfica en Houston Party Records y Naïve Records, y producción y comunicación para el Primavera Sound, el Sónar y la exposición ‘David Bowie Is’. En televisión fue asistente de producción de ‘La Hora Musa’ y coordinadora artística de la gala de Nochevieja de ‘Cachitos’, en La 2, y presentó ‘Sesiones Movistar+’. Es autora del poemario ‘Fénix’: https://aliciamusica.net/biografia/

Si quieres participar en la elección de los discos que tratamos en el pódcast, visita discoprestado.com y date de alta gratis en mi lista de correo.

La música que suena en la cabecera de ‘Disco prestado’ forma parte de mi EP ‘The Entertainer’. Lo tienes en todas las plataformas y en marcaliana.com/musica, junto con mi disco ‘El último jardín’.

Contacto: discoprestado@marcaliana.com

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Marc Aliana
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Advertencia: en esta serie de episodios comentamos letras que hablan de consumo de sustancias.

En esta tercera parte comentamos:

• Cómo Suede empezaron a componer este disco a la manera de Marc Bolan —guitarra acústica, bongos y poco más—, y el ritmo con el que Brett Anderson se despertó un día, se lo tocó a Richard Oakes en las piernas y acabó siendo «Filmstar».
• La sátira de «Filmstar» sobre las estrellas del ‘britpop’ de la época, y por qué los Gallagher se metían especialmente con ellos.
• La portada de revista con Brett Anderson envuelto en una bandera británica, y la cara que se le quedó: Suede nunca estuvieron cómodos con la etiqueta.
• Por qué Ed Buller quería acelerar todas las canciones, convencido de que así subirían en las listas, y las batallas que eso provocó.
• La letra de «Lazy», que va de las raves a las zonas de vivienda social, y por qué el bajo de Mat Osman se oye aquí más que en el resto del disco.
• Las guitarras de «Lazy» que recuerdan al riff de «China Girl», y la ambigüedad sexual heredada de David Bowie en un ‘britpop’ casi sin bandas de mujeres.
• «By the Sea», que Brett Anderson compuso al piano: por qué hay quien la lee como una despedida de Justine Frischmann y por qué creo que habla de un suicidio.

Y por el camino nos encontramos con Elastica, Echobelly, Blur, Damon Albarn, Bernard Butler, T. Rex, el ‘Aladdin Sane’ y el recopilatorio de caras B ‘Sci-Fi Lullabies’, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(00:59) «Filmstar»
(02:12) La sátira y los Gallagher
(03:09) Componer como Marc Bolan
(04:08) El ritmo en las piernas
(06:06) La bandera británica y el ‘britpop’
(07:00) Por qué salieron cinco ‘singles’
(08:15) Ed Buller quería acelerarlo todo
(09:08) «Lazy»
(12:45) El bajo de Mat Osman
(13:16) Las guitarras y «China Girl»
(15:34) El puente psicodélico y los coros
(17:38) «By the Sea»
(20:04) ¿Habla de suicidio?

Alicia Rodríguez es periodista musical de Santa Coloma de Gramenet (Barcelona) y dirige la agencia de comunicación Alicia Música. Ha escrito en ‘Ruta 66’, ‘Rockdelux’, ‘Mondo Sonoro’, ‘Neo2’, ‘Go Mag’ y ‘Popular 1’, y en ‘El Periódico de Catalunya’; ha hecho promoción discográfica en Houston Party Records y Naïve Records, y producción y comunicación para el Primavera Sound, el Sónar y la exposición ‘David Bowie Is’. En televisión fue asistente de producción de ‘La Hora Musa’ y coordinadora artística de la gala de Nochevieja de ‘Cachitos’, en La 2, y presentó ‘Sesiones Movistar+’. Es autora del poemario ‘Fénix’: https://aliciamusica.net/biografia/

Si quieres participar en la elección de los discos que tratamos en el pódcast, visita discoprestado.com y date de alta gratis en mi lista de correo.

La música que suena en la cabecera de ‘Disco prestado’ forma parte de mi EP ‘The Entertainer’. Lo tienes en todas las plataformas y en marcaliana.com/musica, junto con mi disco ‘El último jardín’.

Contacto: discoprestado@marcaliana.com

¡Salud y buena música!

Marc Aliana
marcaliana.com

Advertencia: en esta serie de episodios comentamos letras que hablan de consumo de sustancias.

En esta cuarta y última parte comentamos:

• Las cuerdas de «She» y de «The Chemistry Between Us», que arregló Craig Armstrong y son lo que Alicia echaba de menos del ‘Dog Man Star’: un final entre el James Bond y el melodrama.
• La aliteración de «She» —bad, bored, bony— y esa chica que «se inyecta marihuana», que en el libreto va escrita con jota.
• El entorno en el que se crió Brett Anderson: clase trabajadora a las afueras de Londres, con un padre que escuchaba a Liszt y a Wagner y una madre que pintaba.
• «Beautiful Ones» como oda a la juventud y al fin de semana, y la frase de Brett Anderson sobre las dos salidas que veía de chaval: montar una banda o hacerse gángster.
• Por qué «Starcrazy» les parece la más floja del disco, y por qué el teclista Neil Codling firma esta canción y «The Chemistry Between Us» junto a Anderson.
• «Picnic by the Motorway», la canción más David Bowie del disco —con «Space Oddity» de fondo— y esa autopista que suena de verdad al principio.
• «Saturday Night» y su videoclip en el metro de Londres de madrugada, el único de los cinco en el que la banda no aparece tocando.

Y por el camino nos encontramos con Pulp, Blur, T. Rex, Scott Walker, The Moody Blues, The Libertines, los Beatles y su ‘White Album’, Wagner y ‘El ocaso de los dioses’, Depeche Mode, Lana del Rey, el ‘Felinas’ de Nat Simons, los discos ‘A New Morning’ y ‘Bloodsports’, la sala Apolo y los festivales Low, Vida y Primavera Sound, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(01:20) «She»
(03:15) La chica que se inyecta marihuana
(03:51) La aliteración: bad, bored, bony
(06:08) La familia de Brett Anderson
(08:37) «Beautiful Ones»
(10:42) La referencia al éxtasis
(11:52) «Una banda o hacerte gángster»
(14:19) Vinilo, CD y casete
(17:25) «Starcrazy»
(20:10) «Picnic by the Motorway»
(24:52) «The Chemistry Between Us»
(31:48) «Saturday Night»
(39:55) Qué escuchar además de Suede

Alicia Rodríguez es periodista musical de Santa Coloma de Gramenet (Barcelona) y dirige la agencia de comunicación Alicia Música. Ha escrito en ‘Ruta 66’, ‘Rockdelux’, ‘Mondo Sonoro’, ‘Neo2’, ‘Go Mag’ y ‘Popular 1’, y en ‘El Periódico de Catalunya’; ha hecho promoción discográfica en Houston Party Records y Naïve Records, y producción y comunicación para el Primavera Sound, el Sónar y la exposición ‘David Bowie Is’. En televisión fue asistente de producción de ‘La Hora Musa’ y coordinadora artística de la gala de Nochevieja de ‘Cachitos’, en La 2, y presentó ‘Sesiones Movistar+’. Es autora del poemario ‘Fénix’: https://aliciamusica.net/biografia/

Si quieres participar en la elección de los discos que tratamos en el pódcast, visita discoprestado.com y date de alta gratis en mi lista de correo.

La música que suena en la cabecera de ‘Disco prestado’ forma parte de mi EP ‘The Entertainer’. Lo tienes en todas las plataformas y en marcaliana.com/musica, junto con mi disco ‘El último jardín’.

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¡Salud y buena música!

Marc Aliana
marcaliana.com

‘Horses’ se publicó en noviembre de 1975 en Arista Records, producido por John Cale.

En esta primera parte comentamos:

• La hora larga que Toni pasó entrevistando a Patti Smith en Sant Feliu de Guíxols en 2010, para el 25.º aniversario de ‘Ruta 66’, y la dedicatoria que ella le escribió al despedirse.
• Por qué ‘Horses’ aparece siempre en las listas de los 500 mejores discos de la historia, pero nunca entre los diez primeros, y por qué ahí arriba no hay discos firmados por mujeres.
• ‘Just Kids’ («Éramos unos niños»), el libro que Robert Mapplethorpe le pidió a Patti Smith en su lecho de muerte y que ganó el National Book Award.
• Los tres conciertos de cumpleaños que Patti Smith hacía cada fin de año en el Bowery Ballroom de Nueva York, con Joan Osborne subiendo a cantar y Lenny Kaye bajando a saludar.
• Cuándo hay que despedirse de un artista en directo: por qué Toni no repite con Bruce Springsteen ni fue a ver a The Who, y por qué con Robert Plant irá siempre.
• Cómo la pandemia le devolvió el placer de escuchar un disco entero sin mirar el móvil, Discman incluido, y por qué les pide a los sellos discos y no enlaces.

Y por el camino nos encontramos con Amy Winehouse, Billie Holiday, el fotógrafo Herman Leonard, Led Zeppelin, Bob Dylan, Gary Clark Jr., Roberto Bolaño, John Fogerty y el Primavera Sound, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(03:11) Comprar discos antes de internet
(05:27) La entrevista de 2010 a Patti Smith
(11:02) La dedicatoria y el libro de fotos
(12:59) Por qué nunca está en el top 10
(13:52) La portada de Robert Mapplethorpe
(15:11) ‘Just Kids’ y el National Book Award
(18:36) Su cumpleaños en el Bowery Ballroom
(22:24) Cuándo despedirse de un artista
(27:57) La pandemia y volver a los discos

Toni Castarnado es un periodista musical, escritor y editor de Santa Coloma de Gramenet, con más de veinte años escribiendo sobre música, sobre todo rock clásico. Se le puede leer en ‘El Nacional’, ‘Mondo Sonoro’ y ‘Ruta 66’, y escuchar en ‘Sofá Sonoro’, el programa de Alfonso Cardenal en la Cadena SER, elegido mejor pódcast de música y mejor pódcast del año en los Premios iVoox de 2023. Ha publicado varios libros sobre el papel de la mujer en la música, entre ellos ‘Ellas cantan, ellas hablan’ y ‘Las Chicas del Q’; también ideó el tomo ‘In-Edit Made in Barcelona’, firmó los textos de la reedición del 20.º aniversario de ‘Omega’, coordina ciclos e imparte charlas en bibliotecas de Barcelona y ejerce de editor en Sílex: https://www.elnacional.cat/es/firmas/toni-castarnado

‘Horses’ se grabó y se mezcló en Electric Lady Studios, en Nueva York, en septiembre de 1975, con John Cale a la producción, Bernie Kirsh como ingeniero y Frank d’Augusta de ayudante. En este disco, Patti Smith cantaba acompañada de Lenny Kaye a la guitarra, Ivan Král a la guitarra y el bajo, Richard Sohl al piano y Jay Dee Daugherty a la batería; Tom Verlaine, de Television, toca la guitarra en «Break It Up», y Allen Lanier, de Blue Öyster Cult, en «Elegie».

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¡Salud y buena música!

Marc Aliana
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En esta segunda parte comentamos:

• Cómo acabó produciendo el disco John Cale, exbajista de la Velvet Underground, y por qué en aquella Nueva York todo el mundo se cruzaba con todo el mundo: el CBGB, la Factory de Warhol, el Chelsea Hotel y la bohemia del Greenwich Village.
• Por qué una ciudad peligrosa, incendiada y baratísima era el sitio perfecto para quien no encajaba en el sur de Nueva Jersey, y por qué Patti Smith recuerda esos años como una liberación absoluta.
• Que llegó a la ciudad con un libro de Rimbaud y un maletín con dos mudas, y que empezó ganándose la vida en librerías y en tiendas de discos.
• La residencia en el CBGB junto a Television, y cómo pasó de la poesía a la música de la mano de Lenny Kaye.
• Por qué ‘Horses’ se puede escuchar como un disco de poesía tanto como de música: dónde canta, dónde recita, dónde grita y dónde no sabes qué está haciendo.
• El pero que le pongo al orden del disco: los más de nueve minutos de «Birdland» en tercera posición, con los mismos acordes de principio a fin.
• Qué se pierde cuando un sello manda un enlace en vez del disco, y qué sale cuando hay que reseñar un álbum con dos escuchas.

Y por el camino nos encontramos con Lou Reed y su ‘Transformer’, Tom Verlaine y el ‘Marquee Moon’ de Television, MC5, Martin Scorsese, Taylor Swift, ‘Tejiendo sueños’, el ‘Lady in Satin’ de Billie Holiday, el ‘Appetite for Destruction’ de Guns N’ Roses, el ‘Physical Graffiti’ de Led Zeppelin, Brittany Howard y Alabama Shakes, la película ‘American Fiction’, la trompetista Alba Careta y el poeta Enric Casasses, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(01:12) Cómo llegó John Cale al disco
(01:47) La Nueva York conectada de los 70
(02:56) Llegar a la ciudad con un Rimbaud
(03:31) Una ciudad barata y peligrosa
(06:50) De la poesía a la música
(07:30) Sus inicios en librerías y tiendas
(09:50) ‘Dream of Life’, de Steven Sebring
(12:16) La residencia en el CBGB
(12:52) ¿Es ‘Horses’ un disco de poesía?
(15:03) Por qué ha envejecido tan bien
(16:07) El pero: «Birdland», la tercera
(18:01) Ponerle un pero a todo
(22:08) Reseñar un disco con dos escuchas

Toni Castarnado es un periodista musical, escritor y editor de Santa Coloma de Gramenet, con más de veinte años escribiendo sobre música, sobre todo rock clásico. Se le puede leer en ‘El Nacional’, ‘Mondo Sonoro’ y ‘Ruta 66’, y escuchar en ‘Sofá Sonoro’, el programa de Alfonso Cardenal en la Cadena SER, elegido mejor pódcast de música y mejor pódcast del año en los Premios iVoox de 2023. Ha publicado varios libros sobre el papel de la mujer en la música, entre ellos ‘Ellas cantan, ellas hablan’ y ‘Las Chicas del Q’; también ideó el tomo ‘In-Edit Made in Barcelona’, firmó los textos de la reedición del 20.º aniversario de ‘Omega’, coordina ciclos e imparte charlas en bibliotecas de Barcelona y ejerce de editor en Sílex: https://www.elnacional.cat/es/firmas/toni-castarnado

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Marc Aliana
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En esta tercera parte comentamos:

• «Gloria: In Excelsis Deo», la canción que abre el disco: cómo Patti Smith empalma un poema suyo anterior, «Oath», con el estribillo de la versión que Them, la banda de Van Morrison, hizo célebre, y por qué su primer verso seguía siendo escandaloso décadas después.
• La simbología religiosa en su obra: unos padres muy católicos, las cruces y los cristos de su fotografía, y por qué Toni sostiene que un concierto suyo se parece bastante a una misa.
• Por qué se apartó de la música al morir su marido, Fred «Sonic» Smith, cantante de MC5, y cómo lo resume ella: pasó de cambiar cuerdas de guitarra a calentar biberones.
• La llamada de Michael Stipe, de R.E.M., un día de San Valentín, y todo lo que vino después: la ayuda para volver a instalarse en Nueva York y las fotos que hizo desde la furgoneta de la gira, sin subirse al escenario.
• Los cuatro discos de la vuelta —‘Gone Again’, ‘Peace and Noise’, ‘Gung Ho’ y ‘Trampin’’—, con Jeff Buckley colaborando en el primero y lo que Patti Smith le decía a él y pensaba de la muerte de Kurt Cobain.
• El concierto que dio en 1976 en el Palau d’Esports de Badalona, con Franco muerto el año anterior y el país en plena Transición, y del que el promotor Gay Mercader sigue hablando.
• Que ‘Horses’ solo tuvo un single, «Gloria», publicado al año siguiente del disco y con una versión en directo de «My Generation» en la cara B, producida por Allen Lanier y hoy incluida como pista extra en casi todas las reediciones.

Y por el camino nos encontramos con Tori Amos, Bob Dylan, Tim Buckley y el Sin-é de Nueva York, The Who, los Beach Boys y su ‘Pet Sounds’, Neil Young, Nirvana, el Palau de la Música, el Primavera Sound, Sub Pop, Mute, Impulse, Verve, Blue Note, Stax, la Motown y la Biblia, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(01:11) «Gloria: In Excelsis Deo»
(04:19) La simbología religiosa
(07:26) De girar el mundo a los biberones
(08:42) Michael Stipe y Fred «Sonic» Smith
(09:27) Los cuatro discos de la vuelta
(10:03) Jeff Buckley y Kurt Cobain
(12:42) «Gloria» en directo, la ceremonia
(14:38) Mezclar una versión con lo suyo
(18:12) Badalona, 1976, en plena Transición
(22:22) El único single del disco

Toni Castarnado es un periodista musical, escritor y editor de Santa Coloma de Gramenet, con más de veinte años escribiendo sobre música, sobre todo rock clásico. Se le puede leer en ‘El Nacional’, ‘Mondo Sonoro’ y ‘Ruta 66’, y escuchar en ‘Sofá Sonoro’, el programa de Alfonso Cardenal en la Cadena SER, elegido mejor pódcast de música y mejor pódcast del año en los Premios iVoox de 2023. Ha publicado varios libros sobre el papel de la mujer en la música, entre ellos ‘Ellas cantan, ellas hablan’ y ‘Las Chicas del Q’; también ideó el tomo ‘In-Edit Made in Barcelona’, firmó los textos de la reedición del 20.º aniversario de ‘Omega’, coordina ciclos e imparte charlas en bibliotecas de Barcelona y ejerce de editor en Sílex: https://www.elnacional.cat/es/firmas/toni-castarnado

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Marc Aliana
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En esta cuarta y última parte comentamos:

• «Redondo Beach»: por qué una canción con aire de reggae y buen rollo es en realidad un blues que cuenta una desaparición, qué pasó la noche que Patti Smith discutió con su hermana Linda en el Chelsea Hotel, y qué dijo ella en un concierto sobre esa playa del sur de la bahía de Los Ángeles.
• «Birdland», los nueve minutos recitados que salen de los textos de Peter Reich, hijo del psicoanalista Wilhelm Reich, y el niño que le pide a su padre muerto que se lo lleve en su nave.
• El blog que Patti Smith tuvo hace años, ‘Coffee Break’, y por qué encaja tan bien con la observadora que se ve en las letras del disco.
• «Free Money», la canción que dedicó a su madre, que soñaba con ganar la lotería pero no compraba boletos nunca, y la definición que le dedicó Toni en su primer libro, ‘Mujer y música’.
• Lenny Kaye, mano derecha de Patti Smith desde el principio y el hombre que compiló ‘Nuggets’, la enciclopedia del garaje y la psicodelia de los sesenta; hoy en la banda también toca Jackson Smith, hijo de Patti.
• «Kimberly» y «Break It Up», las dos canciones con firmas de fuera: Allen Lanier e Ivan Král en una, Tom Verlaine —que además toca la guitarra— en la otra, con la sombra de Jim Morrison y del Club de los 27 encima.
• Por qué John Cale quería meter cuerdas y Patti Smith dijo que ni hablar, y cómo cierra el disco «Elegie», con una frase de «1983… (A Merman I Should Turn to Be)», de Jimi Hendrix, en cuyo estudio se grabó todo.

Y por el camino nos encontramos con Janis Joplin, Brian Jones, Wilson Pickett y Chris Kenner, Amy Winehouse y la canción que Patti Smith le dedicó en ‘Banga’, los Ramones, los Sex Pistols, Queen, Metallica, John Coltrane, Damien Rice, Robert Mapplethorpe, el Rock and Roll Hall of Fame, Sigourney Weaver y el Fairy, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(01:20) «Redondo Beach»
(10:08) La portada de Mapplethorpe
(11:17) «Birdland» y Peter Reich
(14:32) El blog ‘Coffee Break’
(18:15) «Free Money»
(23:12) Lenny Kaye y los ‘Nuggets’
(26:59) «Kimberly»
(30:36) John Cale quería cuerdas
(34:05) «Break It Up» y Jim Morrison
(38:12) «Land», en tres partes
(42:22) «Elegie» y la frase de Hendrix

Toni Castarnado es un periodista musical, escritor y editor de Santa Coloma de Gramenet, con más de veinte años escribiendo sobre música, sobre todo rock clásico. Se le puede leer en ‘El Nacional’, ‘Mondo Sonoro’ y ‘Ruta 66’, y escuchar en ‘Sofá Sonoro’, el programa de Alfonso Cardenal en la Cadena SER, elegido mejor pódcast de música y mejor pódcast del año en los Premios iVoox de 2023. Ha publicado varios libros sobre el papel de la mujer en la música, entre ellos ‘Ellas cantan, ellas hablan’ y ‘Las Chicas del Q’; también ideó el tomo ‘In-Edit Made in Barcelona’, firmó los textos de la reedición del 20.º aniversario de ‘Omega’, coordina ciclos e imparte charlas en bibliotecas de Barcelona y ejerce de editor en Sílex: https://www.elnacional.cat/es/firmas/toni-castarnado

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Marc Aliana
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Advertencia: en esta serie de episodios hablamos del suicidio de Chris Cornell.

‘Euphoria Morning’ se publicó el 21 de septiembre de 1999 en A&M Records. Lo compusieron, lo produjeron y lo grabaron Chris Cornell, Alain Johannes y Natasha Shneider, sin técnico de sonido, en 11 AD Studios, el estudio que la pareja tenía en su casa de Los Ángeles, y lo masterizó Dave Collins en A&M Mastering Studios.

En esta primera parte comentamos:

• Por qué el disco se llamó ‘Euphoria Morning’ y no ‘Euphoria Mourning’: la u que el mánager le convenció de quitar, y cómo Cornell recuperó el título que quería en la reedición de 2015.
• Quién es Alain Johannes y por qué es un músico de culto entre sus compañeros: What Is This?, la banda que tuvo con Hillel Slovak y Jack Irons antes de los Red Hot Chili Peppers, y las clases de bajo que le dio a Flea, que hasta entonces solo tocaba la trompeta.
• Qué es la música diatónica, explicado para quien no sepa música, y por qué Chris Cornell casi nunca compone dentro de ella: de ahí sale la sorpresa constante del disco.
• El día que Gnaposs se compró el disco en la Virgin Megastore de Sunset Boulevard, recién llegado a Los Ángeles para estudiar en el Musicians Institute.
• Cómo entró el ‘grunge’ en su vida por el ‘Headbangers Ball’ de la MTV, y el concierto de Nirvana en Madrid al que acabó yendo porque se suspendió el de Guns N’ Roses en el Vicente Calderón.
• Los otros tres discos en solitario que Chris Cornell publicó en vida —‘Carry On’, ‘Scream’ y ‘Higher Truth’— y cómo le fue cambiando la voz.

Y por el camino nos encontramos con Audioslave, Temple of the Dog, Mother Love Bone, Andrew Wood, Jeff Buckley, Pearl Jam, Alice in Chains, Faith No More, PJ Harvey, Rick Beato, Carlos Tarque y una antena parabólica, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(01:54) Por qué Gnaposs presta este disco
(03:12) El día que salió, en Los Ángeles
(11:55) Grabado en un estudio casero
(14:37) Quién compuso qué, según el libreto
(24:33) Cómo entró el ‘grunge’ en su vida
(29:02) Guns N’ Roses, Nirvana y Madrid
(31:57) La evolución de Soundgarden
(34:24) Qué es la música diatónica
(42:18) Quién es Alain Johannes
(46:06) ‘Euphoria Mourning’, el título
(47:20) La muerte de Chris Cornell
(53:12) El eco de Radiohead y Jeff Buckley
(55:46) Los otros discos en solitario

Gnaposs, cuyo nombre real es David Muñoz, es uno de los músicos más solicitados de Barcelona y director académico de Escuela de Guitarristas. Se graduó con honores en el Musicians Institute de Los Ángeles, donde recibió el premio «Best Stylist» de manos de Scott Henderson, que después colaboró en su primer disco en solitario, producido por T. J. Helmerich. Fue guitarrista de Els Pets entre 2004 y 2014, y el último guitarrista de Jarabe de Palo, con quienes giró por Europa, Estados Unidos y Latinoamérica. También tiene una banda de ‘hard rock’, Rocking Horse, y ha publicado seis álbumes con su proyecto propio: https://escueladeguitarristas.com/profesores/gnaposs

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Marc Aliana
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Advertencia: en esta serie de episodios hablamos del suicidio de Chris Cornell.

En esta segunda parte comentamos:

• De dónde sale el título «Flutter Girl»: una maqueta falsa de atrezo para la película ‘Singles’, con la portada diseñada por Jeff Ament, el bajista de Pearl Jam, y cinco títulos inventados. Chris Cornell se llevó una a casa y compuso canciones para esos títulos; otro de ellos era «Spoonman».
• «Can’t Change Me» le valió una nominación al Grammy a la mejor interpretación vocal masculina de rock, que perdió contra Lenny Kravitz y su versión de «American Woman».
• Quién dirigió el videoclip de «Can’t Change Me»: Johan Renck, el mismo de la miniserie ‘Chernobyl’ y de los videoclips de «Blackstar» y «Lazarus» de David Bowie, con la actriz portuguesa Ana Cristina de Oliveira prendiendo fuego a todo lo que toca.
• Quién toca la batería en el disco: Josh Freese en ocho de las doce canciones, con Greg Upchurch, Victor Indrizzo, Matt Cameron y Bill Rieflin repartiéndose el resto.
• Cuántas de las voces que parecen de Chris Cornell no son suyas: Natasha Shneider y Alain Johannes cantan mucho más de lo que parece.
• La teoría de Sting sobre la parte C —el puente— como la terapia de una canción, y por qué las C de este disco son de las mejores que ha hecho Chris Cornell.
• La intro de «Flutter Girl», que parece programada y son panderetas de verdad, y el ‘drum treatment’ que el libreto acredita a Alain Johannes.

Y por el camino nos encontramos con Cameron Crowe y ‘Almost Famous’, Matt Dillon, Stone Gossard, Alice in Chains, A Perfect Circle, los Vandals, Nine Inch Nails, Steven Tyler, Bryan Adams, Blondie, Britney Spears, Ricky Martin, Jamiroquai, Bruce Springsteen, Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, Pau Donés, Lars Ulrich, Jordi Mena, Miguel Ballester y Miguel Pino, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(01:49) Josh Freese y los bateristas
(07:45) El Grammy que ganó Lenny Kravitz
(09:45) Los 40 Principales y los semáforos
(11:21) Napster, Emule y los CD grabados
(17:57) La portada y la contraportada
(19:32) «Can’t Change Me»
(21:51) Qué dice de verdad la letra
(23:56) La teoría de Sting sobre la C
(25:36) El videoclip y Johan Renck
(28:36) La versión en francés
(32:10) «Flutter Girl»
(34:40) La maqueta falsa de ‘Singles’
(43:08) ¿Grabado en cinta o en digital?
(44:54) El solo con ‘fuzz’

Gnaposs, cuyo nombre real es David Muñoz, es uno de los músicos más solicitados de Barcelona y director académico de Escuela de Guitarristas. Se graduó con honores en el Musicians Institute de Los Ángeles, donde recibió el premio «Best Stylist» de manos de Scott Henderson, que después colaboró en su primer disco en solitario, producido por T. J. Helmerich. Fue guitarrista de Els Pets entre 2004 y 2014, y el último guitarrista de Jarabe de Palo, con quienes giró por Europa, Estados Unidos y Latinoamérica. También tiene una banda de ‘hard rock’, Rocking Horse, y ha publicado seis álbumes con su proyecto propio: https://escueladeguitarristas.com/profesores/gnaposs

Si quieres participar en la elección de los discos que tratamos en el pódcast, visita discoprestado.com y date de alta gratis en mi lista de correo.

La música que suena en la cabecera de ‘Disco prestado’ forma parte de mi EP ‘The Entertainer’. Lo tienes en todas las plataformas y en marcaliana.com/musica, junto con mi disco ‘El último jardín’.

Contacto: discoprestado@marcaliana.com

¡Salud y buena música!

Marc Aliana
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Advertencia: en esta serie de episodios hablamos del suicidio de Chris Cornell.

En esta tercera parte comentamos:

• De dónde viene de verdad la conexión de Cameron Crowe con Seattle, que nos apunta un oyente después del episodio anterior: estuvo casado con Nancy Wilson, guitarrista de Heart, y las hermanas Wilson eran amigas de aquellas bandas y apoyaban la escena.
• «Preaching the End of the World», la carta a un amigo que todavía no existe, y su videoclip: Chris Cornell delante de un croma mientras detrás pasan ciudades y explosiones nucleares.
• Por qué «When I’m Down» está conducida por el piano de Natasha Shneider y no por la guitarra acústica para la que se compuso, y el truco que esconde su letra: solo te quiero cuando estoy de bajón… pero es que estoy de bajón siempre.
• Quién acompañaba a Chris Cornell en la gira de 1999 y 2000: prácticamente Eleven al completo, con Greg Upchurch a la batería —que había sustituido a Jack Irons en el grupo— y Ric Markmann al bajo. El último concierto, en Las Vegas, está grabado y se puede ver.
• El riff de «Mission» y por qué es mucho más difícil de lo que parece: hay que sostener un ‘bending’ con una mano y pulsar otra nota a la vez, y la nota que sale es la que nadie espera.
• Los saltos de tono de «Follow My Way», que van subiendo el mismo estribillo cada vez más arriba, y el contraste con unas estrofas mucho más juguetonas.
• «Mission 2000», la versión de «Mission» con un riff añadido que salió en la banda sonora de ‘Misión: Imposible II’, y qué le parece a Gnaposs.

Y por el camino nos encontramos con Elefantes, Recuerdos de Rita, Sol Lagarto, The Cult, Ian Astbury, John Lennon y Paul McCartney, Rage Against the Machine, Metallica, Slash, Robert Plant, Bruce Dickinson, Brian Johnson y Tom Cruise, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(01:57) «Preaching the End of the World»
(05:08) El videoclip del croma
(12:26) «Follow My Way»
(18:30) «When I’m Down»
(19:19) El piano de Natasha Shneider
(26:37) La banda de la gira era Eleven
(27:39) El bolo del Wiltern Theatre
(32:09) «Mission»
(32:40) El riff y el ‘bending’ imposible
(38:27) ¿Habla «Mission» de la heroína?
(43:26) «Mission 2000» y Audioslave

Gnaposs, cuyo nombre real es David Muñoz, es uno de los músicos más solicitados de Barcelona y director académico de Escuela de Guitarristas. Se graduó con honores en el Musicians Institute de Los Ángeles, donde recibió el premio «Best Stylist» de manos de Scott Henderson, que después colaboró en su primer disco en solitario, producido por T. J. Helmerich. Fue guitarrista de Els Pets entre 2004 y 2014, y el último guitarrista de Jarabe de Palo, con quienes giró por Europa, Estados Unidos y Latinoamérica. También tiene una banda de ‘hard rock’, Rocking Horse, y ha publicado seis álbumes con su proyecto propio: https://escueladeguitarristas.com/profesores/gnaposs

Si quieres participar en la elección de los discos que tratamos en el pódcast, visita discoprestado.com y date de alta gratis en mi lista de correo.

La música que suena en la cabecera de ‘Disco prestado’ forma parte de mi EP ‘The Entertainer’. Lo tienes en todas las plataformas y en marcaliana.com/musica, junto con mi disco ‘El último jardín’.

Contacto: discoprestado@marcaliana.com

¡Salud y buena música!

Marc Aliana
marcaliana.com

Advertencia: en esta serie de episodios hablamos del suicidio de Chris Cornell.

En esta cuarta parte comentamos:

• Por qué «Wave Goodbye» es la canción más alegre de un disco que no lo es: está dedicada a Jeff Buckley, y su madre, Mary Guibert, le pidió a Chris Cornell que si escribía algo sobre su hijo no fuera triste. Cómo murió Buckley en un brazo del Mississippi, cantando «Whole Lotta Love», y el falsete con el que Cornell le imita en el puente.
• Qué es un «moonchild»: la manera de decir que alguien es del signo de Cáncer. Está dedicada a Susan Silver, primera mujer y entonces mánager de Cornell, y lleva un Mellotron haciendo de cuerdas desde el segundo estribillo.
• «Sweet Euphoria» es la única canción que hizo Chris Cornell entero y solo: la grabó en su casa, con la guitarra un tono por debajo, y el libreto le acredita a él la producción, la mezcla y la ingeniería.
• «Disappearing One» es una de las dos canciones cuya música no compuso Cornell, sino Alain Johannes y Natasha Shneider, y la única sin parte C (o puente). Los clarinetes que le dan ese aire de marcha fúnebre los toca Johannes.
• Quién toca la batería en cada tema: Victor Indrizzo en «Wave Goodbye», Josh Freese en «Moonchild» y Matt Cameron —el de Soundgarden y Pearl Jam— en «Disappearing One».
• La Jazzmaster, la guitarra que Fender diseñó para el jazz y acabó en manos de Elvis Costello, Tom Verlaine, Robert Smith y Thom Yorke, y que Alain Johannes usó en la gira y probablemente en buena parte del disco.
• Por qué Chris Cornell canta tan arriba sin sonar nunca a metal: el blues y el soul que hay debajo de sus melodías, y en qué se parece y en qué no a Robert Plant, David Coverdale o Bruce Dickinson.

Y por el camino nos encontramos con Tool, King Crimson, Nirvana, Kurt Cobain, Alice in Chains, Stone Temple Pilots, Red Hot Chili Peppers, Led Zeppelin y su ‘Physical Graffiti’, Rick Beato, Ric Markmann, Eddie Vedder y Miguel Ballester, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(01:40) El solo compuesto de «Mission»
(03:43) «Wave Goodbye»
(07:02) Cómo murió Jeff Buckley
(09:44) Por qué el ‘Grace’ no le entra
(12:36) Lo que pidió la madre de Buckley
(16:34) Los bajos y las inversiones
(19:46) «Moonchild»
(22:56) El Mellotron, viejo amigo
(28:41) «Sweet Euphoria», grabada en casa
(35:58) «Disappearing One»
(43:00) Los clarinetes de Alain Johannes

Gnaposs, cuyo nombre real es David Muñoz, es uno de los músicos más solicitados de Barcelona y director académico de Escuela de Guitarristas. Se graduó con honores en el Musicians Institute de Los Ángeles, donde recibió el premio «Best Stylist» de manos de Scott Henderson, que después colaboró en su primer disco en solitario, producido por T. J. Helmerich. Fue guitarrista de Els Pets entre 2004 y 2014, y el último guitarrista de Jarabe de Palo, con quienes giró por Europa, Estados Unidos y Latinoamérica. También tiene una banda de ‘hard rock’, Rocking Horse, y ha publicado seis álbumes con su proyecto propio: https://escueladeguitarristas.com/profesores/gnaposs

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Marc Aliana
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Advertencia: en esta serie de episodios hablamos del suicidio de Chris Cornell.

En esta quinta y última parte comentamos:

• «Pillow of Your Bones» es la única canción cuya música firma Natasha Shneider sola, y su riff abre un debate viejo: si el que se inventa el riff debería figurar como compositor o eso es solo un arreglo.
• Por qué «Steel Rain» cierra el disco por todo lo alto: el tempo arrastrado que la emparenta con «Black Hole Sun» y el ‘outro’ con las tablas indias de Alain Johannes.
• Qué fue de Alain Johannes y Natasha Shneider después: una gira de seis meses y nunca más volvieron a grabar con Cornell. Natasha Shneider murió de cáncer en 2008, con tan solo 52 años.
• Cómo suena el ‘delay’ que envuelve la voz en casi todo el disco, y los pocos segundos en que lo quitan y Cornell se te pone a cantar al oído.
• La transición hacia Audioslave, y por qué a mí me echó para atrás la afinación artificial de aquel disco. Lo produjo Rick Rubin, que mientras se grababa ‘Euphoria Morning’ hacía el ‘Californication’ de los Red Hot Chili Peppers.
• Las veces que Gnaposs y yo vimos a Chris Cornell en directo —él en el Wiltern Theatre de Los Ángeles a los pocos meses de salir el disco, yo en San Diego en 2011— y por qué su afinación en directo daba disgustos.
• Big Wreck, los canadienses de Ian Thornley que Gnaposs recomienda a quien quiera tirar del hilo.

Y por el camino nos encontramos con Josh Freese, Matt Cameron, Kurt Cobain, Dave Grohl, Radiohead, los Black Crowes y Joaquín Sabina, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(00:50) Por qué hay tantos bateristas
(03:58) «Pillow of Your Bones»
(05:22) ¿Un ‘riff’ es composición?
(10:44) El ‘delay’ de todo el disco
(14:57) El ‘break’ de batería de Josh Freese
(18:20) «Steel Rain»
(20:20) ¿Grabado con claqueta?
(33:42) Por qué los 90 no suenan viejos
(34:42) Qué fue de Johannes y Shneider
(38:11) Audioslave y la afinación artificial
(39:34) Big Wreck, la recomendación
(40:45) Las veces que le vimos en directo

Después de esta serie entrevisté a Alain Johannes, coautor y coproductor del disco:

SPOTIFY: https://open.spotify.com/episode/1MjBdqUtwESkHSL4ho1Tsi

IVOOX: https://go.ivoox.com/rf/129331455

APPLE PODCASTS: https://podcasts.apple.com/us/podcast/alain-johannes-habla-sobre-euphoria-morning-de-chris/id1672847595?i=1000656518945

Gnaposs, cuyo nombre real es David Muñoz, es uno de los músicos más solicitados de Barcelona y director académico de Escuela de Guitarristas. Se graduó con honores en el Musicians Institute de Los Ángeles, donde recibió el premio «Best Stylist» de manos de Scott Henderson, que después colaboró en su primer disco en solitario, producido por T. J. Helmerich. Fue guitarrista de Els Pets entre 2004 y 2014, y el último guitarrista de Jarabe de Palo, con quienes giró por Europa, Estados Unidos y Latinoamérica. También tiene una banda de ‘hard rock’, Rocking Horse, y ha publicado seis álbumes con su proyecto propio: https://escueladeguitarristas.com/profesores/gnaposs

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La música que suena en la cabecera de ‘Disco prestado’ forma parte de mi EP ‘The Entertainer’. Lo tienes en todas las plataformas y en marcaliana.com/musica, junto con mi disco ‘El último jardín’.

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Marc Aliana
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En este episodio, Alain Johannes (Eleven, Queens of the Stone Age, Them Crooked Vultures) comenta:

• El papel de cada uno: Alain firmando la música de «Mission», «Follow My Way», «Disappearing One» y «Pillow of Your Bones», Natasha Shneider rearmonizando lo que Chris Cornell traía, y los tres decidiéndolo todo juntos.
• Que el disco no lo iba a producir ninguno de los tres: estaba cerrado que lo produjera Daniel Lanois y canceló el día antes de empezar. Natasha respondió que lo grabaran ellos: siete meses sin presupuesto por día y sin nadie mirando.
• Cómo, gracias a Chris, pudieron montar el estudio casero en el que, sin haberlo planeado, acabaron grabando el disco.
• El proyecto que tenían los tres de formar una banda junto a Matt Cameron, y la sorpresa que se llevaron al enterarse de que Chris se había unido a Audioslave.
• La recepción del disco, incluida la cena en la que el sello se disculpó por que solo hubiera vendido 750.000 copias.
• La influencia del flamenco y de la música clásica carnática en sus guitarras, y por qué casi todas las canciones tienen puente: Natasha y él lo llamaban el caballo de Troya.
• El genio musical de Natasha Shneider: el conservatorio, el oído absoluto y el clarinete que tocó en «Fresh Tendrils», de ‘Superunknown’.

Además, Alain cuenta cómo, en la escuela secundaria, se le ocurrió enseñarle a tocar el bajo a un amigo que hasta entonces solo tocaba la trompeta… Flea.

Y por el camino nos encontramos con Mark Lanegan, Frank Zappa y un hombre araña en el minibar, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(07:41) Daniel Lanois iba a producirlo
(10:08) El estudio que existió gracias a Chris
(14:44) Cómo se grabó la voz
(18:03) «Sweet Euphoria», grabada en casa
(22:16) 750.000 copias y una decepción
(23:42) La sorpresa de Audioslave
(27:42) Por qué hay tantos bateristas
(30:07) Los ‘loops’ de «Flutter Girl»
(35:33) Paco de Lucía y la música carnática
(45:08) Las clases de bajo a Flea
(56:52) El concierto del Poblenou
(01:01:46) Un disco sin afinación artificial

Alain Johannes es un multiinstrumentista, cantante, compositor y productor estadounidense de origen chileno que ha participado en unos trescientos discos. En los ochenta tuvo What Is This?, con Hillel Slovak y Jack Irons, futuros Red Hot Chili Peppers, y en los noventa formó Eleven con su mujer, Natasha Shneider. Ha tocado y producido para PJ Harvey, Queens of the Stone Age, Mark Lanegan o Them Crooked Vultures: https://www.alainjohannes.com/

Esta entrevista cierra la serie de cinco episodios sobre ‘Euphoria Morning’ con Gnaposs, exguitarrista de Jarabe de Palo. Empieza por la primera parte aquí (o búscala en la lista de episodios):

SPOTIFY: https://open.spotify.com/episode/6XWpO1aAoqI9BPmG6Y3gjj?si=UzkfaIxLSCWGgR7OM0xBDg

IVOOX: https://go.ivoox.com/rf/127748290

APPLE PODCASTS: https://podcasts.apple.com/us/podcast/1-5-euphoria-mourning-de-chris-cornell-con-gnaposs/id1672847595?i=1000652895971

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¡Salud y buena música!

Marc Aliana
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La idea es sencilla: en cada serie invito a otro amante de la música a charlar sobre uno de sus discos favoritos, durante los episodios que hagan falta. Y comentamos el disco a fondo, canción a canción: el contexto en que se grabó, las locuras del artista que lo firmó, la composición, los sonidos, las letras... y lo que se preste.

En poco más de un minuto os cuento de qué va esto y a quién le va a gustar.

Enlaces y lista de todos los discos prestados: discoprestado.com

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Marc Aliana
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‘Violator’ se publicó en 1990 en Mute, producido por Flood y la propia banda.

En esta primera parte comentamos:

• La evolución del sonido de la banda desde su primer disco, ‘Speak and Spell’, hasta el ‘Violator’.
• Qué le aportó Flood, que hasta entonces trabajaba sobre todo como ingeniero de sonido y venía de ‘The Joshua Tree’ de U2 y de ‘Pretty Hate Machine’ de Nine Inch Nails.
• Por qué el ‘Violator’ fue un punto de inflexión: el primer top 10 de la banda en el Billboard 200 y, con «Personal Jesus», el 12 pulgadas más vendido de la historia de Warner.
• La estética visual de Depeche Mode como parte fundamental de su legado, con Anton Corbijn ejerciendo casi de miembro más de la banda.
• Por qué han versionado a Depeche Mode artistas tan dispares como Johnny Cash o media escena del metal.
• De dónde puede venir el título del disco y qué pinta una rosa en esa portada.
• Cómo la banda sonora de ‘La naranja mecánica’ inspiró la movida ‘electropunk’ inglesa de finales de los 70.

Y por el camino nos encontramos con The Cure, Kraftwerk, Vince Clarke, Yazoo, Erasure, Giorgio Moroder, The Human League, Cabaret Voltaire, OMD, Stanley Kubrick, Rick Rubin y Fear Factory, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(01:59) La historia de Lucila con la banda
(06:08) Paradise Lost, mi puerta de entrada
(08:45) Los primeros discos, uno a uno
(15:23) El ‘101’ y la radio en México
(18:50) El ‘electropunk’ inglés de los 70
(29:03) Donna Summer y el ‘synth pop’
(30:43) Gary Numan en ‘Top of the Pops’
(35:22) Qué consiguieron con el ‘Violator’
(39:36) La firma de autógrafos de Los Ángeles
(42:00) La rosa y la palabra ‘violator’
(45:31) Las reglas que rompieron en el estudio
(46:46) Cómo salió «World in My Eyes»
(49:39) Dave Gahan mira atrás en la ‘Q’

Lucila Zetina es una referente de la radio alternativa en México. Empezó como locutora en Rock 101 y actualmente presenta ‘Polaroid 105’ en Reactor 105.7 FM, en Ciudad de México, y el pódcast ‘The Basement con Lucila’. Ha entrevistado a artistas como David Bowie, Robert Smith, Ozzy Osbourne, Duran Duran, St. Vincent, Dave Grohl, Coldplay, U2, Enrique Bunbury o Gustavo Cerati: https://www.instagram.com/lucilalocutora

En el momento de grabar el ‘Violator’ Depeche Mode eran Dave Gahan a la voz, Martin Gore a los teclados, la guitarra y la voz, Alan Wilder a los teclados y la programación, y Andrew Fletcher a los teclados. Todas las canciones están compuestas por Martin Gore. El disco se grabó entre mayo y septiembre de 1989 en Logic Studios (Milán), Puk Studios (Gjerlev, Dinamarca), The Church y Master Rock Studios (Londres) y Axis (Nueva York), con Flood y la banda en la producción y François Kevorkian en la mezcla. La portada y la fotografía son de Anton Corbijn.

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Marc Aliana
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En esta segunda parte comentamos:

• La música y la letra de las dos primeras canciones del disco: «World in My Eyes» y «Sweetest Perfection».
• Por qué «World in My Eyes», que es la que abre el disco, acabó siendo el cuarto y último single.
• Que Depeche Mode siempre sostuvieran que no conocían a Kraftwerk antes de grabar su primer disco.
• La combinación entre la voz de Dave Gahan y la de Martin Gore, y por qué en el ‘Violator’ Gahan todavía canta con esa frialdad que perdería después.
• Por qué es tan difícil hacer una buena versión de Depeche Mode, con la de The Cure como excepción.
• Cómo el ‘Violator’ le ganó por un voto al ‘Disintegration’ en la encuesta que mandé a la lista de correo.
• El desgaste personal que sufren muchos músicos en las grandes giras internacionales.

Y por el camino nos encontramos con Sonata Arctica, David Bowie, los Rolling Stones, Sepultura, Sandy Olsson y Danny Zuko, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(01:28) Cómo abre «World in My Eyes»
(04:17) Kraftwerk y las influencias negadas
(07:13) La letra: viaje épico y juego sexy
(09:33) El precio del éxito siendo tan joven
(12:37) El desgaste después del directo
(15:38) El videoclip de «World in My Eyes»
(20:41) Media hora con Robert Smith
(22:37) Ver a Depeche Mode gira tras gira
(24:19) Oakland, Primavera Sound y Warpaint
(28:11) «Sweetest Perfection» y Martin Gore
(31:06) ¿Habla de una droga o de alguien?
(33:19) El 6 por 8 y la balada que revienta

Lucila Zetina es una referente de la radio alternativa en México. Empezó como locutora en Rock 101 y actualmente presenta ‘Polaroid 105’ en Reactor 105.7 FM, en Ciudad de México, y el pódcast ‘The Basement con Lucila’. Ha entrevistado a artistas como David Bowie, Robert Smith, Ozzy Osbourne, Duran Duran, St. Vincent, Dave Grohl, Coldplay, U2, Enrique Bunbury o Gustavo Cerati: https://www.instagram.com/lucilalocutora

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Marc Aliana
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En esta tercera parte comentamos:

• La música y la letra de las cuatro siguientes canciones del disco: «Personal Jesus», «Halo», «Waiting for the Night» y «Enjoy the Silence».
• De dónde puede salir el gancho de «Personal Jesus» y qué tiene que ver la canción con Priscilla Presley y su libro ‘Elvis y yo’.
• El videoclip de «Personal Jesus», con cuatro ingleses disfrazados de vaqueros en un burdel de pueblo fantasma.
• Lo difícil que es hacer una buena versión de Depeche Mode, de Johnny Cash a Nina Hagen.
• Por qué «Enjoy the Silence» iba a ser una balada de ‘harmonium’ y acabó siendo lo que es.
• Cómo cambió la forma de trabajar de la banda cuando Martin Gore empezó a presentar maquetas casi desnudas.
• El interludio escondido detrás de «Enjoy the Silence» y la voz que dice «crucified».

Y por el camino nos encontramos con Marilyn Manson, Sammy Hagar, Neal Schon, Journey, Anton Corbijn, Radiohead, Queen, Elvis Presley y Clint Eastwood, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(01:53) «Personal Jesus», el primer single
(02:27) La Gretsch de Martin Gore
(03:07) El eslogan de AT&T en la letra
(07:56) Sonidos grabados y sampleados a mano
(11:55) Los tres temas de todas sus letras
(16:39) «Halo» y el ‘Ultra’ que vendría
(18:45) «Halo»: pecar sin arrepentirse
(20:31) La épica que no es la de Coldplay
(23:25) «Waiting for the Night», la más íntima
(28:43) «Enjoy the Silence», el segundo single
(32:37) La maqueta de Martin Gore
(39:01) Martin Gore en la ‘Mojo’

Lucila Zetina es una referente de la radio alternativa en México. Empezó como locutora en Rock 101 y actualmente presenta ‘Polaroid 105’ en Reactor 105.7 FM, en Ciudad de México, y el pódcast ‘The Basement con Lucila’. Ha entrevistado a artistas como David Bowie, Robert Smith, Ozzy Osbourne, Duran Duran, St. Vincent, Dave Grohl, Coldplay, U2, Enrique Bunbury o Gustavo Cerati: https://www.instagram.com/lucilalocutora

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En esta cuarta y última parte comentamos:

• La música y la letra de las tres últimas canciones del disco: «Policy of Truth», «Blue Dress» y «Clean».
• Los videoclips de «Enjoy the Silence» y «Policy of Truth», y lo que Dave Gahan pensó del suyo cuando Anton Corbijn se lo contó, antes de verlo montado.
• Dos lecturas distintas de la letra de «Policy of Truth»: la de Lucila y la mía.
• La sensibilidad de Martin Gore como compositor y su habilidad para combinar luces y sombras.
• A qué suena el principio de «Clean» si te sabes el ‘Meddle’ de Pink Floyd.
• Las caras B que se quedaron fuera, como «Memphisto», y por qué el disco se defiende solo escuchado del 1 al 9.
• La lealtad de los fans de Depeche Mode en todo el mundo.

Y por el camino nos encontramos con Tori Amos, Keane, Lacuna Coil, El Principito y los ‘muscle cars’ del autocine, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(02:38) ¿Rey o Principito? La rosa y la capa
(03:00) Cinco días con la silla en la nieve
(06:25) Las versiones de «Enjoy the Silence»
(07:45) «Policy of Truth», el tercer single
(12:38) El único preestribillo del disco
(13:35) «Blue Dress», la más apacible
(19:03) «Clean», el cierre más oscuro
(21:38) Pink Floyd y los sintes del 73
(23:16) Por qué es un buen final de disco
(28:13) 47 minutos y nueve canciones
(31:26) Las canciones para las ‘playlists’
(33:15) Dónde seguir a Lucila

‘Playlist’ musical del programa en Spotify: https://open.spotify.com/playlist/0eDZ47NO0rRQfy6yFWciOW?si=0d03bb520e6e4f76

‘Playlist’ musical de fiesta en Spotify: https://open.spotify.com/playlist/3V1e6rnC8ghpFitC2ZS35p?si=87dcf7f61ffa43a2

‘Playlist’ musical de relax en Spotify: https://open.spotify.com/playlist/0qbBdbkrsqlZGx6poNbTnD?si=4f0a0b141341487d

Lucila Zetina es una referente de la radio alternativa en México. Empezó como locutora en Rock 101 y actualmente presenta ‘Polaroid 105’ en Reactor 105.7 FM, en Ciudad de México, y el pódcast ‘The Basement con Lucila’. Ha entrevistado a artistas como David Bowie, Robert Smith, Ozzy Osbourne, Duran Duran, St. Vincent, Dave Grohl, Coldplay, U2, Enrique Bunbury o Gustavo Cerati: https://www.instagram.com/lucilalocutora

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‘The Doors’ se publicó el 4 de enero de 1967 en Elektra, producido por Paul A. Rothchild.

Advertencia: en esta serie de episodios hablamos de consumo de sustancias.

En esta primera parte comentamos:

• Por qué The Doors no tenían bajista: el Fender Piano Bass que Ray Manzarek tocaba con la mano izquierda y el órgano Vox que les regaló Elektra.
• Cómo se conocieron Jim Morrison y Ray Manzarek en la escuela de cine de UCLA, y la maqueta de «Moonlight Drive» que grabaron como Rick and the Ravens.
• Que Jim Morrison no había cantado nunca antes de montar la banda, que al principio actuaba de espaldas al público y que renegó de su padre militar hasta decir que su familia había muerto.
• La costumbre de descolgarse por la ventana de un piso doce en el club Ondine de Nueva York, y otras anécdotas de ‘Set the Night on Fire’, la autobiografía de Robby Krieger.
• Qué pasaba en Estados Unidos en 1967: Vietnam, los derechos civiles, Muhammad Ali negándose al reclutamiento y el verano del amor.
• Por qué la cara de Jim Morrison ocupa media portada y los otros tres quedan detrás, y la valla de Sunset Boulevard con la que se promocionó el disco.

Y por el camino nos encontramos con The Beatles, Led Zeppelin, Jimi Hendrix, Janis Joplin, Iggy Pop, Nirvana, Héroes del Silencio, Enrique Bunbury, Los Brincos, Los Bravos, Marisol y Raphael, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(03:02) La autobiografía de Robby Krieger
(05:03) Deep Purple o The Doors: la votación
(06:52) Cómo descubrió Arecio el disco
(09:51) Por qué The Doors no tenían bajista
(17:00) Los años del yeyé en España
(18:51) Diez días de grabación en 4 pistas
(20:11) Jim Morrison no cantaba antes
(23:10) El club de los 27
(29:15) La portada y la valla de Sunset
(32:26) El padre militar del que renegó
(39:02) Cuando el LSD era legal
(42:36) El ‘drop D’ y el ‘slide’ de botella

Arecio Smith es teclista, organista y profesor de la Escuela Superior de Música de Cataluña (ESMUC). Ha tocado con bandas como la Fundación Tony Manero, La Kinky Beat o Flow Fanatics, la cual formó con el rapero español Rapsusklei, y estuvo de gira con la cantante de ‘world music’ Fatoumata Diawara, actuando en el Festival de Jazz de Montreux y en Glastonbury. También es miembro de Astrio, una banda experimental con la que ha grabado seis discos entre el rock, el ‘jazz’, la psicodelia y la música electrónica: https://astrio.es/

En el momento de grabar el ‘The Doors’, la banda eran Jim Morrison a la voz, Ray Manzarek al órgano, el piano y el bajo, Robby Krieger a la guitarra y John Densmore a la batería. Todas las canciones están firmadas por los cuatro, salvo «Alabama Song (Whisky Bar)», de Kurt Weill y Bertolt Brecht, y «Back Door Man», de Willie Dixon y Chester Burnett, que es Howlin’ Wolf. Se grabó en agosto de 1966 en Sunset Sound Recorders, en Hollywood, con Paul A. Rothchild en la producción, Jac Holzman como supervisor y Bruce Botnick como ingeniero. Portada de Guy Webster, contraportada de Joel Brodsky, dirección de arte y diseño de William S. Harvey.

Si quieres participar en la elección de los discos que tratamos en el pódcast, visita discoprestado.com y date de alta gratis en mi lista de correo.

La música que suena en la cabecera de ‘Disco prestado’ forma parte de mi EP ‘The Entertainer’. Lo tienes en todas las plataformas y en marcaliana.com/musica, junto con mi disco ‘El último jardín’.

Contacto: discoprestado@marcaliana.com

¡Salud y buena música!

Marc Aliana
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Advertencia: en esta serie de episodios hablamos de consumo de sustancias.

En esta segunda parte comentamos:

• De dónde sale el nombre de la banda: ‘Las puertas de la percepción’, de Aldous Huxley, y la conexión con «Break On Through (To the Other Side)».
• Cómo se grabó el disco en cuatro pistas, qué iba en cada una y por qué la batería suena solo por un lado.
• Por qué en la primera edición de «Break On Through» el «she gets high» está censurado y se queda en «she gets».
• La lista de cosas que Robby Krieger desmiente de la película de Oliver Stone en ‘Set the Night on Fire’: el peyote en el desierto, el Rey Lagarto subido a un coche en Sunset Strip, el armario al que Jim Morrison le prendió fuego y el cumpleaños de una hija que nunca existió.
• Que Jim Morrison sí terminó la carrera de cine en UCLA en 1965, aunque se negara a ir a la ceremonia de graduación.
• Por qué Paul Rothchild, que produjo este disco y el ‘Pearl’ de Janis Joplin, se negó a producir ‘L.A. Woman’, y cómo acabó produciéndolo Bruce Botnick, el ingeniero.
• Por qué John Densmore no dejó que Cadillac usara «Break On Through» en un anuncio, y la demanda cruzada que le pusieron Ray Manzarek y Robby Krieger.

Y por el camino nos encontramos con The Beatles, Pearl Jam, Stone Temple Pilots, Scott Weiland, Stewart Copeland, The Police, Alice Cooper, George Benson, Val Kilmer, Meg Ryan, Johnny Depp, Pamela Courson, Patricia Kennealy, Dylan Jones, Aldous Huxley, el capitalismo y el verano del amor, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(02:45) «The Unknown Soldier», antibelicista
(05:27) Qué es grabar en 4 pistas
(08:52) Cortar la cinta con tijeras
(11:00) Rothchild dijo no a ‘L.A. Woman’
(13:40) ¿Se graduó Jim Morrison?
(15:35) Lo que la película se inventa
(22:28) Dos documentales recomendados
(26:07) Discos en mono en el ‘streaming’
(28:36) «Break On Through», primer single
(29:20) De dónde sale el riff de guitarra
(33:16) El «she gets high» censurado
(41:04) Eddie Vedder y el Hall of Fame
(43:00) Cadillac y la demanda cruzada

Arecio Smith es teclista, organista y profesor de la Escuela Superior de Música de Cataluña (ESMUC). Ha tocado con bandas como la Fundación Tony Manero, La Kinky Beat o Flow Fanatics, la cual formó con el rapero español Rapsusklei, y estuvo de gira con la cantante de ‘world music’ Fatoumata Diawara, actuando en el Festival de Jazz de Montreux y en Glastonbury. También es miembro de Astrio, una banda experimental con la que ha grabado seis discos entre el rock, el ‘jazz’, la psicodelia y la música electrónica: https://astrio.es/

Si quieres participar en la elección de los discos que tratamos en el pódcast, visita discoprestado.com y date de alta gratis en mi lista de correo.

La música que suena en la cabecera de ‘Disco prestado’ forma parte de mi EP ‘The Entertainer’. Lo tienes en todas las plataformas y en marcaliana.com/musica, junto con mi disco ‘El último jardín’.

Contacto: discoprestado@marcaliana.com

¡Salud y buena música!

Marc Aliana
marcaliana.com

Advertencia: en esta serie de episodios hablamos de consumo de sustancias.

En esta tercera parte comentamos:

• Por qué «Soul Kitchen» se parece tanto a otras canciones de la banda, y los giros que The Doors repiten de disco en disco hasta convertirse en clichés de sí mismos.
• Cómo componían, con Jim Morrison cantando a capela unas melodías que no sabía tocar porque no tocaba ningún instrumento.
• Larry Knechtel, del Wrecking Crew de Los Ángeles, que toca el bajo en «Soul Kitchen» y no aparece en los créditos del disco.
• Por qué tantos músicos odian a The Doors, y qué tienen que ver con eso la pentatónica mayor de Robby Krieger y las dos guitarras José Ramírez que su padre le trajo de España.
• Los últimos meses de Jim Morrison en París, y qué cuentan los testimonios del documental de la televisión francesa sobre su muerte: la discoteca, la bañera y un acta de defunción sin autopsia.
• Por qué Ray Manzarek alimentó durante años el rumor de que Jim Morrison seguía vivo, y cómo lo llevó su hermana.
• Qué tiene «The Crystal Ship» de raro —el intercambio modal, que no haya estribillo, el piano que entra en la segunda estrofa— y por qué John Densmore la atribuye a la ruptura de Jim Morrison con Mary Werbelow, su novia anterior a la banda.

Y por el camino nos encontramos con David Bowie, Duran Duran, Aretha Franklin, Édith Piaf, Chopin, los bosquecillos de neón y un equipo de demolición, entre otros.

Índice:

(00:00) Presentación
(01:58) «Soul Kitchen», cocina afroamericana
(02:35) Los clichés de The Doors
(05:07) Cómo componían: Morrison a capela
(08:52) Larry Knechtel al bajo
(10:45) El solo y el ‘bending’ de Krieger
(12:15) Por qué hay músicos que los odian
(14:36) La pentatónica mayor de Krieger
(16:12) Las guitarras José Ramírez
(19:18) El rumor de que seguía vivo
(21:52) París, los últimos meses
(25:30) La discoteca, la bañera, sin autopsia
(32:05) Krieger y la heroína
(34:01) «The Crystal Ship»

Arecio Smith es teclista, organista y profesor de la Escuela Superior de Música de Cataluña (ESMUC). Ha tocado con bandas como la Fundación Tony Manero, La Kinky Beat o Flow Fanatics, la cual formó con el rapero español Rapsusklei, y estuvo de gira con la cantante de ‘world music’ Fatoumata Diawara, actuando en el Festival de Jazz de Montreux y en Glastonbury. También es miembro de Astrio, una banda experimental con la que ha grabado seis discos entre el rock, el ‘jazz’, la psicodelia y la música electrónica: https://astrio.es/

Si quieres participar en la elección de los discos que tratamos en el pódcast, visita discoprestado.com y date de alta gratis en mi lista de correo.

La música que suena en la cabecera de ‘Disco prestado’ forma parte de mi EP ‘The Entertainer’. Lo tienes en todas las plataformas y en marcaliana.com/musica, junto con mi disco ‘El último jardín’.

Contacto: discoprestado@marcaliana.com

¡Salud y buena música!

Marc Aliana
marcaliana.com